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Ole Whiskey Revival – Same – CD-Review

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Review: Michael Segets

Zum Ende des Jahres bietet Ole Whiskey Revival noch einen Southern-Rock-Leckerbissen. Die Band aus Shreveport, Louisiana, debütiert mit ihrem selbstbetitelten Album bei Whiskey Preachin‘ Records. Die Jungs bringen alles mit, was man von einer Southern-Truppe erwartet: gute, erdig und gitarrenorientiert umgesetzte Songs sowie ausufernde Gesichtsbehaarung. Inhaltlich bleiben die Stücke den genretypischen Themen verhaftet. Oft drehen sie sich um Frauen und Whiskey oder um Whiskey und Frauen. Insgesamt eine Scheibe, die richtig Spaß macht.

Mit dem kraftvollen „The Legend Of Jack Savannah“ steigt Ole Whiskey Revival in bester Southern-Manier ein. Der „Crescent City Blues“ entwickelt ordentlichen Drive und der Abschlusstrack „Ramblin‘“ weist ebenfalls einen rockigen Einschlag auf. Das Stück findet sich bereits auf dem Whiskey Preachin‘ Sampler – Volume 1“.

Mit ausdrucksstarker Gitarre bewegt sich „When the Smoke Clears“ zwischen Southern und Outlaw Country. Auch die Balladen bedienen sich in beiden Genres. Wimmernder Slide untermalt „Go Jump In A Creek“ und „Moonshine Melody“. Beim letztgenannten Beitrag übernimmt eine Dame als Duett-Partnerin zeitweise die Lead Vocals. Die Sängerin wird in den Credits nicht genannt, sie verhilft dem Song aber zu einem nostalgischen Siebziger-Jahre-Flair.
Am Ende gibt der Track überraschenderweise richtig Gas. Er belegt, dass Ole Whiskey Revival sich in den Traditionen auskennt und diese kreativ auslebt.

Das herrlich leiernd gesungene „Hairy Legged Hippie Chick“ spielt mit Country-Versatzstücken. Die augenzwinkernde Charakterisierung einer geliebten Frau zeigt, dass Ole Whiskey Revival einen gewissen Sinn für Humor hat, der nicht zuletzt auch auf dem Cover mitschwingt.

Das radiotaugliche „Whiskey Makes It Spin“ wurde als Video vorab ausgekoppelt. Auf die harmonische Midtempo-Nummer zu setzen, ist wahrscheinlich klug. Allerdings sind einige andere Songs letztlich interessanter. So hat „Sweet Evangeline“ ebenfalls einen eingängigen Refrain, die Gitarrenarbeit stellt dort allerdings einen zusätzlichen Pluspunkt dar. Wie dem auch sei, zwischen den Polen Blackberry Smoke und Chris Stapleton bringen Ole Whiskey Revival frischen Wind in die Szene.

Alex Troegel (Gitarre, Gesang) tat sich 2014 mit Trent Daugherty (Gitarre, Gesang), John Garcia (Gitarre, Gesang), and Stevey Hensley (Bass), die zuvor bei Magnolia Mae spielten, zusammen. Als Schlagzeuger trat Ryan Alexander der Band bei und Ole Whiskey Revival wurde geboren. Für das erste Album holten sie sich noch Kyle Roop hinzu, der bei einigen Titeln eine Steel Guitar beisteuert.

Nach „Mojave Gold“ von The Rhyolite Sound erweitert Whiskey Preachin‘ Records seinen Label-Katalog mit Ole Whiskey Revival um einen zweiten Hochkaräter. Ole Whiskey Revival legt mit den neun Eigenkompositionen ein rundum gelungenes Debüt vor. Die abwechslungsreichen Tracks zeigen die Band aus Louisiana als Kenner der Ingredienzien, welche Southern Rock und Outlaw Country ausmachen. Diese würzen sie gelegentlich noch mit einer Prise Humor, sodass sie ernsthaft zu den hervorragenden Neuentdeckungen dieses Jahres zählen.

Whiskey Preachin’ Records/Indigo (2020)
Stil: Southern Rock, Outlaw Country

Tracks:
01. The Legend Of Jack Savannah
02. Hairy Legged Hippie Chick
03. Crescent City Blues
04. Moonshine Melody
05. When The Smoke Clears
06. Sweet Evangeline
07. Whiskey Makes It Spin
08. Go Jump In A Creek
09. Ramblin’

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Whiskey Preachin’ Records

Eric Clapton’s Crossroads Guitar Festival 2019 – CD-Review

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Review: Jörg Schneider

Bereits 1999 organisierte Eric Clapton den Vorläufer des jetzigen Festivals zur finanziellen Unterstützung des Crossroads Center, einer Therapieeinrichtung in Antigua für Drogen- und Alkoholabhängige. 2004 wurde daraus das inzwischen mit Kultstatus behaftete „Crossroads Guitar Festival“. Seitdem hat es unter Führung von Clapton regelmäßig, mit Ausnahme von 2016, alle drei Jahre stattgefunden, zuletzt in 2013.

Nun ist das Festival im Herbst letzten Jahres zum fünften Mal zurückgekehrt und natürlich wieder mit von Clapton handverlesenen Gitarristen und Musikern der Spitzenklasse. Wer von ihm ausgewählt wird und auf dem Festival auftreten darf, kann sich sicherlich mit Recht zur Creme de la Creme der Blues- und Rockmusik zählen.

Mit dabei sind, wie in allen Jahren zuvor auch, die Blues- und Rock-Urgesteine Buddy Guy, und Jeff Beck, sowie Doyle Bramhall ll, Jimmie Vaughan, John Mayer, Robert Cray, Robert Randolph, Sonny Landreth und Vince Gill. Stattgefunden hat das Event am 20. und 21. September letzten Jahres in Dallas mit vielen weiteren Größen der Blues und Rock Szene (Andy Fairweather Low, Peter Frampton, Sheryl Crow, Los Lobos, Bonnie Raitt, Keb‘ Mo‘).

Eine besondere Erwähnung verdienen Doyle Bramhall II, Susan Tedeschis und Derek Trucks Version von „I Wanna Be Your Dog“, dem Punk-Klassiker von Iggy Pop und den Stooges sowie die Clapton Songs „Lay Down Sally“, „Wonderful Tonight“ und „Layla“. Die beiden erstgenannten Songs performt der Meister mit Andy Fairweather Low und „Layla“ mit Doyle Bramhall ll und John Mayer.

Im Laufe des Konzertes erweist Clapton dann auch noch zusammen mit Peter Frampton seine Reminiszenz an George Harrison, und dies, wie könnte es anders sein, mit „While My Guitar Gently Weeps“. Zusätzlich gibt‘s gegen Ende des Festivals noch den Cream-Klassiker „Badge“, der allerdings in Claptons moderner Version nicht so überzeugend klingt.

Vor allem müssen aber die im Line-up auftauchenden talentierten bzw. jüngeren und zumindest hierzulande wahrscheinlich mehr oder weniger unbekannteren Künstler hervorgehoben werden. Sie haben das Festival enorm bereichert.
Citizen Cope ist bereit seit 1995 in Sachen Blues, Soul und Folk unterwegs. Nach seinen Auftritten in 2010 und 2017 war er auch letztes Jahr wieder mit einem Song dabei. Zusammen mit Gary Clark Jr. jammt er den Song „Sons Gonna Rise“, ein hörenswerter, melodiöser Blues mit schönem Gesangsolo im Mittelteil.

Ganz anders Gustavo Santaolalla. Er stammt aus Argentinien und gilt als Mitbegründer des Latin-Rock. Mit „Lait De Ushuaia A La Quiaca“ liefert er ein relaxtes Latin-Instrumental auf der Gitarre ab, begleitet von einer Violine.

Auch „Lift Off“, gespielt von dem erst 25-jährigen Briten Tom Misch, ist ein hervorragendes Instrumentalstück, in dem er vorwiegend auf dem unteren Teil des Gitarrenhalses die Saiten zupft.

Pedro Martins und Daniel Santiago hingegen sind brasilianische Jazzgitarristen. Mit „Retrato“, einer ruhigen, südamerikanischen Gitarrennummer mit leichten Flamenco-Einflüssen, schmeicheln sich die beiden, hervorragend aufeinander eingespielt, in unsere Gehörgänge. In „B-Side“ wird Kurt Rosenwinkel, ein US-Jazzgitarrist der in Berlin lebt und bereits 2013 mit von der Partie war, dann auch noch einmal von Pedro Martins unterstützt. In dem Song stehen ebenfalls wieder weiche und melodiöse Klänge im Vordergrund.

Am meisten beeindruckt hat den Schreiber dieser Zeilen allerdings die jamaikanisch-griechische Sängerin Lianne La Havas. In ihrer Ballade „Is Your Love Big Enough“ überzeugt sie mit klarer Jazz-Stimme und einem minimalistisch-einprägsamen Gitarrenlauf.

Mit „I Say A Little Prayer“ hatten bereits Dionne Warwick in 1957 und 10 Jahre später auch Aretha Franklin Erfolg. Lianne La Havas gelingt es diese zwei in die Jahre gekommenen Stücke nur mit ihrer zarten Stimme und dezenter Gitarre zu entstauben und in einem ansprechenden modernen Gewand leicht jazzig zu präsentieren. Toll!

Eine weitere Überraschung des Festivals war sicherlich die aus South Carolina stammende Marcus King Band. Ihr Titel „How Long“ geht mächtig ab und erinnert durch flotte Bläsersätze an vergangene Soul-Zeiten. Ganz anders, und dennoch absolut hörenswert, ist „Goodbye Carolina“, ein einfühlsamer Südstaaten Blues getragen von Marcus Kings leicht heiserer Stimme.

Den krönenden Abschluss des Festival bilden schließlich nach fast vierstündigem Hör- bzw. Videogenuss die Nummern „Purple Rain“ und „High Time We Went“, die der Meister beide mit dem gesamten Ensemble intoniert und zelebriert.

Insgesamt wurden 43 Songs des zweitägigen Festivals der Nachwelt auf CD, DVD, Blue Ray und Vinyl erhalten. Über den Ladentisch gehen die Teile seit dem 20.11.2020.

Eine kleine Kostprobe des Events gibt’s auf YouTube mit der Marcus King Band – „Goodbye Carolina“, Lianne La Havas – „I Say A Little Player“ und Eric Clapton – „Badge“ zu sehen und zu hören.

RHINO / Warner Music (2020)
Stil: Rock, Blues, Soul

Tracklist:
01. Native Stepson – Sonny Landreth
02. Wonderful Tonight – Eric Clapton & Andy Fairweather Low
03. Lay Down Sally – Eric Clapton & Andy Fairweather Low
04. Million Miles – Bonnie Raitt, Ken Mo’ & Alan Darby
05. Sons Gonna Rise – Citizen Cope with Gary Clark Jr.
06. Lait De Ushuaia A La Quiaca – Gustavo Santaolalla
07. I Wanna Be Your Dog – Doyle Bramhall II with Tedeschi Trucks Band
08. Thats How Strong My Love Is – Doyle Bramhall II with Tedeschi Trucks Band
09. Going Going Gone – Eric Clapton & Tedeschi Trucks Band
10. Lift Off – Tom Misch
11. Cognac – Buddy Guy & Jonny Lang
12. Everything Is Broken – Sheryl Crow with James Bay
13. Every Day Is A Winding Road – Sheryl Crow with James Bay
14. Retrato – Daniel Santiago & Pedro Martins
15. B-Side- Kurt Rosenwinkel with Pedro Martins
16. Baby Please Come Home – Jimmie Vaughan with Bonnie Raitt
17. I Shiver – Robert Cray
18. How Long – The Marcus King Band
19. Goodbye Carolina – The Marcus King Band
20. While My Guitar Gently Weeps – Peter Frampton with Eric Clapton
21. Space For The Papa – Jeff Beck
22. Big Block – Jeff Beck
23. Caroline No – Jeff Beck
24. Cut Em Loose – Robert Randolph
25. Hold Back The River – James Bay
26. When We Were On Fire – James Bay
27. Mas Y Mas – Los Lobos
28. Am I Wrong – Keb‘ Mo’
29. Slow Dancing In A Burning Room – John Mayer
30. How Blue Can You Get – Tedeschi Trucks Band
31. Shame – Tedeschi Trucks Band
32. Ís Your Love Big Enough – Lianna La Havas
33. I Say A Little Prayer – Lianna La Havas
34. Feed The Babies – Gary Clark Jr.
35. I Got My Eyer On You Locked Loaded – Gary Clark Jr.
36. Pearl Cadillac – Gary Clark Jr.
37. Tonight The Bottle Let Me Down – Vince Gill with Albert Lee & Jerry Douglas
38. Tulsa Time – Vince Gill with Albert Lee & Jerry Douglas
39. Drifting Too Far From The Shore – Bradley Walker with Vince Gill, Albert Lee         & Jerry Douglas
40. Badge – Eric Clapton
41. Layla – Eric Clapton with John Mayer & Doyle Bramhall II
42. Purple Rain – Eric Clapton & Ensemble
43. High Time We Went – Eric Clapton & Ensemble

Eric Clapton’s Crossroads Guitar Festival
Eric Clapton
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Oktober Promotion

Henrik Freischlader Band – Missing Pieces – CD-Review

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Review: Michael Segets

Das Musik-Business hat sich mit der Entwicklung der Digitalität deutlich verändert. Der Siegeszug der Streaming-Dienste auf der einen Seite und das Wiederaufkommen von Vinyl auf der anderen spiegeln wohl zwei unterschiedliche Zugangsweisen zur Musik dar. Die CD steht zwischen den beiden Extremen und wird wahrscheinlich langsam vom Markt verdrängt.

Während die schnelle Verfügbarkeit (fast) jedes Einzeltitels in Zeiten des Internets problemlos möglich ist, nehmen sich Vinyl-Enthusiasten Zeit für eine Platte. Bei der ästhetischen Zelebration des Abspielen eines Albums – vom nahezu ehrfürchtigen Herausnehmen aus dem Cover über das vorsichtige Auflegen und Entstauben der Rillen bis hin zum sanften Setzen der Nadel – kommt jedem Schritt eine Bedeutung zu. Das haptische Erlebnis, das dem Hörgenuss vorausgeht, wird durch die visuelle Wahrnehmung des Covers ergänzt. Musikgenuss ist hier nicht nur auf das Auditive beschränkt.

Den Anlass für diese schon fast philosophische Betrachtung liefert das neue Werk „Missing Pieces“ der Henrik Freischlader Band, von dem mir die CD-Version vorliegt. Das Digi-Pack folgt dem raffiniertesten Gesamtkonzept, welches mir seit langer Zeit untergekommen ist. Einerseits ist das Cover-Artwork von Caroline Sandmayer zu erwähnen, das durch ein Cut-Out zwei Ebenen aufweist. Andererseits beeindruckt die Idee, jedem Track ein doppelseitig bedrucktes Blatt zu widmen, das zwischen die beiden Ebenen des Titelbildes eingeschoben werden kann. Man hat also 27 Cover-Varianten zur Auswahl.

Musikalisch knüpft „Missing Pieces“ an den Vorgänger „Hands On The Puzzle“ an. Wieder in den Arnsberger Megaphon Tonstudios aufgenommen, verzichten Freischlader und seine Mannen auf Overdubs bei den live eingespielten Tracks, wodurch die Scheibe ehrlich und handgemacht klingt. Der Songwriter, Sänger und Gitarrist Henrik Freischlader setzt erneut auf die Stammbesetzung seiner Begleitband, die unverändert aus Roman Babik an den Keyboards, Armin Alic am Bass, Moritz Meinschäfer am Schlagzeug sowie Marco Zügner am Saxophon besteht.

Das elegische „Opening“ eröffnet mit ausgiebigen, wehmütigen Gitarrenklängen das Album. Das Instrumental leitet atmosphärisch das folgende „New Beginning“ ein, bei dem die eindringliche Gitarrenarbeit fortführt wird.

Die Stücke auf „Missing Pieces“ bewegen sich überwiegend im Bluesspektrum („I Wanna Thank You“, „We Used To Be Happy“). Besonders gelungen sind „Justice Blues“ sowie das rauere „What Have I done To You?“. Mit seiner rockigen Note weiß „Let The People Bee Free“ zu überzeugen. Neben seiner Domäne, dem Blues, greift Freischlader mehrmals Funk-Elemente auf. So klingen Funky-Töne trotz des Titels bei „It Ain’t Funky“ an. Zu hören sind sie auch bei „Power To The Peaceful“, das an die Musik der Siebziger rund um „Shaft“ erinnert.

Manchen Songs („One And One Is One“, „Walking In The Shadows Of The Spotlight“) gibt die Henrik Freischlader Band eine Portion Soul mit, woran Marco Zögner am Saxophon einen großen Anteil hat.

Experimentellere Passagen finden sich, wie für Freischlader üblich, ebenfalls auf dem Longplayer. Von diesen bin ich ja kein Freund, aber nach mehrmaligen Hören integrieren sie sich in die Songs. Lediglich bei „Another Missing Piece“ nehmen die Keys einen Improvisationscharakter an, den ich nicht mehr mitgehe.

„Missing Pieces“ ist ein Beispiel dafür, dass man sich für Musik Zeit nehmen sollte. Die Stücke gewinnen bei jedem Durchlauf. Als Gesamtkunstwerk ist die Hardcopy ein Highlight, das sich auch unter dem Tannenbaum gut macht.

Cable Car Records (2020)
Stil: Blues, Funk

Tracks:
01. Opening
02. New Beginning
03. Power To The Peaceful
04. Let The People Be Free
05. Another Missing Piece
06. Justice Blues
07. It Ain’t Funky
08. I Wanna Thank You
09. What Have I Done To You?
10. Grown Up
11. One And One Is One
12. We Used To Be Happy
13. Walking In The Shadows Of The Spotlight

Henrik Freischlader
Cable Car Records

Russell Dickerson – Southern Symphony – CD-Review

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Der aus Union City, Tennessee, stammende Musiker mit seinem zweiten Album! Russell Dickerson, der bereits mit seinem Gold-dekorierten Debüt „Yours“ und diversen Singles daraus, einen erfolgreichen Einstieg mit einigen Top-10-Platzierungen ins Music Business gefeiert hatte, weiß, wo in der Musikhauptstadt der USA, der Hase langläuft.

Schließlich hat er einen Bachelor-Hochschulabschluss an der dortigen, berühmten Belmont-Universität vorzuweisen. Jetzt hat er erneut mit Langzeit-Freund Casey Brown, der schon den Erstling in vielerlei Hinsicht (Produzent, diverse Musikinstrumente und Co-Writer) begleitet hatte und Dann Huff (als Co-Produzent), den zweiten Streich mit „Southern Symphony“ ausklamüsert (klasse übrigens auch das coole Cover wie seiner Zeit bei Kid Rocks „Born Free„).

Russell liefert zehn wunderbar kurzweilige und eingängige  New Country-Songs, die exzellent den Spagat zwischen ’nicht zu poppig‘ und ‚doch noch Country-kompatibel genug‘ meistern. Ein Erfolgsgarant dafür ist seine starke Charakterstimme und das fulminante versierte E-Gitarrenspiel von Huff.

Hier weiß man sofort, ohne auch nur eine Backgroundinformation zum Album gelesen zu haben, dass er seine Finger, im wahrten Sinne des Wortes, im Spiel hat.  Unverkennbar wieder Huffs hymnisch anmutende Soli.

Herausstechende Songs sind neben dem tollen Opener „Never Gets Old“ (mit Skynyrd-umwehten E-Gitarren), unzweifelhaft der pathetische Lovesong „Love You Like I Used To“ (klasse Powerrefrain, zwei heulende Southern-E-Soli von Huff), der wieder die Top-5 der Billboard-Single-Charts erklommen hat und die launig-süffige Kooperation mit dem Erfolgsduo Florida Georgia Line bei „It’s About Time“.

Weiterhin wissen u. a. das wunderbar countryesk-melancholische Titelstück „Southern Symphony“ (mit allem was Country ausmacht: Dobro, Steel, Diddle, einfühlsame Gitarren – einfach klasse instrumentiert und gesungen) oder auch der melodische Schmachtfetzen „Come To Jesus“ in einem durchgehend überzeugenden Zweitwerk zu gefallen.

Und wenn Dickerson seiner Liebsten beim finalen „Waiting For You“ voller Inbrunst samt poppiger 90er-Jahre-Keys und -Sirenen-Sax-Soli gesteht, dass er sein ganzes Leben auf sie gewartet habe, dann wartet man schon jetzt gespannt auf seine weitere musikalische Entwicklung.

Russell Dickersons „Southern Symphony“ beinhaltet eine perfekt von Huff arrangierte, moderne New Country-Sinfonie in zehn Sätzen (meist in Midtempo-/Powerrefrain-Struktur). Stoff für Freunde von Interpreten wie Kip Moore, Chase Rice, Billy Currington, Canaan Smith, David Nail, Phil Vassar & Co., der bestens unterhält. Dickes Kompliment an Russell Dickerson und sein ihn umgebendes Team!

Triple Tigers/Membran (2020)
Stil: (Country) Pop

01. Never Gets Old
02. Home Sweet
03. All Yours, All Night
04. Love You Like I Used To
05. Forever For A Little While
06. It’s About Time (feat. Florida Georgia Line)
07. Honey
08. Southern Symphony
09. Come To Jesus
10. Waiting For You

Russell Dickerson
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Oktober Promotion

Larkin Poe – Kindred Spirits – CD-Review

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Review: Stephan Skolarski

Als das Larkin-Poe-Duo, bestehend aus den Schwestern, Megan und Rebecca Lovell, 2015 ihren Video-Service mit live eingespielten Cover-Songs startete, war die Begeisterung der Fans in der Anzahl abgerufener Views leicht zu erkennen. Diese über die Jahre schnell gewachsene Nachfrage hatte zur Folge, dass Larkin Poe ihr erstes Cover-Album „Kindred Spirits“ mit bisher nicht veröffentlichten Titeln herausgeben. 11 Favoriten der beiden Lovells, die sie stets gedanklich begleiteten und innerhalb von 5 Tagen im Home-Studio aufgenommen wurden.

Der Einstieg in die Scheibe wird durch den außergewöhnlichen Robert Johnson Delta-Blues „Hellbound On My Trail“ (1937) zu einer Einladung in den oft spontanen Variantenreichtum der Schwestern. Dies gilt genauso für „Fly Away“, dem Lenny Kravitz-Cover, das auf eine bluesy-slide und immer noch powervolle Version reduziert ist. In einer magischen Southern-Lap-Steel Fassung erscheint „Rockin‘ in The Free World“, die legendäre Neil Young-Nummer vom „Freedom“-Album, deren eindrucksvolle Lyrics-Botschaft durch die zurückhaltende Gestaltung noch deutlicher wirkt.

Dass die beiden Lovells in einer Musik-liebenden Familie aufgewachsen sind und viele der „Kindred Spirits“-Titel seit ihrer Kindheit zu ihnen gehören, betont Megan ebenso deutlich, wie die besondere Bewunderung gegenüber den ursprünglichen Künstlern, die in ihren Cover-Versionen zum Ausdruck kommt. Exemplarisch sind „(You’re The) Devil In Disguise“ als Western-Sound-Track-artige Elvis Presley-Hommage und der Phil Collins-Hit „In The Air Tonight“; Beispiele für entschleunigte und sanfte Töne, und kreative Song-Verwandlungen.

Dies gilt gleichermaßen für die Vorab-Single von „Nights In White Satin“, dem großartigen Moody Blues-Welterfolg, der hier durch Megans klare Saitenarbeit, seine klassische Intensität ganz neu entwickelt. Mit Bo Diddleys „Who Do You Love“ folgt eine weitere, historisch berühmte Nummer (1957), die ihren Rock ’n‘ Roll-Charakter bei Larkin Poe geradezu zärtlich auf Duett-Vocals mit Southern-Guitar-Touch komprimiert. Auch der Post-Malone-Song „Take What You Want“ wird danach in einer fast traurig-intensiven Darbietung nur minimal ausgestattet und harmonischen Vocals überlassen.

Selbstverständlich konnten die „kleinen Schwestern der Allman Brothers“, die ihre südstaatliche Herkunft und musikalische Vorbildung nicht verleugnen, am typischen Southern-Rock-Titel nicht vorbei und haben mit „Ramblin‘ Man“ eine abgespeckte jedoch kraftvolle Seite aufgezogen. Zur slow-bluesigen Seite der Schwestern gehört die nostalgische Ausgabe von Derek & The Dominoes „Bell Bottom Blues“, der in seinem ruhigen Kontrast zum vorherigen Song eigentlich auf den melancholischen Abschluss des Longplayers vorbereitet: einen gedimmten „Crocodile Rock“. Elton Johns Original wird dabei in „einfacher“ Lap-Steel-Version auf die „Füße gestellt“.

Larkin Poe verbinden auf ihrem neuen Album „Kindred Spirits“ viele unterschiedliche, aber verwandte „Geister“ und transportieren eine leidenschaftliche Energie in ihren Songs. Die instrumental reduzierten Cover-Versionen zeigen die „Ursprünge“ der durchweg erfolgreichen Originale. Wenn wir der Corona-Krise schon etwas Positives abgewinnen wollen, dann können wir uns immerhin freuen, dass Larkin Poe ihre aufgezwungene Tour-Pause erfrischend unterhaltsam genutzt haben.

Tricki-Woo Records (2020)
Stil: Roots Rock, Blues

Tracklist:
01. Hellhound On My Trail
02. Fly Away
03. Rockin’ In The Free World
04. (You’re The) Devil In Disguise
05. In The Air Tonight
06. Nights In White Satin
07. Who Do You Love
08. Take What You Want
09. Ramblin’ Man
10. Bell Bottom Blues
11. Crocodile Rock

Larkin Poe
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Another Dimension

Miss Emily – Live At The Isabel – CD-Review

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Review: Jörg Schneider

„Live At The Isabel“ ist ein Zusammenschnitt von vier Konzerten, die Emily Fennell, so ihr bürgerlicher Name, von Oktober 2017 bis Februar 2020 im Isabel Bader Centre For The Performing Arts in Kingston, ihrer Wahlheimat, in Ontario, Kanada gegeben hat. Ihre Songs transportieren Einflüsse von Soul und Motown Classic, aber auch von Gospel und Blues, teils mit jazzigen Zutaten gewürzt, wobei die Soul- und Blueselemente überwiegen.

Unterstützung hat die Kanadierin dabei auf ihren Konzerten von zahlreichen Sessionmusikern u. a. mit Kontrabass, Orgel, Klavier, Saxophon und Background Vocals erhalten. Sie selbst singt natürlich die Leadvocals, spielt aber auch E-Gitarre, Akustikgitarre und Piano.

Insgesamt haben es aus ihren Konzerten fünfzehn Songs auf ihre Live-CD geschafft. Über die Hälfte davon sind Eigenkompositionen, aber auch Adaptionen vom Bill Withers („Who Is He“), Wayne Thompson („The Letter“), Bert Russell („Cry To Me“) und Per Gessle („It Must Have Been Love“) sind dabei.

Der Longplayer startet gospelig-fröhlich mit dem Piano getragenen „Sometimes It‘s Better To Lose“ und gibt einen ersten Vorgeschmack auf die stimmlichen Qualitäten der Protagonistin. Soulige Anleihen bieten das modern arrangierte Bill Withers-Midtempo-Stück „Who Is He“, der Bert Russell-Klassiker „Cry To Me“ (mit leichtem Gospel-Feeling, erzeugt von wunderschönen Background vocals).

Fast alle anderen Songs lassen sich unter dem Oberbegriff „Blues“ zusammenfassen. Dort stechen besonders die Titel „Three Words“ und „Long Time Running“ hervor. Im ersteren Song wird Miss Emily lediglich, genau wie auf „Dear CBC“, durch ein Piano begleitet und in dem anderen Titel singt sie fast a-capella, da hier nur eine sehr, sehr dezent gespielte Gitarre als Untermalung zu hören ist. Und auch „Blue Is Still Blue“ ist mit einem vorsichtigen Schlagzeug im Hintergrund sehr minimalistisch instrumentiert.

All das bringt natürlich Miss Emilys warme Stimme in all ihren Facetten hervorragend zu Geltung und die aus der Feder von Per Gessle stammende Ballade „It Must Have Been Love“, mit der bereits Roxette 1987 einen Hit landen konnte, wird von ihr zart und gefühlvoll interpretiert. Ebenso einfühlsam schmeichelt sie sich mit „My Friend“ und „Beautiful You“ in unsere Ohren ein.

Einen dezent jazzigen Anstrich weisen „The Sellout“ (mit schönem Background-Chor) und das abwechselnd ergeben und trotzig wirkende „No“ auf.
Gut tanzbare Songs muss man auf diesem Album allerdings schon fast suchen. Lediglich „Land Of Greed“ und natürlich der Box Tops-Klassiker „The Letter“, hier in einem frischen, rockigen Gewand mit jazzigem Gebläse, zählen dazu.

Abschließend präsentiert Miss Emily dann noch eine weitere Eigenkompositionen namens „Hold Back The River“, dem ein rhythmisches Klatschen zu Grunde liegt und das stellenweise an Peggie Lee’s „Fever“ aus den 60’er Jahren erinnert.

In der jetzigen Zeit, in der wir uns gezwungenermaßen mehr zuhause aufhalten und dort die längeren Abende genießen müssen, bietet die Scheibe ausreichend Stoff, um zu relaxen und zu entspannen.

Miss Emily hat eine umwerfende Alt-Stimme, die sie in einigen Songs zusätzlich mit einem schönen Timbre würzt. Nicht umsonst wurde sie noch zu Beginn des Jahres bei den Maple Blues Awards in Toronto als beste Sängerin des Jahres 2019 ausgezeichnet.

Eigenproduktion (2020)
Stil: Blues, Soul

Tracks:
01. Sometimes It‘s Better To Lose
02. Land Of Greed
03. Who Is He
04. Three Words
05. The Letter
06. Blue Is Still Blue
07. Dear CBC
08. The Sellout
09. Long Time Running
10. Cry To Me
11. My Friend
12. No
13. It Must Have Been Love
14. Beautiful You
15. Hold Back The River

Miss Emily
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Granger Smith – Country Things – CD-Review

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Wie auf dem Cover bestens dargestellt, ist Granger Smith ein Country-Bursche durch und durch. Das aus Dallas stammende Multitalent (Musiker, Buchautor, Modelabelinhaber, Youtube-Serien-Star mit „The Smiths“, Fund-Gründer) war ja auch schon mit seinen Werken „4×4“ und „Dirt Road Driveway“ früher zu Gast in unserem Magazin.

Jetzt sprudelte seine ungemeine Kreativität erneut aus ihm heraus und er präsentiert hier auf seinem neuen Album „Country Things“ gleich 18 Stücke. Kräftig unterstützt wird er dabei mit gleich vier Tracks von seinem,  tiefstes Country-Slang sprechenden, Kautabak kauenden und Bier trinkenden Alter Ego Earl Dibbles Jr.

Der präsentiert sich in absoluter Hochform und ist bei den ausnahmslos starken Songs „Country & Ya Know It“ (launiger Southern Country Rock, sogar line-dance tauglich und mitsingbar), „Workaholic“ (herrlicher Text zu beach-tauglicher Musik „when it comes to weekend, I’m a workaholic…“ ), „Diesel“ (beißender, Pferde-starker Southern Rocker) und dem finalen epischen „Holler“ mit an Bord.

Granger selbst glänzt wieder mit seinen melodischen Liedern, die allesamt mit ihrer Melodik und den eingängigen Refrains zu überzeugen wissen. Da gibt es fast zwei Hände voll an Kandidaten, die man auch gut im Radio laufen lassen kann.

Verlassen kann er sich dabei auf viele tolle und gestandene Musiker wie u. a.  Mark Hill (Bass) , Mike Johnson (Steel Guitar), Derek Wells (Guitars – überragend!), Dave Cohen (Keys), Bryan Sutton (Acoustic guitar), Eric Darken (Percussion, Drums), Wes Hightower (Background vocals) verlassen, auch ein Indiz dafür, dass Smith sich im Business längst mit viel Fleiß etabliert hat.

Auf meinem Notizzettel sind hier das wunderbare „Man Made“ (famose Dobro-ähnliche Akustikgitarre von Derek Wells samt Solo), das entsprechend des Titels, emotional vorgetragene „Hate You Like I Love You“, das stimmungsvolle „Where I Get It From“ (selbstironischer Refrain, starke Bariton-E-Gitarre von Wells), das fernweh-erzeugende „Mexico“, der PS-trächtige Southern Rocker „Chevys, Hemis, Yotas & Fords“, die wirklich schöne Hommage an die normalen Alltagshelden („…not for the ones on the screens in Hollwood…“) mittels „Heroes“, sowie das für mich hittauglichste Lied „That’s Why I Love Dirt Roads“ (in zwei Versionen, u. a. mit Tiktok-Star Lathan Warlick), als besondere Highlights vermerkt.

Hinter bekannten Kollegen wie u. a.  Brad Paisley, Blake Shelton oder Eric Church (wem der mittlerweile zu experimentell ist, liegt hier bei Smith in jedem Fall richtig), braucht der umtriebige Texaner sich längst nicht mehr zu verstecken.

Wie typisch für ihn, versucht Granger Smith hier maßgeblich, mit den countrytypischen, oft im Genre besungenen Themen (Naturverbundenheit, Treue, Religiösität, Autos, Sport, Bescheidenheit, etc.) zu punkten, die bei der überwiegend konservativ strukturierten Musikhörerschaft in den Staaten gut ankommt (und das macht er wirklich gut). „Country Things“ halt! Und auch Earl Dibbles Jr. kann sich überaus zufrieden auf der Veranda zurücklehnen und das nächste kühle Bierchen genehmigen…

BMG Rights Management (2020)
Stil: New Country

01. Country Things
02. Man Made
03. Hate You Like I Love You
04. Country & Ya Know It (feat. Earl Dibbles Jr.)
05. I Kill Spiders
06. Where I Get It From
07. Buy A Boy A Baseball
08. Mexico
09. That’s What Love Looks Like
10. Chevys, Hemis, Yotas & Fords
11. 6 String Stories
12. Anything Like Me
13. That’s Why I Love Dirt Roads
14. Heroes
15. Workaholic (feat. Earl Dibbles Jr.)
16. Diesel (feat. Earl Dibbles Jr.)
17. That’s Why I Love Dirt Roads (feat. Lathan Warlick) – Bonustrack
18. Holler (feat. Earl Dibbles Jr.) – Bonustrack

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Kenny Wayne Shepherd Band – Straight To You Live – CD-/DVD-Review

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Review: Stephan Skolarski

Auf seiner ausgedehnten „Traveler World Tour“ war der US-amerikanische Blues Rock-Gitarrist Kenny Wayne Shepherd neben den Auftritten in Sao Paulo, London und Mumbai Ende 2019 u. a. auch in Leverkusen gelandet. Shepherd und seine Band spielten dort auf den 40. Jazztagen, ein vom WDR aufgezeichnetes Konzert, das nun unter dem Titel „Straight To You Live“ veröffentlicht wird.

Der mit großer Besetzung inklusive Bläser Truppe angereiste 43-jährige Songschreiber und Produzent, hat für diesen Festival-Gig auf den exzellenten Ruf der „iconic German TV Show Rockpalast“ (Shepherd) zurückgegriffen und die hervorragenden Aufnahmen vom 25.11.2019 als zweites Live-Album seiner Karriere und erste Konzert-DVD herausgegeben.

‚Aufreißer‘ des Sets ist das fesselnde Blues-Rock-Stück „Woman Like You“, das wie die folgenden Songs „Long Time Running“ und „I Want You“ vom vorherigen Longplayer „The Traveler“ stammt. Von Beginn an lässt Shepherd den überwiegend extended ausgerichteten Blues-Rock-Interpretationen viel Raum für seine ausgedehnten Soli und zugleich ebenso Platz für die eindrucksvollen Einzelleistungen der Bandkollegen.

Die Auswahl tiefgreifend swingender Slow-Blues-Tracks, wie „Heat Of The Sun“ und „Shame, Shame, Shame“ ermöglichen den Leadvocals von Noah Hunt ebenfalls längere brillante Selbstdarstellungen, die sich wie ein roter Faden wechselnder Energie im Spannungsfeld mit den Soloinstrumenten in den Songs entwickeln.

Wie gut Kenny Wayne Shepherd neben exklusiver Gitarrenkunst außerdem gesangliche Qualitäten beherrscht, zeigt er nicht zuletzt bei „Diamonds & Gold“, dem Boogie „Down For Love“ und beim klassischen Chicago-Blues-Cover „Talk To Me Baby“ (im Original von Elmore James).

Die fulminante Bandleistung, die in dieser 7-köpfigen Formation erstmals in Europa begeistert, wird beim 1997er Mega-Seller „Blue On Black“ nochmals getoppt. Besonders bemerkenswert ist, dass dieses Stück unlängst auf Initiative der kalifornischen Rockband Five Finger Death Punch (featuring Kenny Wayne Shepherd, Country-Sänger Brantley Gilbert und Queen-Gitarrist Brain May) 2018 nochmals den 1. Platz der Billboard Chart erreichen konnte.

Vom Publikum gleichermaßen umjubelt wurde der alte Muddy Waters-Song „(I’m a) King Bee“, der anschließend und als Zeichen für den flexiblen Sound der Band, puren Chicago Rhythm and Blues abliefert. Eine kaum mehr mögliche Steigerung des Auftritts brachte danach zum Abschluss jedoch die Stevie Ray Vaughn-Version des legendären Jimi Hendrix-Klassikers „Voodoo Child“, in einer 12-Minuten Edition.

Der Guitar-Maestro Kenny Wayne Shepherd hat sich in den vergangenen Jahren einen außergewöhnlichen Rang erspielt und liefert mit „Straight To You Live“ einen Konzert-Mitschnitt ab, der als umwerfendes Blues-Rock-Ereignis eine ausgewogene Setlist meisterlich und mit großartiger Begleitband inszeniert.

Hier ist es naheliegend die Kategorie eines der besten Blues-Rock-Live-Alben des Jahres zu vergeben. Für Fans von DVD-/Blu-Ray-Ausgaben gibt es mit dem Bonus Titel „Mr. Soul“, einen Buffalo Springfield-Track obendrauf. Ab September 2021 soll die „Traveler World Tour“ dann hoffentlich wieder in Deutschland fortgesetzt werden. Für Blues-Rock-Begeisterte ein Pflichttermin, auf den man sich schon jetzt durch Rockpalast „Straight To You Live“ perfekt einstimmen kann!

Provogue Records (2020)
Stil: Blues-Rock

Tracklist:
01. Woman Like You
02. Long Time Running
03. I Want You
04. Diamonds & Gold
05. Talk To Me Baby
06. Heat Of The Sun
07. Down For Love
08. Shame, Shame, Shame
09. Turn To Stone
10. Blue On Black
11. King Bee
12. Voodoo Child (Slight Return)

Kenny Wayne Shepherd
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Mascot Label Group

When Rivers Meet – We Fly Free – CD-Review

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Review: Jörg Schneider

Das britische Newcomer-Ehepaar Grace und Aaron Bond ist erst seit 2019 im Geschäft und hatte bereits im letzten Jahr mit ihrem Kurzwerk EP „The Uprising EP“ in der heimischen Blues-Szene für mächtig Wirbel gesorgt, so dass bereits im Mai 2020 eine weitere EP mit dem Titel „Innocence Of Youth“ folgte. Und nun erscheint ihr erstes „komplettes“ Debüt-Album „We Fly Free“.

Im Vergleich zu den beiden Vorgängern hinterlässt die neue Scheibe einen über weite Strecken eher düstereren Klangeindruck, wobei die Vorliebe der beiden zu klassischem Rock eindeutig zum Vorschein kommt. Mit ihrer klaren Alt-Stimme setzt Grace Bond im Leadgesang immer wieder wirkungsvolle Kontraste zu den ansonsten oftmals mächtigen Gitarrenriffs, die ihr Mann Aaron an der Leadgitarre, unterstützt von Adam Bowers am Bass, hervorzaubert.

Er selbst hält sich dabei gesanglich zurück und ist nur auf wenigen Stücken als Leadsänger zu hören (z. B. „Take Me To The River“). Graces wundervolle Lead-Stimme kommt am besten in den etwas ruhigeren, nicht so bombastisch klingenden Tracks, bzw. Passagen zur Geltung. „I’d Have Fallen“, ein ruhiger Song mit nachdenklich stimmenden Lyrics und Violinenunterstützung ist so ein Beispiel dafür oder auch das ruhige „I Will Fight“ mit bluesigem Slidegitarrenintro, Harmoniegesängen und rhythmusstiftendem Klavierspiel im Hintergrund.

Auch in „Friend Of Mine“ kann Grace ihr Sangeskünste und stimmliche Bandbreite eindrucksvoll unter Beweis stellten. Es ist ein eher in die traditionelle Richtung weisender Blues mit Cigarbox- und Slidegitarreneinlagen. Dies sind auch die mit Abstand gelungensten Nummern auf der Scheibe.

Ansonsten rockt die Scheibe mächtig und die zahlreichen Slidegitarrenriffs verleihen den Songs eine besondere Note, z. B. in „Did I Break The Law“ (fetter Bass und energiegeladener Rhythmus), im schweißtreibenden „Battleground“, in „Kissing The Sky“ (Slide-Mandoline und Hammondorgel im Stil der 70’er Jahre) oder auch in dem Rocker „Take Me To the River“. Melodiös-gemächlich startet „Bound For Nowhere“ und wechselt sich im weiteren Verlauf immer wieder mit temporeichen Passagen ab.

Nach eigenem Bekunden liebt das Ehepaar Bond Harmoniegesänge, beispielsweise zu hören in „Walking On The Wire“ oder dem gefühlvollen und zum Träumen einladenden Akustik-Gitarren-Blues „Bury My Body“. Neben dem langsam daher rollenden „Breaker of Chains“ mit Americana-Attitude ist dies auch der wirklich einzige Song auf der Scheibe, der sich klar dem Blues zuordnen lässt.

Mit dem Titelsong „We Fly Free“ findet das Album dann nach gut 40 Minuten einen rockigen Abschluss. Ein fetziges Schlagzeugintro, Graces Gesang kombiniert mit unterschiedliche Tempi erzeugen Spannung und Kontraste, die es noch einmal richtig hoch her gehen lassen.

Bemerkenswert an dem Werk ist, dass Grace Bond mit einer Slide-Resonator-Mandoline und einer Violine für zusätzliche, ungewöhnliche Akzente sorgt. Schade nur, dass Hammond-Orgel, Klavier und Slide-Mandoline angesichts der mächtigen Gitarrenriffs oftmals übertönt werden und dadurch unnötigerweise in den Hintergrund treten. Da wird aus meiner Sicht viel Potential verschenkt. Trotzdem sorgt alles zusammengenommen für einen fetten Sound mit Alleinstellungsmerkmal.

Insgesamt gesehen ist das Album wohl eher dem Rock/Alternative Rock mit bluesigen Einflüssen zuzurechnen. In die Schublade „Blues“ passt die Scheibe nicht so wirklich hinein. Trotzdem oder gerade auch deshalb ist das Teil sicherlich für Leute interessant, die deftigere Töne bevorzugen.

One Road Records (2020)
Stil: Rock/Alternative Rock/Blues

Tracklist:
01. Did I Break The Law
02. Bound For Nowhere
03. Walking On The Wire
04. I’d Have Fallen
05. Battleground
06. Kissing The Sky
07. Breaker Of Chains
08. I Will Fight
09. Bury My Body
10. Take Me To The River
11. Friend Of Mine
12. We Fly Free

When Rivers Meet
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Another Dimension

Lee Brice – Hey World – CD-Review

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Mit seiner Hitsingle „A Woman Like You“ oder spätestens mit dem Nr. 1-Album „I Don’t Dance“, ist Lee Brice in der Gilde von Nashvilles Premium-Interpreten angekommen. Im Prinzip haben aber alle seine vier bisherigen Werke mit Plätzen unter den Top-10 glänzen können.

Der ehemalige Footballer hat (wenn auch eher gezwungener Maßen durch eine Verletzung) mit  der Entscheidung, ins Musikbusiness umzuswitchen und sich auf seine dortigen Fähigkeiten zu konzentrieren, alles richtig gemacht.

Dass Brice, der zunächst eher mit Kompositionen für Jason Aldean oder Garth Brooks auf sich aufmerksam gemacht hatte, ein richtig Guter ist, wusste man dann schon nach seinen ersten Stücken vom Debüt.

Für sein fünftes Werk „Hey World“ liefert er mit satten 15 Tracks wieder die volle Breitseite an modernem und erfolgreichem New Country Mainstream, und weiß dabei voll zu überzeugen. Angenehm ist hier besonders, dass bei Brice nicht, wie bei vielen Künstler in seiner Kategorie, die offensichtliche Gewinnmaximierung  in Richtung Pop- und Countrycharts zugleich, an erster Stelle steht, sondern zunächst die Songqualität als entscheidender Faktor im Raume stehen gelassen wird, frei nach dem Motto, der Rest kommt dann gegebenenfalls von alleine.

„Hey World“ ist einfach der nächste Schritt in meinem Leben. Wo ich bin, wer ich bin, was ich liebe, was ich fühle, von den Songs über die Produktion bis zur Reihenfolge der Stücke, mein Ziel war es immer, besser und besser zu werden, in dem, was ich tue – und das wird auch immer mein Ziel sein. Abgesehen von meiner Familie, meiner Frau und meinen Freunden, ist die Musik der Ort, an dem ich am wahrhaftigsten bin,“ fasst Brice seine momentane Gefühlswelt in Corona-Zeiten zusammen.

Und er bringt auf „Hey World“ wieder sehr gekonnt knackige New Countrytracks wie den fluffigen Opener „Atta Boy“, die launig süffigen Mitgröler „“More Beer“ und „If You“, das stadiontaugliche „Good Ol‘ Boys“ (tolles Southern E-Solo), das traditionell gehaltene „Country Knows“ (mit Steel und Dobro), mit ein paar anschmiegsamen Balladen wie „Memory I Don’t Mess With“ (herrlicher Ohrwurm!), „Save The Roses“ (Marke Bon Jovi), „Lies“ (kammermusikartig) und einigen geschmackvollen soul-poppigen Sachen der Marke Marc Broussard („Don’t Need No Reason“, „Do Not Disturb“, „Hey World„), nahezu perfekt ins richtige Lot.

Dazu bekommt man noch das herrlich tanzbare „Soul“ (also, wer da keinen sofortigen Bewegungsdrang verspürt, ist vermutlich nicht mehr unter den Lebenden oder ein wirklich unverbesserlicher Tanzmuffel….),  die ausgekoppelte Erfolgssingle „One Of Them Girls“ (eine wunderbare Hommage an alleinerziehende Powerfrauen – siehe Video) und das schöne pettyeske Duett mit Carly Pearce, „I Hope You’re Happy Now„, das auch schon im Februar auf ihrem Album im Februar platziert gewesen ist.

Und wenn er in diesen Zeiten beim abschließenden nachdenklichen Titelsong „Hey World, leave me alone, don’t call me up today, I won’t be picking up the phone“ mit seiner Wahnsinnsstimme inbrünstig heraussingt und mit den Worten „bei all den Dingen, die derzeit auf der Welt passieren und bei der Geschwindigkeit, die wir als Gesellschaft an den Tag legen, wünscht man sich manchmal, dass alles mal stoppt – einfach um schätzen zu lernen, was man hat, die Leute leiden und das kann man einfach nicht ignorieren”, vieles Heutige genau auf den Punkt bringt, nimmt man das dem Protagonisten auch so ab.

Insgesamt somit ein New Country-Album der Premium-Klasse in allen Belangen, nicht zu vergessen auch die tolle Instrumentierung (besonders die Gitarristen glänzen mit vielen kleinen Feinheiten). In der Tat, Lee Brice wird seinem Anspruch, immer besser und besser zu werden, auf „Hey World“, absolut gerecht. Wenn er mir zuhören könnte, würde ich ihm jetzt glatt zurufen: Hey Lee Brice, Gratulation, saustarke Scheibe!

Curb Records (2020)
Stil: New Country

01. Atta Boy
02. One Of Them Girls
03. More Beer
04. Memory I Don’t Mess With
05. Save The Roses
06. Good Ol‘ Boys
07. Don’t Need No Reason
08. Do Not Disturb
09. Soul
10. Sons and Daughters
11. Country Knows
12. Lies
13. If You
14. I Hope You’re Happy Now
15. Hey World (featuring Blessing Offor)

Lee Brice
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