Black Banjo – Out Of The Skies – CD-Review

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Review: Jörg Schneider

Black Banjo, das ist ein italienisches Quartett, welches sich ganz und gar dem Blues Rock verschrieben hat. Die vier Jungs sind schon seit langem im Musikgeschäft unterwegs und haben in der Vergangenheit jeder für sich bereits mit vielen namhaften Musikern/Bands zusammengespielt (Deep Purple, Slash, Uli Jon Roth, Ian Paice & Don Airey, um nur einige zu nennen). Die Band besteht aus Alex Alessandrini Calisti (Gitarre, Gesang), Francesco Caporaletti, genannt „The Captain“ (Bass), Archelao Macrillò (Drums) und Massimo Sacutelli (Piano & Orgel). Zudem haben am Album noch Louis Marini aus der Original „Blues Brothers Band“ und Nathaniel Peterson, ehemaliger Bassist von Savoy Brown mitgewirkt.

Mit „Out Of The Skies“ legt die Truppe nun ihr erstes Album vor. Es enthält elf Tracks, die alle mehr oder weniger dem Blues Rock zuzurechnen sind. Der Opener „Alive And Well“ legt mit seinem eingängigen Rhythmus und seinem leichtem Südstaatenflair den Grundstein für den Charakter der weiteren Songs. Auch „Stone Cold Killer“ steht mit seinen Bluesharpeinlagen und der Keyboarduntermalung stilistisch ganz im Zeichen des traditionellen Blues Rock und erzeugt fast ein wenig 70‘er Jahre Feeling. Das mit viel Spielfreude und Bläsern dargebrachte schwungvolle „The Contest“ hingegen ist eine schöne Reminiszenz an vergangene Rock‘n‘ Roll Zeiten und geht mächtig in die Beine. Auch „Out Of The Skies“ ist ein wenig Retro und könnte durchaus vor 50 Jahren geschrieben worden sein.

In direktem Kontrast zu den ersten vier Songs steht das melodiöse, ruhigere und mit gefälligen Bläsersätzen angereicherte „If It Wasn‘t For The Music“, während „Last Man Standing“ wiederum etwas schwerer und rockiger daher kommt. Die Bluesnummer „Youth Of The Nation“ hingegen wartet mit gefälligen Slidegitarren-Riffs auf, die dem Song etwas Southern-Atmosphäre verpassen.

Flott-fröhlich und mit reichlich Piano und Hintergrundbläsern lädt „Miss Daisy“ dann zum Abtanzen ein. „Bumps Boogie“, ein reines Instrumentalstück, beginnt mit einem Boogie-typischen Rhythmus, wechselt dann zum Blues, um letztendlich doch wieder als furioser Boogie zu enden. Mit „Tainted Love“ geht’s kurz vor dem Ende der Scheibe nach einem kurzen Schlagzeugintro nochmals ein bisschen rockig-härter zu, bevor der Rausschmeißer „Sue‘s Gone Away“ erklingt, ein ruhiges Stück im Songwriter-Stil, geprägt durch akustisches, fast spanisch anmutendes Gitarrenspiel und harmonischen Gesang.

Offiziell segelt das Album unter der Flagge des Blues Rock und tatsächlich sind derartige Stilelemente auch reichlich vorhanden. Trotzdem fehlen teilweise die deftig-schweren Töne, was sicherlich auch am Stil insgesamt liegt, der über weite Strecken Assoziationen an den Keyboard-geschwängerten Rock der 70‘er Jahre weckt. Und dann kommt noch Calistis relativ hohe Stimmlage hinzu, die gar nicht so rau und dreckig klingt, wie es man es von einem Bluesrocksänger erwarten würde.

Unter dem Strich ist es dennoch keine schlechte Scheibe, aber eben doch etwas anders, als man vielleicht erwarten würde. Im Handel ist sie seit dem 5. März zu bekommen. Abschließend bleibt noch zu sagen, dass die Jungs, so Corona es will, ab Ende Juni 2021 zusammen mit den legendären Animals auf Europatournee gehen.

Label: Eigenproduktion (2021)
Stil: Blues Rock

Tracks:
01. Alive And Well
02. Stone Cold Killer
03. The Contest
04. Out Of The Skies
05. If It Wasn‘t For The Music
06. Last Man Standing
07. Youth Of The Nation
08. Miss Daisy
09. Bumps Boogie
10. Tainted Love
11. Sue‘s Gone Away

Black Banjo
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Two Side Moon Productions

Ally Venable – Heart Of Fire – CD-Review

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Ach, waren das noch Zeiten, als Ally Venable im Rahmen des Rufschen Blues Caravans in knappem Minifummel (zu sehen auch noch mal in gleicher Montur im Innenteil der CD) gerade mal ein Meter auf der Bühne im Dortmunder Musiktheater Piano von mir entfernt stand und der Audienz ihre vielen quirligen E-Gitarren-Soli um die Ohren fegte.

Jetzt bringt die gerade mal im April, 22 Jahre alt werdende Texanerin mit „Heart Of Fire“, ihr viertes offizielles Album heraus. Wie schon auf dem Vorgänger „Texas Honey“ gibt es wieder elf Lieders, diesmal aber produziert von Jim Gaines (John Lee Hooker, George Thorogood, Albert Cummings, Devon Allman, Royal Southern Brotherhood).

AQ2A9840-1024x683In fast allen Tracks, vielleicht bis auf das swampig-delta-bluesige „Played The Game“ (mit herrlichem Akustik-Slide-Spiel), ist die Verehrung ihres großen Vorbildes, Stevie Ray Vaughan, unverkennbar. Wer es bis zum Ende der CD dann noch immer nicht vernommen haben sollte, bekommt den endgültigen Beweis mit dem knapp neun-minütigen Instrumental „Tribute To SRV“, bei der sich ruhige Grundphasen, die mich so ein wenig an Peter Greens „Albatross“ erinnern, immer wieder von langen, euphorisch und quirlig gespielten E-Gitarren-Soli im Stil des einstigen texanischen Guitar Slingers durchbrochen werden.

Für schöne Farbtupfer zwischendurch sorgen Gastpräsenzen von Devon Allman bei „Road To Nowhere“ mit prägnantem Harmoniegesang und furiosem E-Gitarrensolo sowie Kenny Wayne Shepherd, der auf „Bring On The Pain“ bei seinen rasanten Saitenkünsten bis an die Schmerzgrenze geht.

Mein persönlicher Favorit ist jedoch das Southern-trächtige „Do It In Heels“, das ein wenig in der grimmigen  Art von Skynyrds „Gimme Back My Bullets“ daherkommt. Klasse! Da kann ich nur begeistert zu sagen: „Yes, do it in heels, Ally!“

Keine Frage, auch dieses vierte Werk verdeutlicht eindrucksvoll, dass in Ally Venables Herz das Blues Rock-Feuer lichterloh am brennen ist. Die blutjunge Texanerin zählt weiterhin zu den ganz großen Hoffnungsträgern der weiblichen Szene des Genres.

Ruf Records (2021)
Stil: Blues Rock

01. Heart Of Fire
02. Played The Game
03. Hateful Blues
04. Road To Nowhere
05. Bring On The Pain
06. Hard Chance
07. Do It In Heels
08. Sad Situation
09. Use Me
10. Tribute To SRV
11. What Do You Want From Me

Ally Venable
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Ruf Records

Joanna Connor – 4801 South Indiana Avenue – CD-Review

cover Joanna Connor - 4801 South Indiana Avenue

Review: Jörg Schneider

Die aus Chicago stammende Slide-Gitarren-Virtuosin Joanna Connor wird inzwischen als eine der stärksten und einflussreichsten ihrer Zunft gefeiert. Am 26. Februar erscheint nun ihr vierzehntes Album, benannt nach der Adresse des kultigen Chicagoer Bluesclubs „Theresa’s Lounge“ an der 4801 South Indiana Avenue. Es ist eine Hommage an den Chicago-Blues.

Da Joanna Connor im Laufe der Jahre bereits mit vielen namhaften Musikern der Bluesszene zusammengespielt hat, darunter Größen wie James Cotton, Buddy Guy und Jimmy Page, um nur einige zu nennen, war es eigentlich unvermeidlich, dass auch Joe Bonamassa auf ihr intensives und leidenschaftliches Gitarrenspiel aufmerksam wurde.

Er bot ihr an, ein Album auf seinem Independent-Blues-Label „Keeping The Blues Alive“ (KTBA) zu produzieren. Herausgekommen ist ein Werk mit zehn authentischen und einzigartigen Blues-Nummern, an dessen Entstehung musikalisch auch Joe Bonamassa selbst, Josh Smith und andere hochrangige Bluesmusiker beteiligt waren.

Joanna selbst sagt, dass das Album das elektrisierende Gefühl transportieren soll, welches man beim Betreten eines Bluesclubs hat, in dem gerade schweißtreibende, heiße Rhythmen gespielt werden.

Und genauso startet die Scheibe. Der Opener „Destination“, ursprünglich von der eher unbekannten Band The Assassins mit Jim Thackeray stammend, ist eine pulsierende, ungebändigte Rock’n Roll-Nummer mit fetzigem Piano, unterstützt von Bonamassa und Smith.

Schwungvoll geht es dann auch mit dem Reese Wynans-Klassiker „Come Back Home“ weiter: bluesig-stampfend und mit wild schrammelnden Slide-Guitar-Einlagen. Mit dem folgenden Stück „Bad News“ wird dann nach dem Glockenintro (entfernt an AC/DCs „Hells Bells“ erinnernd) etwas Tempo herausgenommen. Luther Allisons Slowblues klingt mit Joanna Connors druckvoller Stimme herrlich verzweifelt, ja der Seelenschmerz ist fast körperlich zu spüren.

„I Feel So Good“ ist dann wieder ein äußerst flotter Boogie, der so richtig die Beine zappeln lässt, zum Ende aber harmonisch und ruhig auszuklingen scheint, bevor es noch einmal für ein paar Takte mit Schmackes in die vollen geht und Albert Kings „For The Love Of A Man“ präsentiert sich als schöner Schwofer mit funkigen Bläsersätzen, aber auch quietschenden Gitarrenriffs. Den Song „I Feel So Good“ kann man übrigens auch schon hier mal als Video genießen.

Eine weitere Blues-Facette ertönt zur CD-Halbzeit: „Trouble Trouble“, ein klassischer Chicagoblues-Tune mit typischem Pianogeklimper und Bläserklängen. Eine Hommage an Hound Dog Taylor ist der folgende Track „Please Help“. Der Song ist schnell, laut und in Hound Dog Taylors typischem Bottleneck-Stil arrangiert, ein kerniger Electric-Blues-Sound. Rhythmisch hypnotisierend und gut tanzbar ist auch „Cut You Loose“, während „Part Time Love“ wieder zum Klammerbluestanzen mit Bläseruntermalung einlädt.

Das zehnte und letzte Stück des Albums „It’s My Time“ passt dann allerdings nicht so ganz zum bis dahin gepflegten Stil der Scheibe. Es stammt aus der Feder von Josh Smith und besticht diesmal durch für ein Bluesstück doch eher unüblichen Sprechgesang, wartet dafür aber im Mittelteil mit einem wunderschönen Slide-Gitarren-Duett zwischen Joanna und Josh auf.

Mit diesem Album beweist Joanna Connor, dass sie ihrem Ruf als grandiose Gitarristin mehr als gerecht wird. Die Scheibe versprüht pure Energie und macht einfach nur Spaß. Ein absolutes Muss für jeden, der es etwas wilder mag. Das Album kann als CD oder auch als digitale Download-Variante bestellt werden.

KTBA Records
Stil: Blues Rock

Tracks:
01. Destination
02. Come Back Home
03. Bad News
04. I Feeling So Good
05. For The Love Of A Man
06. Trouble Trouble
07. Please Help
08. Cut You Loose
09. Part Time Love
10. It‘s My Time

Joanna Connor
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Another Dimension

Ghalia Volt – One Woman Band – CD-Review

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Die belgische Musikerin besinnt sich zurück auf ihre Wurzeln als Straßenmusikerin und präsentiert ihre dritte Ruf-Produktion im vornehmlich auf sich selbst fixierten Ambiente, sprich, wie es der Titel des Albums „One Woman Band“ schon suggeriert, quasi als Alleinunterhalterin, die vom Songwriting, Gesang, über die Gitarren und Drums, so gut wie alles übernommen hat.

Lediglich Weggefährte Dean Zuchero am Bass („Espiritu Papágo“, „Just On More Time“) und Mike Welch an der E-Gitarre („Evil Thoughts“, „Just One More Time“) durften der Protagonistin bei jeweils zwei Stücken assistieren.

Im Prinzip bleibt die mich rein äußerlich ein wenig an Erja Lyytinen erinnernde Musikerin ihrer auf den Vorgänger-Alben eingeschlagene Linie treu, nur alles etwas roher und mit mehr Live-Esprit rüber kommend. Und tatsächlich hat Volt auch größtenteils auf technische Spielereien verzichtet und versucht vieles simultan zu performen, was allerdings auch zu etwas Eintönigkeit, besonders was zum Beispiel den Drum-Part betrifft, zur Folge hat.

Viele Songs werden im treibenden und stampfenden (Texas) Blues Rock- und Rythym Blues-Schema abgeliefert, mal klingen ZZ Top („Espiritu Papago“, das an „Dust My Broom“ erinnernde „Reep What You Saw“, sowie das Elmore James-Cover „It Hurts Me Too“) oder auch psychedelische Tupfer der Marke Led Zeppelin („Can’t Escape“, „Bad Apple“) unterschwellig mit.

Zwischenzeitlich ertönen immer mal wieder wilde Slide-Schwurbeleien, wobei, wie auch auf dem Coverbild erkennbar, eine Cigarbox-Gitarre zum Einsatz kommt.

Ich, als eher filigrane Nashville-Produktionen präferierender Mensch, höre solche Musik, ehrlich gesagt, nicht so gerne im heimischen Wohnzimmer, für mich ist die Musikerin eine klassische Live-Performerin. Mir persönlich fehlt es hier vor allem an etwas Eingängigkeit, Melodik und dem gewissen Wohlfühlfaktor beim Hören.

Wer auf rauen weiblichen Blues Rock der Marke Stacie Collins, Jane Lee Hooker & Co. steht, dürfte allerdings an Ghalia Volts „One Woman Band“ seine Freude haben.

Ruf Records (2021)
Stil: Blues Rock

01. Last Minute Packer
02. Espiritu Papago
03. Can’t Escape
04. Evil Thoughts
05. Meet Me In My Dreams
06. Reep What You Saw
07. Loving Me Is A Full Time Job
08. It Hurts Me Too
09. It Ain’t Bad
10. Bad Apple
11. Just One More Time

Ghalia Volt
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Ruf Records

Kenny Wayne Shepherd Band – Straight To You Live – CD-/DVD-Review

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Review: Stephan Skolarski

Auf seiner ausgedehnten „Traveler World Tour“ war der US-amerikanische Blues Rock-Gitarrist Kenny Wayne Shepherd neben den Auftritten in Sao Paulo, London und Mumbai Ende 2019 u. a. auch in Leverkusen gelandet. Shepherd und seine Band spielten dort auf den 40. Jazztagen, ein vom WDR aufgezeichnetes Konzert, das nun unter dem Titel „Straight To You Live“ veröffentlicht wird.

Der mit großer Besetzung inklusive Bläser Truppe angereiste 43-jährige Songschreiber und Produzent, hat für diesen Festival-Gig auf den exzellenten Ruf der „iconic German TV Show Rockpalast“ (Shepherd) zurückgegriffen und die hervorragenden Aufnahmen vom 25.11.2019 als zweites Live-Album seiner Karriere und erste Konzert-DVD herausgegeben.

‚Aufreißer‘ des Sets ist das fesselnde Blues-Rock-Stück „Woman Like You“, das wie die folgenden Songs „Long Time Running“ und „I Want You“ vom vorherigen Longplayer „The Traveler“ stammt. Von Beginn an lässt Shepherd den überwiegend extended ausgerichteten Blues-Rock-Interpretationen viel Raum für seine ausgedehnten Soli und zugleich ebenso Platz für die eindrucksvollen Einzelleistungen der Bandkollegen.

Die Auswahl tiefgreifend swingender Slow-Blues-Tracks, wie „Heat Of The Sun“ und „Shame, Shame, Shame“ ermöglichen den Leadvocals von Noah Hunt ebenfalls längere brillante Selbstdarstellungen, die sich wie ein roter Faden wechselnder Energie im Spannungsfeld mit den Soloinstrumenten in den Songs entwickeln.

Wie gut Kenny Wayne Shepherd neben exklusiver Gitarrenkunst außerdem gesangliche Qualitäten beherrscht, zeigt er nicht zuletzt bei „Diamonds & Gold“, dem Boogie „Down For Love“ und beim klassischen Chicago-Blues-Cover „Talk To Me Baby“ (im Original von Elmore James).

Die fulminante Bandleistung, die in dieser 7-köpfigen Formation erstmals in Europa begeistert, wird beim 1997er Mega-Seller „Blue On Black“ nochmals getoppt. Besonders bemerkenswert ist, dass dieses Stück unlängst auf Initiative der kalifornischen Rockband Five Finger Death Punch (featuring Kenny Wayne Shepherd, Country-Sänger Brantley Gilbert und Queen-Gitarrist Brain May) 2018 nochmals den 1. Platz der Billboard Chart erreichen konnte.

Vom Publikum gleichermaßen umjubelt wurde der alte Muddy Waters-Song „(I’m a) King Bee“, der anschließend und als Zeichen für den flexiblen Sound der Band, puren Chicago Rhythm and Blues abliefert. Eine kaum mehr mögliche Steigerung des Auftritts brachte danach zum Abschluss jedoch die Stevie Ray Vaughn-Version des legendären Jimi Hendrix-Klassikers „Voodoo Child“, in einer 12-Minuten Edition.

Der Guitar-Maestro Kenny Wayne Shepherd hat sich in den vergangenen Jahren einen außergewöhnlichen Rang erspielt und liefert mit „Straight To You Live“ einen Konzert-Mitschnitt ab, der als umwerfendes Blues-Rock-Ereignis eine ausgewogene Setlist meisterlich und mit großartiger Begleitband inszeniert.

Hier ist es naheliegend die Kategorie eines der besten Blues-Rock-Live-Alben des Jahres zu vergeben. Für Fans von DVD-/Blu-Ray-Ausgaben gibt es mit dem Bonus Titel „Mr. Soul“, einen Buffalo Springfield-Track obendrauf. Ab September 2021 soll die „Traveler World Tour“ dann hoffentlich wieder in Deutschland fortgesetzt werden. Für Blues-Rock-Begeisterte ein Pflichttermin, auf den man sich schon jetzt durch Rockpalast „Straight To You Live“ perfekt einstimmen kann!

Provogue Records (2020)
Stil: Blues-Rock

Tracklist:
01. Woman Like You
02. Long Time Running
03. I Want You
04. Diamonds & Gold
05. Talk To Me Baby
06. Heat Of The Sun
07. Down For Love
08. Shame, Shame, Shame
09. Turn To Stone
10. Blue On Black
11. King Bee
12. Voodoo Child (Slight Return)

Kenny Wayne Shepherd
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Mascot Label Group

The Bluesbones – Live On Stage – CD-Review

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Review: Gernot Mangold

Ende 2019 fasste die belgische Blues Rock Band den Entschluss, ein Livealbum aufzunehmen und es anschließend auf einer Tour zu promoten. Das Material war eingespielt und dann kam jäh die Corona-Pandemie, und wie die meisten Tourneen, wurde auch die der Bluesbones abgesagt. Nichtsdestotrotz wurde das Album weiter produziert, und so haben die Fans wenigstens das Lifefeeling, der kurz vor dem Lockdown eingespielten Songs.

Alle 12 Stücke sind Eigenkompositionen und haben eine rockigen Einschlag, zum Teil mit psychedelischen Einflüssen, ohne dabei das Grundgerüst des Blues zu verlieren. Das 2018 veröffentlichte Studioalbum „Chasing Shadows“ stellt hier den überwiegenden Anteil der Songs. Lediglich 3 Stücke sind älteren Datums, wobei der Begriff ‚alt‘ relativ gesehen werden muss, denn das erste Studioalbum „Voodoo Guitar“ ist ja gerade erstmal vor acht Jahren veröffentlicht worden.

Der Opener „Find My Way Out“ zeigt in seiner progressiven Heterogenität die Bandbreite der Band. Nico de Cock mit einem klaren zuweilen psychedelischen Gesang steht zunächst im Mittelpunkt, wobei im späteren Verlauf auch Jens Roelandt mit einem kurzen Drumintermezzo und Stef Paglia mit einem auch in den Southern Rock passenden Solo glänzen können. Dazu setzt Edwin Risbourg mit seinem Orgelspiel prägende Elemente in dem vollen Sound.

Mit „The End“ gibt dann eindeutig der Blues den Ton an. In diesem eher ruhigen Stück setzt das Piano die quirligen Elemente und im ruhigen Zwischenteil zeigen Geert Boeckx am Bass und Stef Paglia an der Gitarre, dass sie auch Meister des Jammens sind, wobei nach und nach auch die anderen Musiker einsteigen, um in einem kurzen gemeinsamen Finale Furioso zu enden, bevor mit dem einsetzenden Gesang die Grundstruktur des Songs wiedergefunden wird.

Im klassischen Bluesstil hier mit den Keyboards asl Führung geht es mit dem „Demon Blues“ weiter. Ein sehr gefühlvolles Stück, in dem auch der ausdrucksstarke Gesang De Cocks zur Geltung kommt, da die anderen Musiker ihre Instrumente eher dezent einsetzen. Bei „Going Down“ wird der Sound, wie die Stimme De Cocks etwas rauher. Ein in weiten Teilen fast erzählend vorgetragenes Stück, das auch in die Titty Twister Bar in „Dust Till Dawn“ gepasst hätte, was hier als Kompliment zu verstehen ist.

Gefühlsmäßig setzt „Better Life“ einen absoluten Kontrast zum vorherigen Song. Rasant, spielfreudig, wird passend zum Titel Lebensfreude ausgedrückt.
An „The Witchdoctor“ werden erneut Freunde des Jams ihren Spaß haben. Neben den in fast allen Stücken im Vordergrund spielenden Stef Paglia und Edwin Risbourg, überzeugt hier auch Geert Boeckx mit einem starken Basssolo.

Nach den furiosen Vorsongs wird es mit dem bluesigen „Betrayal“ wieder ruhiger und der Hörer wird quasi eingestimmt auf das melancholische „Sealed Souls“. Eine ganz starke Ballade mit einem fast epischen Gitarrensolo zum Ende hin. Ein absoluter Höhepunkt in einem durchweg gelungenen Album. In „Romance For Rent“ wird wieder der Fuß von der Bremse genommen. Ein rockiges Stück mit einem durchaus tanzfähigen Rhythmus und einprägsamen Refrain, in dem Edwin Risbourg an der Orgel erneut starke Akzente setzt.

Mit „Cruisin’“ wird Speed aufgenommen. Ein ZZ Top-affines Intro und dann Augen zu, aufs Moped und dann mit Tex-Blues Rock den Highway runterrasen.
Ähnlich geht es mit „Psycho Mind“ weiter, wobei passend zum Titel, insbesondere durch die Orgel, noch einmal eine psychedelische Priese eingehaucht wird und der Song zum Ende hin einen sehr progressiven Charakter gewinnt.

Den Schlusspunkt setzt „Whiskey Drinking Woman“, das im klassischen Bluesrhythmus beginnt, wo De Cock noch einmal offeriert, dass er den Blues in der Stimme hat. Damit es in dem knapp 11 minütigen Song nicht langweilig wird, wir zuweilen fast jazzig gejammt und insbesondere in den ruhigeren Passagen beherrschen die Musiker ihre Instrumente auf den Punkt.

Mit „On Stage“ ist es den Bluesbones gelungen, die Livemusik in dieser momentanen pandemiebedingten Stille zumindest als Konserve in die Wohnzimmer zu transportieren. Auf jedem Fall ist klar, dass es sich bei den ihnen um eine starke Liveband handelt, wobei das Album auch als Apethizer für folgende Tourneen oder ein Studioalbum gesehen werden kann. Dies auch in der Hoffnung, um beim Titel des Albums zu bleiben, dass es möglichst bald wieder dazu kommt, solches Livefeeling als Besucher ‚on Stage‘ zu erleben.

Line-up:
Nico De Cock: Lead Vocals
Stef Paglia: Guitar & Backing Vocals
Edwin Risbourg: Hammond Organ, Rhodes & Backing Vocals
Geert Boeckx: Bass
Jens Roelandt: Drums

Donor Productions (2020)
Stil: Blues, Rock

Tracks:
01. Find My Way Out
02. The End
03. Demon Blues
04. Going Down
05. Better Life
06. The Witchdoctor
07. Betrayal
08. Sealed Souls
09. Romance For Rent
10. Cruisin'(FCC Warning)
11. Psycho Mind
12. Whiskey Drinking Woman

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Donor Productions

Billy J – Rise Above – CD-Review

BillyJ

Billy J wird bei uns, da bin ich mir relativ sicher, ein absolut unbeschriebenes Blatt sein. Der ursprünglich aus Philadelphia stammende Musiker, hat sein Handlungsspektrum aber mittlerweile in den Süden Floridas und das sich dort anschließende Key West verlegt.

Nun stellt er mit „Rise Above“ seinen Erstling vor, der vom dem uns bekannten New Yorker Dave Fields (dessen aktuelle CD „Force Of Will“ hatten wir ja vor kurzem erst besprochen) live im Studio produziert und teilweise auch musikalisch begleitet wurde (Piano, Slide-Gitarre beim Titelstück „Rise Above“ und Backing vocals).

Mit Charlie Wooten (Royal Southern Brotherhood), Todd Smallie (Derek Trucks Band, JJ Grey & Mofro) sowie Yonrico Scott (Derek Trucks Band) sind weitere gestandene Kollegen mit am Werk beteiligt.

Angepriesen wird Billy J als „rising star in the long tradition of the working man blues-rock Americana artists“. Weiter heißt es: „His combination of guitar wizardry, power vocals and great songwriting will rock the blues rock world“.

Und in der Tat hat der Protagonist bis auf „Cats In The Cradle“ (Harry Chapin) alle Tracks selbst verfasst. Auch seine Gitarrenkünste sind wirklich stark und machen sein Debüt zu einer richtig tollen Southern Rock-Scheibe. Lediglich beim irgendwie nicht zu den Stücken passen wollenden Gesang (aus meiner Sicht), muss ich widersprechen. Hier liegt für mich persönlich dann allerdings leider auch das Manko des Silberlings, da es sich ja um ein fortlaufendes Element handelt.

Nicht auszurechnen, wenn Billy auch noch ein Charakterorgan im Stile der großen Southern Rock-Fronter haben würde, dann wäre es ein neues Klassewerk des Genres geworden. Ich kann allerdings verstehen, dass man bei einer Solokarriere halt auch am Mikro im Rampenlicht stehen möchte. Aber vielleicht ist ja nicht jeder in diesem Bezug so empfindlich wie unser Einer.

Musikalisch kann sich alles wirklich mehr als sehen lassen, Allman Brothers, frühe Molly Hatchet (zu Zeiten ihrer ersten beiden Alben), Skynyrd und alles, was SR-Fans gerne hören (mit viel E-Gitarre, quirligen Soli und gut dosierten Keys) lässt sich als Bezüge aus den Tracks heraushören. Die beiden ruhigeren Lieder „Rise Above“ (schönes countryeskes Frontporch-Flair) und „She“ sind mit einer prägnanten Akustikgitarre verziert. „New Car“ kommt dazu noch als kraftvoller Slow Blues der Marke Aynsley Lister.

Etwas aus dem Rahmen fällt vielleicht noch das leicht Reggae-versetzte stampfige „Push Push“ mit Steel Drum-Einlagen von J. Robert, der ab und zu auch mal die Fiddle einfließen lässt (u. a. bei „Rise Above“).

Ansonsten bietet Billy J viele flotte Stücke mit powernden Southern Rock-Grooves, und, wie gesagt, starker E-Gitarre in Hülle und Fülle. Von daher sollten Southern- und Blues Rock-Liebhaber diesem Newcomer auf jeden Fall mal eine Chance auf’s Gehör gönnen.

Eigenproduktion (2020)
Stil: Southern Rock

Tracklist:
01. She’s Mine
02. Sweaty Melons
03. Rise Above
04. Line ‚Em Up
05. New Car
06. Cats In The Cradle
07. She
08. Push Push
09. My Baby’s Blue
10. Boomerang

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Casey James – If You Don‘t Know By Now – CD-Review

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Casey James war bereits mit seinem gleichnamigen 2012‘er Debutalbum bei uns im Sounds of Sounds-Magazin zu Gast und erntete damals höchstes Lob für sein Erstlingswerk. 2017 beschritt Casey James dann nach seiner Trennung von Sony neue musikalische Wege und veröffentlichte sein vielbeachtetes Bluesalbum „Strip It Down“. Drei Jahre später erscheint nun sein jüngstes Werk „If You Don‘t Know By Now“, in dem er seine musikalische Erkundung des Blues fortsetzt.

Stilistisch schwingen die vierzehn Songs des Album zwischen knallhartem Blues Rock, etwas Boogie-Woogie und eingängigen Bluesnummern. Kennzeichnend für seinen Sound ist auf jeden Fall, dass in fast allen Stücken eine starke Bläserunterfraktion, bestehend aus Saxophon, Trompete und auch Posaune, mal unterstützend, mal tragend zu hören ist. Mancher Track erhält dadurch auch einen leichten soulig/funkigen bis jazzigen Anstrich. Langeweile ist beim Hören also ausgeschlossen, dafür ist aber Abwechslung garantiert.

Gleich der erste Song des Albums „Live Life“ ist weniger eine Bluesnummer als vielmehr ein funkig-rockiger und durch die Bläser teilweise Erinnerungen an „Blood, Sweet And Tears“ hervorrufender Titel mit leicht jazzigen Einflüssen. Das folgende „Shake Some Salt“ kommt gänzlich ohne die Bläser aus und richtet sich mit seiner teilweise wabernden Keyboarduntermalung und seinen harten Riffs eher an die Freunde rockig-bombastischer Arrangements.

Ein echter Schunkler in fetziger Boogie-Woogie Manier ist dann „Girl‘s Got Something“. Auch in „Real“ bringt ein treibender Rhythmus, immer wieder durch kurze Pausen unterbrochen, das Stück mit seinen wiederkehrenden Gitarrenriffs und souligen Background Vocals mächtig voran, während „Don‘t Break A Heart“ wieder an das rock’n’rollige „Girl’s Got Something“ anknüpft.

Nach soviel harten und flotten Tönen fährt der lockige Texaner nun in einigen Songs das Tempo deutlich runter, sodass es in der zweiten Hälfte der CD über weite Strecken ruhiger wird. „Here To Please“ ist so ein Beispiel dafür. Der düstere Slowblues mit dezenten Bläsersätzen und leicht sphärischen, mitunter auch verhallten Gitarren, lässt den Zuhörer das Verlangen, das dieser Song ausdrückt, fast körperlich spüren.

„If You Don’t Know By Now“ beginnt mit kristallklarer Leadgitarre und dezentem Fingerschnipsen, bevor sich die Drums dazugesellen und sich das Stück sparsam mit mehreren Tempowechseln weiterentwickelt, um endlich abrupt zu enden, dann aber nach einem Break die Eingangsriffs nochmals aufgreift und doch noch zu einem ruhigen Ausklang kommt.

Mit „Wish Me Luck“ folgt wieder ein geruhsamer Blues mit einem leicht mystisch klingendem Intro, wohl dosierter Bläserunterstützung und Keyboards im Background. In die gleiche Richtung geht auch „Be Mine“, ohne jedoch diesen leicht mystischen Touch aufzuweisen.

Das ungewöhnlichste Stück auf der Scheibe ist sicherlich das konfus wirkende „Come On Saturday Night“. Mit dem gleich zu Beginn einsetzendem Schlagzeug, einem wild gespielten Saxophon und hektischen Bläsern, könnte die Nummer glatt als Freejazz durchgehen, wenn Casey Jamess Gesangseinlagen nicht immer wieder ein Gefühl der Harmonie vermitteln würden.

Im Gegensatz dazu schleicht sich das bluesig schmeichelnde „Nothing But Time“ mit langsamen Rumbatakten in die Gehörgänge, angereichert mit Country/Folk-Einflüssen. Einfach zum Dahinschmelzen! Melodisch, zumindest zu Anfang, geht es auch mit dem behäbig dahinfließenden „A Better Place“ solange weiter, bis mächtige Riffs den Song dominieren, um schließlich wieder von der eingängigen Intromelodie abgelöst zu werden und dann langsam, leicht verhallt mit dezenten Backgroundstimmen, das Stück ausklingen zu lassen.

„Faith“ und „(More) Faith“ bilden den Abschluss des rundherum gelungenen Albums. Während „Faith“ ein langsames und sphärisches Stück mit leicht verhallter Slidegitarre ist, das wunderbar mit den von Casey James ruhiger Stimme vorgetragenen Lyrics harmoniert, ist „(More) Faith“ die rockig-abgedrehte Fortsetzung des ersten Teils mit jaulenden und flirrenden Gitarreneinlagen und sägenden Riffs.

Mit „If You Don‘t Know By Now“ hat Casey James ein abwechslungsreiches Album vorgelegt, auf dem er sich als melodischer Gitarrist und Songschreiber mit ausdrucksstarker Stimme beweist. In meinen Augen ist es eine DER Scheiben diesen Jahres und sollte in keinem Plattenschrank fehlen, daher absolute Kaufempfehlung.

Eigenproduktion (2020)
Stil: Blues Rock

01. Live Life
02. Shake Some Salt
03. Girl‘s Got Something
04. Real
05. Don‘t Break A Heart
06. Here To Please
07. If You Don‘t Know By Now
08. Wish Me Luck
09. Be Mine
10. Come On Saturday Night
11. Nothin But Time
12. A Better Place
13. Faith
14. (More) Fait

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Alastair Greene – The New World Blues – CD-Review

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Review: Jörg Schneider

Nach seinem 2018’er Album „Live from 805“ liefert Greene nun das Nachfolgealbum „The New World Blues“ mit elf taufrischen, neuen Songs ab. Diesmal von keinem geringeren als Tab Benoit, dem Mitbegründer von Whiskey Bayou Records, produziert.

Alle elf Songs dieses Albums stammen von Greene selbst, teilweise aber in Zusammenarbeit mit Tab Benoit. Dieser ist dann auch auf der CD an den Drums zu hören und steuert zusätzlich die Harmoniegesänge bei, während Greene als Frontmann die Gitarre beackert und auch singt. Der dritte im Bunde ist Corey Duplechin, er liefert am Bass den nötigen Rhythmus und ist ebenfalls für die Harmoniegesänge zuständig.

Mit dem ersten Song „Living Today“ geht’s sofort in die Vollen, schwer stampfend und mit einem treibenden Bassrhythmus gefolgt von dem nicht minder quirligen „Lies And Fear, das vor Allem durch sehr schöne Harmoniegesänge besticht.

Zudem finden sich bei einigen Titeln auf der Scheibe auch stilistische Ähnlichkeiten von Gary Moore oder Peter Green (z. B. beim dem Instrumentalfeger „Back At The Poor House“ oder dem Bluesrocker „Find Your Way Back Home“ mit wildem Gitarrensolo).

Auf dem leicht swampigen „Bayou Mile“, an dem Tab Benoit an den Lyrics mitgewirkt hat, kommen dann Greenes Künste an der Slide-Gitarre so richtig zur Geltung. Mit funky Grooves hingegen wartet „When You Don’t Know What To Do“ auf, das auch eine respektables Gitarrensolo von Greene enthält. Gemächlicher wird es anschließend mit dem Südstaatenflair verbreitenden und langsam vor sich hinrollenden „No Longer Amused“.

Auch bei dem melodiösen Slowblues „Heroes“ (wieder sehr schöne Harmoniegesänge und Slide-Einlagen) hat Tab Benoit abermals seine kompositorischen Fähigkeiten mit eingebracht. Das in seiner Grundstimmung schwermütige „Alone And Confused“ beginnt zwar langsam und träge, bietet aber dennoch ausreichend Raum für Alastair Greene, seine Gitarre jaulen und flirren zu lassen.

Am meisten Spaß macht allerdings der Rausschmeißer dieser CD. Das letzte Stück, an dem auch wieder Benoit musikalisch beteiligt ist, punktet abermals durch ein tolles Spiel von Greene an der Slidegitarre sowie seinen leicht verhallten Leadgesang. „The New World Blues“ gibt damit ein gebührendes Finale für diese außergewöhnlich gute CD ab.

Als klassisches Trio mit Gitarre, Bass und Drums liefert Alastair Greene mit seiner Band auf diesem Album ehrlichen Blues Rock ab, der auch Einflüsse aus anderen Stilrichtungen beinhaltet und im wesentlichen ohne Overdubs auskommt. Ein super Album, das so richtig Spaß macht!

Whiskey Bayou Records (2020)
Stil: Bluesrock

Tracks:
01. Living Today
02. Lies And Fear
03. Bayou Mile
04. When You Don’t Know What To Do
05. No longer Amused
06. Back At The Poor House
07. Find Your Way Back Home
08. Heroes
09. Wontcha Tell Me
10. Alone And Confused
11. The New World Blues

Alastair Greene
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Dudley Taft – Cosmic Radio – CD-Review

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Review: Stephan Skolarski

Seine produktionstechnische Unabhängigkeit hat der US-amerikanische Gitarrist und Sänger Dudley Taft bereits 2013 vorausschauend gefestigt, als er das Tonstudio von Peter Frampton übernahm. Im Muchmore Studio, Cincinnati, Ohio, sind seit dem sechs Alben entstanden, wobei innerhalb eines Jahres nach „Simple Life“ der zweite neue Longplayer „Cosmic Radio“ eingespielt wurde.

Eine fleißige Energieleistung muss man dem 1966 geborenen Taft dabei allemal unterstellen, denn auch die Produktion der aktuellen, selbst verfassten Tracks ist einschließlich Engineering und Mixing wesentlich in Eigenregie erfolgt.

Für die oft als Seattle- oder Grunge Blues beschriebene Stilrichtung steht exemplarisch der Opener und zugleich das Titel-Stück „Cosmic Radio“, ein radiotauglicher Hard-Rock-Song, der durchaus als gutes Beispiel für die beständigen Songwriter-Qualitäten Tafts gewertet werden kann.

Der gelungene Einstiegs-Track wird verfolgt von „Left In The Dust“, das eigentlich wie bei einer treibenden Rhythmus-Nummer mit ausdrucksstarken Riffs üblich, an die erste Stelle einer Set-Liste gehören sollte und durch die „sprudelnde Kraft“ eines Fuzz-Pedals – wie Taft anmerkt – entscheidend beeinflusst wird. Die treibenden Drums und die intensive Gitarren-Arbeit besorgen bei „The Devil“ die ausgesprochene Eleganz eines spielerisch wirkenden Blues-Stücks, dessen Ausdrucksstärke genauso gut zu Aerosmith oder den Black Crowes passen würde.

Mit „Goin‘ Away Baby“ schließt sich ein gradliniger Blues-Klassiker an, der 1950 von Jimmy Rodgers eingespielt wurde – aber nach anderen Quellen vielleicht ursprünglich aus der Feder von Sonny Boy Williamson stammt – und hier von Dudley Taft auch solomäßig exzellent gecovert wird.

Die „etwas“ ruhigere Phase des Albums beginnt mit „One In A Billion“, einer 8-minütigen Slow-Blues-Rock-Nummer inklusive der eindrucksvollen Taft-Guitar-Work, die auch hohe Erwartungen erfüllt und in ihrer Form über „The End Of The Blues“ in den Lyrics nur vordergründig resümiert.

Eine familiäre Co-Produktion von Dudley Taft und Tochter Ashley Charmae, die ihr Debut an den Lead-Vocals als Fan von Etta James einfühlsam meistert, bietet das sanfte Blues-Highlight „Relentless“, und eröffnet damit praktisch die zweite Hälfte des Albums, das neben weiteren stimmungsvollen und langsamen Passagen ebenso Southern-Country-Rock und Texas-Blues mit einbezieht.

Diese starken Elemente kennzeichnen die Tracks „Fly With Me“, „Hey, Hey, Hey“ und das Heavy-Rock-mäßige „All For One“ im schweren Fuzz-Gitarren-Sound, der die heftigen Lyrics zur gesellschaftlichen und politischen Situation in Cincinnati unterstreicht.

Seinen Frust über die Covid-19 Pandemie entlädt Taft danach bei „I’m A Believer“ , um abschließend nahezu versöhnlich – mit seiner Tochter im Background – die Piano-Ballade „I Will Always Love You“ anzustimmen und das Finale des neuen Albums ein wenig in „kosmische Sphären“ überzuleiten.

Mit „Cosmic Radio“ hat Dudley Taft ein anspruchsvolles Blues- und Rock-Album abgeliefert, das seine musikalische Präsenz als Songwriter und Musiker energiegeladen hervorhebt. Der Produktions-Rhythmus des US-Amerikaners entwickelt sich allmählich zu einem „Marathon“, den er hoffentlich noch weiter durchhält.

American Blues Artist Group (2020)
Stil: Blues Rock, Southern Rock

Tracklist:
01. Cosmic Radio
02. Left In The Dust
03. The Devil
04. Goin’ Away Baby
05. One In A Billion
06. The End Of The Blues
07. Relentless
08. Fly With Me
09. Hey Hey Hey
10. All For One
11. I’m A Believer
12. I Will Always Love You

Dudley Taft
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