John Blues Boyd – What My Eyes Have Seen – CD-Review

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Review: Jörg Schneider

Das Leben von John Blues Boyd, 1945 in Greenwood, Mississippi, geboren, ist nicht immer einfach gewesen. Bereits als 7-jähriger Junge lernte er als Baumwollpflücker das harte Leben der Afroamerikaner auf den Baumwollplantagen der Südstaaten kennen. Er ist mit dem Blues aufgewachsen und durch ihn nachhaltig geprägt worden.

Auf „What My Eyes Have Seen“ lässt John Blues Boyd sein Leben Revue passieren. Jeder einzelne Song steht für ein bestimmtes Ereignis oder Erinnerung in seiner bewegten Lebensgeschichte. Immer wieder eingestreute, kurze musikalische Splitter, mit „My Memory“ betitelt, fassen die einzelnen Episoden zu einem runden Gesamtwerk zusammen. Allein diese ruhigen, sparsam instrumentierten und mit ruhiger, klarer Stimme vorgetragenen abgrundtiefen Slowblueseinlagen mit einem immer gleichen wiederkehrenden musikalischen Grundmotiv, sind schon absolut hörenswert.

In „In My Blood“, einem schönen tanzbaren Midtempo Chicago-Blues, beschreibt John Boyd Blues, wie er bereits in seiner Kindheit vom Blues geprägt wurde und der tiefschwarze Slowblues „What My Eyes Have Seen“ klagt all die Ungerechtigkeiten, denen die Afroamerikaner zu seiner Zeit als Jugendlicher ausgesetzt waren, an. Auch das traditionell arrangierte „I Heard The Blues Somewhere“, mit Bläsersätzen und Harpeinlagen unterstützt, greift diese Themen auf.

Als Jugendlicher engagierte sich JBB in der schwarzen Bürgerrechtsbewegung und unterstützte offen Martin Luther King, was ihm dann allerdings Ärger mit dem Klan einbrachte. Den Friedensmarsch von 1963 und seine Flucht vor dem Klan verarbeitet er in dem recht rhythmischen und mit einem Tenorsaxophon untermalten „On The Run“.

Den späteren Mord an Martin Luther King hingegen klagt er in in dem Slowblues „Why Did You Take That Shot“ an. Von den besseren Zeiten in seinem Leben handeln „Her Name Was Donna Mae“, ein glücklich klingender Chicagoblues mit Bläsern und Piano, gewidmet seiner Ehefrau Donna Mae und „Oh California!“ sowie „The Singing Roofer“. Zwei lebensfrohe Stücke, von denen „The Singing Roofer“ sich von allen Stücken des Albums abhebt, ist es doch eine wahrlich flotte Boogie-Woogie Nummer.

Nach 49 Jahren verstirbt JBBs Frau Donna Mae. Seine unendliche Traurigkeit über den schweren Verlust bringt er in dem gleichnamigen Stück „ 49 Years“ zum Ausdruck und jetzt mit 75 Jahren wünscht sich John Boyd Blues zurückblickend nur noch doch ein paar Spuren zu hinterlassen und singt „I Got To Leave My Mark“.

„What My Eyes Have Seen“ ist definitiv ein sehr persönliches und emotionales Album. Mit ruhiger Stimme, voller Emotionen, singt John Blues Boyd über Traurigkeit und Wut, aber auch die freudigen Augenblicke in seinem Leben.

Kid Anderson, der als Lead-Gitarrist von Charlie Musslewhite bekannt wurde, ist auch auf dieser Scheibe zu hören. Sein klares Gitarrenspiel fügt sich aufs Beste in die sorgsam arrangierte CD ein. Anzumerken ist noch, dass das Werk in den Studios von Mike Zitos und Guy Hales Gulf Coast Records aufgenommen wurde.

Das Jahr ist zwar noch jung, aber bereits jetzt ist es für mich ein heißer Anwärter auf das Bluesalbum des Jahres. Es ist musikalisch perfekt, authentisch und steckt voller Empathie weckender Emotionen. Ein „Must Have“ für jeden Blues-Begeisterten!

Gulf Coast Records (2020)
Stil: Blues

Tracks:
01. In My Blood
02. My Memory Part 1
03. What My Eyes Have Seen
04. I Heard The Blues Somewhere
05. On The Run Flott
06. My Memory Part 2
07. Her Name was Dona Mae
08. My Memory Part 3
09. Why Did You Take That Shot
10. My Memory Part 4
11. Oh California!
12. That Singing Roofer
13. 49 Years
14. I Got To Leave My Mark
15. My Memory Takes Me There

John Blues Boyd
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Robert Cray Band – That‘s What I Heard – CD-Review

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Seit über 40 Jahren ist Robert Cray nun im Geschäft und in dieser Zeit hat er es immer verstandenen eine Brücke zwischen Blues, Soul und R&B zuschlagen und dabei teilweise auch funkige Elemente einfließen zu lassen.

Dies trifft auch auf seines neues Album „That‘s What I Heard“ zu, von dem Cray selbst sagt, es sei „funky, cool and bad“. Produziert hat er es zusammen mit Steve Jordan, der auf dem Album auch an den drums und als Perkussionist zu hören ist, in den kultigen Capitol Records Studios in Hollywood.

„That‘s What I Heard“ ist eine großartige Reminiszenz an den Soul der 60‘ger Jahre des letzten Jahrhunderts. Genauso würden heutzutage Sam Cooke und Bobby Bland wahrscheinlich klingen, mal funkig flott und dann wieder soulig relaxed, immer mit der soultypischen Keyboarduntermalung. Nicht zuletzt erzeugt auch Robert Crays unverkennbares Gitarrenspiel zusammen mit seiner klaren Tenor Stimme dieses wohlige, altbekannte Soul-Feeling, welches durch Steve Jordan‘s gelungene Abmischung der Songs mit warmen Klangfarben noch unterstrichen wird.

Zwölf Songs haben ihren Weg auf die CD gefunden. Wie gesagt, alle sehr soulig bis bluesig in unterschiedlichen Tempi zwischen Slowblues und rhythmisch-flott. Lediglich „Burying Ground“, „Hot“ und „My Baby Likes To Boogaloo“ fallen da etwas heraus.

Während sich auf „Burying Ground“ noch deutliche Gospeleinflüsse hinzu gesellen, ist die flotte „Hot“-Nummer durch deutliche Boogie-Woogie Passagen auf dem Keyboard gekennzeichnet und „My Baby Likes To Boogaloo“ kommt im Vergleich zu den übrigen Tracks recht hart und stampfend rüber.

Insgesamt ist Robert Crays neue Scheibe für alle Soul-Fans absolut empfehlenswert. Old-School auf erfrischende Weise neu interpretiert und ab dem 28.02.2020 im Handel.

Nozzle Records/Thirty Tigers (2020)
Stil: Blues Rock

Tracks:
01. Anything You Want
02. Burying Ground
03. You‘re The One
04. This Man
05. You‘ll Want Me Back
06. Hot
07. Promises You Keep
08. To Be With You
09. My Baby Likes To Boogaloo
10. Can‘t Make Me Change
11. A Little Less Lonely
12. Do It

Robert Cray Band
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Oktober Promotion

Climax Blues Band, 16.02.2020, Musiktheater Piano, Dortmund – Konzertbericht

CBB- haupt

Zur Climax Blues Band habe ich bis heute ein eigenartiges Verhältnis gehabt. Obwohl ihre Scheibe „Gold Plated“ und später auch „Shine On“, seit frühsten Sammlerzeiten in meinem LP-Bestand vor sich hinstauben (ich bin ja ein absoluter CD-Verfechter), kann ich mich an kaum einen Song außer ihrem Ohrwurm „Couldn’t Get It Right“, der in unser damaligen Musikkneipe oft gespielt wurde, bewusst erinnern.

So richtig habe ich auch nie den Drang verspürt, mich mit der Musik der Briten auseinander zu setzen, obwohl ich die Band eigentlich an sich sympathisch fand. So bin ich dann mit Kollegen Gernot auch eher aus Respekt vor dem langjährigen konstanten Wirken der Band (jetzt über 50 Jahre!), die Reise ins geliebte Musiktheater Piano recht unbedarft angetreten, um die Woche Sonntags Abends entspannt ausklingen zu lassen, sieben Tage zuvor mussten wir ja wegen des heftigen Sturms beim Blues Caravan leider passen.

Das aktuelle Line-up beinhaltet zwar kein Mitglied mehr aus der Gründerphase, die Herren Glover, Simpson, Adams und Hunt sind aber schon seit Urzeiten mit dabei. Letztgenannter ist zu Fuß nicht mehr so gut dabei (kam mit Gehstock teils unsicheren Schrittes auf die Bühne), hat dafür aber seine Quirligkeit in der Fingern bewahren können und lieferte so manches tolles E-Gitarrensolo ab.

Relativ ’neu‘ dabei sind Fronter Graham Dee (seit 2012, mit engagierter Performance, sehr angenehme Stimme) und Saxofonist Boysey Battrum, dessen Lungenflügel und Backen, die wohl am meisten beanspruchten menschlichen Organe, beziehungsweise Körperteile, während des Konzerts abgaben.

In der knapp zur Hälfte gefüllten Lütgendortmunder Location präsentierte das Sextett den überwiegend 40-60-jährigen Besuchern, einen breitgefächerten Soul-Funk-Blues Rock, der sich vor allem in der Spielfreude der beteiligten Musiker entfachte. Toller Rhythmusteppich von Simpson und Adams, markanter Gesang von Dee, variable Keyboardspielereien vom Spaßvogel der guten englischen Schule, George Glover, immer irgendwann durchzogen von Battrums famosen Saxofon-Plustereien und/oder Hunts E-Soli, bildeten eigentlich das immer wieder kehrende Grundschema, ohne dass es allerdings langweilig wurde.

Die Band versteht sich heute als eigenständiges Kollektiv, das eigentlich weniger auf die Historie zurückschaut und eher das ‚Hier und Jetzt‘ im Fokus hat. Deshalb war es auch nicht verwunderlich, dass ihr aktuelles Album „Hands Of Time“ mit Tracks wie „Straight Down In The Middle“ (Opener), „17th Canal Street“, „What’s Your Name“, „The Cat“ (alle in Set 1) und „Hands Of Time“, „Ain’t That A Kick In The Head“, „Hard Luck“ (mit Vorstellung und Soli aller Beteiligten) und „Wrong Time“ (alle im 2. Part), hier den Löwenanteil der Spielzeit einnahm.

Zwischen durch gab es mit „The Seventh Son“ und „Spoonful“ noch zwei, auf CBB-Art interpretierte Willie Dixon-Klassiker und natürlich auch kurz vor Ende oben besagtes „Couldn’t Get It Right“ (mit schönem Gesangsinttro von Dee zu sanftem Orgelhall Glovers im abgedunkelten Piano, bevor dann die Band richtig einstieg). Schön diesen Klassesong mal nicht von einer dieser vielen unsäglichen heutigen Coverbands, sondern von absoluten Könnern, serviert zu bekommen.

Die Zugabewünsche des im kompletten Verlauf des Gigs begeistert mitgehenden Publikums, wurden dann mit dem launigen Boogie „Towards The Sun“ auf dem Fuße erfüllt. Am Ende war es eine kurzweilige, musikalisch unterhaltsame Show der Climax Blues Band, der auch in Zukunft noch einiges an Kreativität zuzutrauen ist. Hat sich gelohnt hinzufahren!

Graham Dee – lead vocals
George Glover – keys, vocals
Neil Simpson – bass
Roy Adams – drums, percussion
Boysey Battrum – saxophone
Lester Hunt – electric guitar, vocals

Bilder: Gernot Mangold
Text: Daniel Daus

Climax Blues Band
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Musiktheater Piano
Onstage Promotion

Tom The Suit Forst – World of Broken Hearts – EP-Review

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Review: Jörg Schneider

Tom The Suit Forst macht an sich schon Zeit seines Lebens Musik. Allerdings entschied er sich erst im reifen Alter von 57 Jahren, nachdem die Kinder aus dem Haus waren, dazu, Vollzeitmusiker zu werden und in das Profibusiness einzusteigen. Zuvor arbeitete er im Medienbereich für eine TV-Gesellschaft. Das ist jetzt alles 12 Jahre her und Tom The Suit Forst legt nun mit 69 Jahren sein neuestes Album „World Of Broken Heats“, in Form einer EP mit fünf Stücken, vor. Es kommt am 14. Februar in den Handel.

Für das Album hat „The Suit“, wie ihn seine Fans nennen, zahlreiche renommierte Musiker um sich versammelt, unter anderem z. B. den Gitarristen Paul Nelson (Johnny Winter Band) und den Blues-Harp Spieler James Montgommery, der schon mit den Allman Brothers, Janis Joplin, Muddy Waters und Bonnie Raitt, um nur einige zu nennen, auf der Bühne stand. Stilistisch bewegt sich Forst’s Musik irgendwo zwischen Eric Clapton, Gary Clarke, jr. und Joe Walsh, um daraus modernen Blues mit Americana-Anleihen zu kreieren.

Der erste Song des Albums „Late Night Train“ legt, ganz bluestypisch, gemächlich, aber mit einer sehr kraftvollen und einprägsamen Basslinie los, angereichert mit Einlagen von Paul Nelson an der Slide-Gitarre.

In „I’m Not Over You Yet“ blitzen dann, hervorgerufen durch das hookige Electric-Banjo, gespielt von Forst himself, immer wieder American-Versatzstücke auf.

Ganz anders „World Of Broken Hearts“. Der Titelsong kommt im Singer/Songwriter-Stil sehr blumig und leicht, mit Akustikgitarre und zarten Violinenklängen im Background daher. Für mich der schönste Track des Albums.

Zusammen mit Christine Ohlmann liefert Forst in „Everything Is Falling“, einem Song den er bereits im Alter von 17 Jahren geschrieben hat, ein nettes Duett ab. Nach eigenem Bekennen ist es für ihn das herausragendste Stück der EP. Es ist bestimmt kein schlechter Song, aber der beste der fünf Tracks ist es nach Ansicht des Rezensenten sicherlich nicht, siehe oben.

Zum Abschluss gibt es dann noch den härteren Willie Dixon-Klassiker „Hoochie Coochie Man“ mit klagenden Gitarren und typischem Keyboard-Sound-Teppich.

Insgesamt präsentiert Tom The Suit Forst eine kurzweilige EP, solide produziert und mit guter Hausmannskost, aber ohne große Überraschungen. Lediglich „World Of Broken Hearts“ fällt aus dem musikalischen Rahmen, den die übrigen Songs bieten, und ist schon deshalb das beste Stück des Albums.

Label: Retro Records
Stil: Blues

Tracks:
01. Late Night Train
02. I’m Not Over You Yet
03. World Of Broken Hearts
04. Everything Is Falling
05. Hoochie Coochie Man

Tom The Suit Forst
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Haley Johnsen – 03.02.2020, Kulturrampe, Krefeld – Konzertbericht

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Markus Peerlings packt „Caesar’s Pallets“ wieder aus! Den Anfang der diesjährigen Reihe von Solo-Konzerten im Wohnzimmer der Kulturrampe machte Haley Johnson. Durch ihre erfolgreiche Teilnahme beim Song-Contest American Idol erlangte sie in Amerika bereits einen hohen Bekanntheitsgrad. Im vergangenen Jahr promotete sie ihr Debüt-Album „Golden Days“ auf ihrer ersten Europa-Tour. Nun kehrte die talentierte Songwriterin mit frisch im Londoner Studio One aufgenommen Akustik-Versionen nach Deutschland zurück.

Bei Ihrer Premiere in Krefeld zeigte sie sich beeindruckt von der coolen Location. Die Rampe ist nach ihrer Aussage der hipste Veranstaltungsort, in dem sie bislang auftrat. Damit erzählte Johnsen den Anwesenden zwar nichts Neues, aber gefreut hat es alle und Pille wahrscheinlich am meisten.

Mit ganz verschiedenen musikalischen Einflüssen aufgewachsen fügt Haley Johnsen diese in einem souveränen Mix aus Americana, Blues und Rock zusammen. Dabei gibt sie dieser Mischung auf ihrem Longplayer, der mit kompletter Band eingespielt wurde, einen poppigen Anstrich. Im intimen Rahmen der Kulturrampe kamen ihre Qualitäten als Songwriterin und ihre tolle Stimme, die bei der instrumental reduzierten Begleitung stärker in den Vordergrund traten, viel besser zur Geltung.

Die junge Amerikanerin bewies eine verblüffende Souveränität auf der Bühne. Locker und selbstironisch philosophierte sie über den unterschiedlichen Kohlesäuregehalt deutscher Mineralwässer, leitete Songs mit Anekdoten und Hintergrundinformationen ein und nutzte auch sonst jede Gelegenheit, mit dem Publikum in Kontakt zu treten.

Mit viertelstündiger Verspätung kam Johnsen aus den Katakomben der Rampe, legte die nagelneue, akustische Fender-Gitarre an, schnallte sich Schellen um den Fuß und gab mit der Stomp Box den Rhythmus für den Opener „I’ll See You Around“ vor. Richtig Fahrt nahm „Everything Comes Back Again“ auf. Mit scheppernden Akkorden rockte Johnsen den Song, den sie mit 16 Jahren geschrieben hatte.

Nach dem ebenfalls mitreißenden „Sideways“ von ihrer EP „When You Lit The Sky“ (2017) folgte mit „Feel The Water“ die erste Ballade. Diese begann sehr sanft, steigerte dann aber die Dynamik durch fast schon rausgeschriene Gesangspassagen. Johnsen hat eine klare, volle Stimme, die sie den verschiedenen Stimmungen der Songs problemlos anpassen kann.

Inspiriert durch die Version von Eva Cassidy präsentierte Johnsen dann „Autum Leaves“ als klassisches Folkstück. Diesen Titel spielte sie zum ersten Mal auf dieser Tour, deren Halbzeit sie feierte. Die Songwriterin hat noch weitere drei Wochen On The Road vor sich und verlässt Deutschland erstmal in Richtung Dänemark.

Als Haley Johnsen zur elektrischen Gitarre griff, zog das Tempo im letzten Drittel des ersten Sets nochmal an. Kräftige Rhythmen („City Of Me“), teilweise begleitet von einem staubiger Gitarrensound leiteten dann zum vorläufigen Finale über. Für dieses holte sie ihren Freund und Tour-Manager Jonny Shewell auf die Bühne und sang mit ihm „Perfect Life“ im Duett.

Die kurze Pause wurde mit dem fetzigen „Lift Me Up“ beendet. Während Johnsen dort ihre akustische Fender hart bearbeitete, zeigte sie vor allem beim Intro zu „Crazy On You“ – einem Song von Heart –, dass sie auch filigrane Fingerarbeit an den Saiten beherrscht.

Nach „Cinderella“, wohl einem Stück mit großer persönlicher Bedeutung für die Sängerin, folgte mit „Tear Drop Canvas“ ein weiterer Titel des Longplayers „Golden Days“. Die erdigeren, handgemachten Versionen, die Johnsen bei der Show darbot, überzeugten weit mehr als die opulenter produzierten Studioaufnahmen. Als Singer/Songwriter gewinnt Haley Johnsen deutlich Konturen und sticht unter den Musiksternen ihrer Generation hervor. Dass sie musikalisch vielseitig ist, zeigt auch ihre Beteiligung an der Electronic-Band Big Wild, obwohl dies auch unter der Rubrik Jugendsünden zu verbuchen sein kann.

In der Mitte des zweiten Sets räumte sie den Platz am Mikro für Jonny Shewell, der seinen Song „Famous“ vorstellte und dabei sein Gesangstalent offenbarte. Für die letzten beiden Stücke „Weekend“ und „Keep On Saying Goodbye“ packte Johnsen erneut die E-Gitarre aus und heizte dem Publikum nochmal mächtig ein.

Ich hätte nicht gedacht, dass dreißig Leute so einen johlenden und klatschenden Tumult veranstalten können. Obwohl Johnsen – ganz Profi – darauf hinwies, dass sie nur für zwei 45-Minuten-Sets engagiert worden wäre, ließ sie sich nicht lange bitten und gab mit „If It Makes You Happy“ von Sheryl Crow sowie dem Schmachtfetzen „Blue Bayou“ von Linda Ronstadt zwei Cover als Zugabe. Die beiden Titel standen den Originalen in nichts nach, was zeigt, über welche Spannweite sie musikalisch und gesangstechnisch verfügt.

Haley Johnsen lieferte eine Performance mit großem Unterhaltungswert, abwechslungsreicher Songauswahl und hervorragendem Gesang. Mit ihrem natürlichen Auftreten spiele sie sich direkt ins Herz der Zuhörer. In besser Gesellschaft kann man einen verregneten Montagabend kaum verbringen. Für die nächsten Veranstaltungen ab März zieht „Caesar‘s Pallets“ auf die Terrasse der Rampe. Die Open-Air-Konzerte auf dem Großmarkt sind eine schöne Idee, sofern das Wetter mitspielt.

Line-Up:
Haley Johnsen (vocals, guitar)
Jonny Shewell (vocals)

Bilder und Bericht: Michael Segets

Haley Johnsen
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Kulturrampe

Bywater Call – Same – CD-Review

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Review: Michael Segets

Was für eine Stimme! Meghan Parnell wird von der Fachpresse mit Grace Potter und sogar Janis Joplin verglichen. Auf dem selbstbetitelten Erstling von Bywater Call liefert die Sängerin eine ganz starke Leistung ab. Die mittlerweile zu einem Septett angewachsene Truppe wurde 2017 von ihr sowie Gitarristen Dave Barnes in Toronto gegründet und tritt nun an, Europa zu erobern.

In den niederländisch-belgischen Americana-Charts schoss das Album kurz nach Erscheinen in die Top-Ten. Bis Ende Februar tourt Baywater Call ausgiebig durch den alten Kontinent. Als dritter Termin steht am 17.01. ein Besuch in der Krefelder Kulturrampe an und am 22.02. kommt die Band nochmals in die SoS-Region, wenn sie im Dortmunder Blue Notez Station macht. Das Debüt lässt mitreißende Auftritte erwarten, wenn die unglaubliche Dynamik, die selbst die langsameren Songs entwickeln, auf die Bühne rüber gerettet werden kann.

Bereits der Opener „Arizona“ bekommt nach dem staubigen Gitarrenintro durch die beiden Bläser Stephen Dyte (Trompete) und Julian Nalli (Tenor-Saxophon) eine gehörige Portion Soul. Mit „Forgive“ geht es dann direkt flott weiter. Baywater Call lässt hier die guten alten Zeiten des Rock ’n Roll aufleben, wobei sich die Rhythmus-Sektion – Bruce McCarthy am Schlagzeug und Mike Meusel am Bass – richtig ins Zeug legt.

„Talking Backwards“ schlägt in die gleiche Kerbe, ist aber durch den raueren Gesang und die tolle Saxophon-Einlage sogar noch einen Deut interessanter. Nach diesem Highlight fährt Baywater Call das Tempo mit der siebenminütigen Ballade „Bring Me Down“ und dem souligen „Nightmare“ deutlich runter. Während beim erstgenannten Gesang, Bläser und Gitarrensolo gelungene Spannungsbögen entwickeln, fällt das zweitgenannte – auch im Vergleich zu den anderen Titeln der CD – etwas ab. Bei „Over And Over“ zieht Baywater Call nochmal das Tempo an und die Combo zeigt, dass sie auch funkige Töne beherrscht.

Die zweite Hälfte des Albums ist durch langsamere Songs geprägt, die einen allesamt packen. Unter diesen sticht das erdige und emotionale „Hometown“ besonders hervor. Aber auch die beiden Blues-Stücke „Silver Lining“ und die Single „Walk On By“ sind klasse. Bei dem abschließenden „Swing Low“ beginnt Meghan Parnell mit beinah zerbrechlicher Stimme, setzt dann jedoch ihr Organ wie bei den vorangegangenen Titeln kraftvoll ein.

Mit sanften Fingerläufen lässt Alan Zemaitis an den Keys den Longplayer ausklingen. Damit geht das frische Debütwerk der Formation aus Kanada zu Ende. Auch wenn sich im Mittelteil der eine oder andere Song findet, der nicht ganz das hohe Niveau des schmissigen Anfangs und des gefühlvollen Abschlusses hält, liefert Bywater Call einen sehr gelungenen Einstand ab.

Bywater Call hat mit der stimmgewaltigen Frontfrau Meghan Parnell und der Bläserabteilung Trümpfe, die die Band richtig ausspielt. Die Songs zwischen Blues und Rock erhalten so das richtige Maß an Soul und entfalten damit unterschiedliche Stimmungen, auf die man sich gerne einlässt.

Die Besprechung des Albums wurde durch Renan Yildizdogan von Gypsy Soul Records und durch Manny Montana von Teenage Head Music ermöglicht. Ihnen sei an dieser Stelle herzlich gedankt.

Gypsy Soul Records (2019)
Stil: Soul, Blues, Rock

Tracks:
01. Arizona
02. Forgive
03. Talking Backwards
04. Bring Me Down
05. Nightmare
06. Over And Over
07. Hometown
08. Silver Lining
09. Walk On By
10. Swing Low

Bywater Call
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Gypsy Soul Records
Teenage Head Music

Betty Fox Band – Peace In Pieces – CD-Review

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Kaum ist das vergangene Jahr vorüber und schon beginnt das neue wieder mit einer sensationell guten Scheibe. „Peace In Pieces“ heißt das dritte Werk der in Petersburg, Florida, ansässigen Betty Fox Band, die weder ich, noch vermutlich hier kaum irgend jemand anders, bis jetzt auf dem Schirm haben dürfte.

Die hübsche Blondine, mit einer der besten Stimmen, die ich bis dato im soulig-umwobenen Blues-Genre gehört habe, hat sich dazu in die berühmten FAME Studios in Muscle Shoals Alabama begeben, um 13 Eigenkompositionen und einen Gospel-Standard, in exquisiter Begleitung von Musikern wie u. a. Spooner Oldham (Neil Young, J.J. Cale, Jackson Browne), Clayton Ivey (Boz Scaggs, Gregg Allman, Toby Keith), Chris Peet, Barry Williams und Langzeit-Weggefährte Josh Nelms, einzuspielen.

Die beiden Letztgenannten zeichnen sich mit ihr auch für die feinfühlige Produktion (herrlich, wie hier die Instrumente ineinander verschmelzen und der Protagonistin die ‚Bühne‘ für ihren famosen Gesang bereiten) verantwortlich.

Die Stücke bewegen sich meist im relaxt bluesig-souligen Midtempo-Bereich, wo sich Betties Stimmvariabilität auch am besten entfalten kann. Ab und zu wird es mit Sachen wie dem Titelstück, dem shuffelnden „Feels So Good“ und dem swingenden „Rising Strong“ etwas temporeicher.

Manchmal kommt man bei Tracks wie u. a. „Magnificent Hallucination“ oder „Shattered Dreams & Broken Toes“ an Vergleichen mit Beth Hart nicht vorbei, mir persönlich gefällt Betties Stimme in der Bandbreite aber noch etwas besser.

Oldham und Ivey glänzen durch ihre bestens aufeinander abgestimmte songdienliche Tastenarbeit und auch die Bläserfrakton ist meist eher mit sanft plusternder Fillarbeit zugange, lediglich bei „Sweet Memories“ gibt es mal ein durch Brad Guin gespieltes Saxofon-Solo.

Die auffälligsten Akzente setzt neben der Protagonistin Gitarrist Josh Nelms, zum Niederknien seine Soli im southern-souligen Opener „Green Light„, bei „Peace In Pieces (herrlich quirlig) oder beim Überraschungssong des Albums „Fireflies“, wo Fox und Co. plötzlich einen acht-minütigen, Akustik-/E-Gitarren-gesteuerten Americana-Schwofer in bester Lucinda Williams-Manier einstreuen.

Am Ende zollt Fox noch mit dem Gospelstandard „‚Til The Storm Passes By“ ihrer amerikanisch-typischen Musikerziehung (Familie/Kirche) Tribut und gibt mit ihrer Stimme zu Orgel- und Pianoklängen eine letzte vokale Paradevorstellung ab.

Ich muss am Ende schon sagen, dass ich selten so schnell von einer weiblichen Stimme derart begeistert gewesen bin. Betty Fox und ihre exzellente Band liefern schon direkt zu Anfang einen ganzen heißen Kandidaten für das ‚Album des Jahres‘ ab.

Wer sich diese CD kauft, ist zweifelsohne ein schlauer Fuchs!

Eigenproduktion (2019)
Stil: Blues & More

Tracks:
01. Green Light
02. Winter’s Cold
03. Marie
04. Sweet Memories
05. Peace In Piece
06. Let Go Or Be Dragged
07. Runnin‘ Back To You
08. Feels So Good
09. Sweet Goodnight
10. Magnificent Hallucination
11. Shattered Dreams & Broken Toes
12. Rising Strong
13. Fireflies
14. ‚Til The Storm Passes By

Betty Fox Band
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Arkansas Dave – Live At Music In The Park – Montreux Jazz Festival – CD-Review

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Viele bekannte Musiker haben im Laufe ihrer Karriere die Einladung zum renommierten Montreux Jazz Festival genutzt, um den Auftritt als Live-Scheibe zu veröffentlichen, wie z.B. Van Morrison, Canned Heat, Deep Purple.

Dass der US-amerikanische Blues Rocker, Arkansas Dave, das Montreux Konzert vom 05. Juli 2018 bereits als sein zweites Album auf den Markt bringt – das Solo Debüt war damals gerade erst erschienen – lässt die schnell gereifte Überzeugung vermuten, dieser Auftritt vor einem verwöhnten und kritischen Publikum rechtfertige den Ruf auf die angesehene Bühne.

Der aus Little Rock, Arkansas, stammende und nach Austin, TX, „ausgewanderte“ Gitarrist, Sänger und Songwriter, Dave Pennington wollte diese Live-Aufnahme, nach eigener Aussage, als den Höhepunkt einer 25 Shows umfassenden Europa Konzertreise, unbedingt veröffentlichen. Das Album zeigt eine hervorragend eingespielte Band, mit großer Bläser Combo, die durchgängig den Sound von Arkansas Dave begleitet.

Nach der Ansage durch den Veranstalter beginnt Dave mit der vielversprechenden Begrüßung „We play some Rock ’n‘ Roll“ und setzt diese Ankündigung sofort zielstrebig mit „Bad To Being Good“, einer schnellen Rock Nummer, und dem folgenden „Think Too Much“ – beides vom selbst betitelten Solo Album – unmittelbar in die Tat um.

„Come Back To Me“, ein ebenfalls schöner, bläsergestützter Blues, bildet anschließend den Übergang zu „Bad Water“, einem großartigen Blues-Rock-Song, dessen schneller Refrain im Wechsel mit den langsamen Gesangspassagen in der 7-Minuten Live-Fassung bleibenden Eindruck hinterlässt. Die Interpretation des Tom Waits Songs „Chocolate Jesus“ ist eine ambitionierte Aufnahme, inklusive passender Bläser- und Gitarrensoloarbeit.

Das etwas an „The Doors“ angelehnte „Squeaky Clean“, wirkt durch seinen wiederkehrenden, dominanten Sprechgesang in Form eines eigenwilligen Blues-Tracks und erinnert damit an „alte Zeiten“. Als schöner Soul-Blues kommt „The Wheel“ angerollt, und leitet über in den langsamen Blues-Song „Rest Of My Days“, der erneut die Stärke der eingespielten Background-Bläser-Truppe unter Beweis stellt. Dieser fette Bläser-Sound wird auch auf „Honey Bee“, einem Stück von Tom Pettys „Wildflowers“-LP fortgesetzt, das als Blues-Rock-Version für das Konzert typisch ist.

Dies gilt ebenso für das treibende Medley „Black Draws/Let’s Have A Party“, das gegen Ende des Gigs als schneller Rock’n’Roll-Song konzipiert ist und die Band in eine intensive Jam-Session führt. Der eigentliche Abschluss-Track „On My Way“ wird als starker Texas-Blues-Boogie im Stile von Canned Heat auf den Punkt gebracht; leider kommt hierbei die Vorstellung der einzelnen Band-Mitglieder mit ihren persönlichen Solo-Einsätzen etwas zu kurz.

Insgesamt ist das Album „Arkansas Dave In Concert“ die gelungene Performance einer noch jungen Blues-Rock-Formation, die ihre eigene musikalische Ausrichtung auch nach dem zweiten Longplayer und prominenten Einfluss-Effekten hoffentlich noch weiter zielstrebig konsequent ausbauen kann.

Big Indie Records (2019)
Stil: Blues, Country

Tracklist:
01. Intro
02. Bad At Being Good
03. Think Too Much
04. Come Back To Me
05. Bad Water
06. Chocolate Jesus
07. Squeaky Clean
08. The Wheel
09. Rest Of My Days
10. Honey Bee
11. Diamonds
12. Black Draws/Let’s Have A Party
13. On My Way

Arkansas Dave
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Oktober Promotion

Ben Poole – 17.11.2019, blues, Rhede – Konzertbericht

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„Vor einem Jahr war Ben Poole das erste Mal da. Wer nicht zugegen war, hatte echt was verpasst, ein Mega-Konzert.“ So begrüßte André Knoch die Gäste in seiner Location. Ben Poole hatte fünf Konzerte in fünf Tagen hinter sich und freute sich zum Tourabschluss in Deutschland wieder im blues in Rhede zu sein.

Diesmal war er als Trio gekommen, um seine neue Live Doppel-CD vorzustellen. Die hatte er mit Wayne Proctor (u. a. früher King King) an den Drums und Steve Amadeo (u. a. Aynsley Lister) am Bass eingespielt . In Rhede stand er mit diesen hochkarätigen Musikern auf der Bühne. Mit „Take It No More“ legten sie sofort richtig los. Ben Poole, in großer Spiellaune, legte sich richtig in die Saiten. Vom ersten Stück an gab es lange intensive Gitarrensoli.

Besonders bei „Don’t Cry For Me“ zeigte er viel Emotion beim Gitarrenspiel und bezog auch seinen Basser stark mit ein. „Let’s have some fun tonight“ kündigte er an und unterhielt sein Publikum mit Späßen, ausgefeiltem Spiel und viel Spontanität. Nach einer Stunde und einer kurzen Pause stellte er seinen engen Freund Guy Smeets vor. Wie auch vor einem Jahr spielte der junge Gitarrist mit ihm gemeinsam den rockigen Blues.

Dabei begeisterten beide vor allem mit einem Cover von Eric Claptons „Old Love“. Bei diesem Song, den Ben seinem Tourmanager und Fahrer Mike widmete, verloren sich beide in eindringlichen Soli auf ihren Arbeitsgeräten. Guy Smeets setzte sich dabei auf die Bühnenkannte und spielte ganz leise sein Solo, eine besondere Stimmung. Auch das Freddy King-Stück „Have You Ever Loved A Women“ durfte nicht fehlen.

Einer der Höhepunkte war sicherlich „Too Tired“. Wie im Original von Gary Moore und Albert Collins wechselten sich hier die beiden Gitarristen ab. Ben Poole und Guy Smeeds lieferten sich bei dem knapp 10 minütigen Stück intensive Gitarrenbattles und zeigten dabei beide ihr ganzes Können samt ihrer ungemeinen Spielfreude.

Zusammen mit Wayne Proctor und Steve Amadeo hat Ben eine Traum-Besetzung gefunden, die die reichlich erschienenen Besucher begeisterte und mit viel Applaus bedacht wurde. Nach knapp drei Stunden Spiel und Späßen endete der Abend für die Besucher des blues.

Line-up:
Ben Poole (lead vocals, electric guitar)
Steve Amadeo (bass)
Wayne Proctor (drums)
Special guest:
Guy Smeets (guitars, bgv)

Text und Bilder: Martina Middeke

Ben Poole
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Blues Rhede

Myles Goodwyn – Friends Of The Blues 2 – CD-Review

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Review: Jörg Schneider

Myles Goodwyn ist in den Staaten als Leadsänger und Gründungsmitglied der 1969 gegründeten kanadischen Rockband April Wine, die in Europa leider keine großen Erfolge erzielen konnte, bekannt geworden. Zusätzlich wandelt er auch auf Solopfaden und produzierte 2018 sein preisgekröntes Album „Friends Of The Blues“. Der Erfolg inspirierte ihn wohl jetzt ein Nachfolgealbum zu veröffentlichen.

„Friends Of The Blues 2“ folgt dem selben Konzept wie die Vorgängerscheibe, nämlich mit unterschiedlichen, aber erlesenen Bluesmusikern, wie z. B. Steve Segal und John Campelljohn, ein abwechslungsreiches Bluesalbum zusammenzustellen. Die 14 Songs der Scheibe bieten musikalische Leckerbissen von vornehmlich entspannten Charakter, vielfach mit deutlichen Anleihen aus dem Swing und mit reichlich Klaviergeklimper (was nicht despektierlich gemeint ist, sondern absolut toll zur Gesamtstimmung des Albums passt).

Zu den swingbeeinflussten Songs gehören der relaxte Opener „Hip Hip“, das mit schönen Background Vocals ausgestattete „Like A Dog Ain’t Had It’s Day“, der Bobby Womack-Klassiker „All Over Now“, sowie der Midtempo-Rock & Roller „Speedo“ mit zündenden Saxophon-Einlagen.

Es folgen ein traditioneller Blues „You Got It Bad“ und „Fish Tank Blues“ mit John Campelljohn an der Slidegitarre sowie im weiteren Verlauf der sehr gefühlvolle Slow Blues „Being Good (Won’t Do Us Any Good Tonight)“, im Duett vorgetragen von Myles Goodwyn zusammen mit der Bluessängerin Angel Forrest und das balladeske „I Love My Guitar“.

Aber auch ein flotter, in die Beine gehender, Boogie Woogie findet sich zwischen den Tracks. In „Help Me Baby“ geben Bill C. Stevenson am Piano und Steve Segal an der Gitarre den rasanten Rhythmus vor.

Sehr schön ist ebenfalls der Chicago-Style Blues „I Saw Somone That Wasn’t There (And It Was You)“. Der absolute Knaller ist allerdings der originelle Bonus Track „Even Singing Cowboys Get The Blues“, ein von Goodwyn gejodelter Country-Song! Allein hierfür lohnt sich die Anschaffung des Albums … eine solche Perle dürfte es wohl kaum ein zweites Mal geben.

„Friends Of The Blues 2“ ist also ein gelungenes Album, das man sich jetzt an den länger werdenden Abenden immer wieder gern zwecks Entspannung anhören wird. Es enthält Material für fast jede musikalische Vorliebe aus den weiten Gefilden des Blues. Swing, Slow Blues, Chicago Blues und Country lassen keine Wünsche offen.

Das Album kann seit dem 25.10.2019 beim Händler eures Vertrauens erworben werden. Es lohnt sich!

Label: Linus Entertainement (2019
Stil: Blues

Tracks:
01. Hip Hip
02. Like A Dog Ain’t Had It’s Day
03. All Over Now
04. You Got It Bad
05. Fish Tank Blues
06. Speedo (Revisited)
07. Daddy Needs New Shoes
08. Being Good (Won’t Do Us Any Good Tonight)*
09. I Love My Guitar
10. Help Me Baby
11. When Your Ship Came In (I Was At The Train Station Drinking)
12. Sick And Tired (Of Being Sick And Tired)
13. I Saw Somone That Wasn’t There (And It Was You)
14. Even Singing Cowboys Get The Blues (Bonus Track)

Myles Goodwyn
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