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Tennessee Champagne – Same – CD-Review

Tennessee Champagne 300

Review: Michael Segets

Das neue Label Juke Joint 500 spezialisiert sich auf hörenswerte Musik, die in den letzten Dekaden nie auf Vinyl herausgekommen ist. Die wieder anwachsende Zahl von Liebhabern der nicht-digitalen Präsentationsform wird ein solches Vorhaben begeistert aufnehmen. Sicher produziert das Label einige – bald heiß begehrte – Sammlerstücke, da die LPs farbig, handnummeriert und auf fünfhundert Pressungen limitiert sind. „… And Other Crimes“ der Go To Blazes aus dem Jahr 1995 setzte den Startschuss für das Programm.

Zeitgleich mit dem Sampler „Mo‘ Peaches“ folgt nun die selbstbetitelte Scheibe von Tennessee Champagne. Direkt zu Beginn von Juke Joint 500 weicht Gründer Reinhard Holstein von seinem Konzept ab und veröffentlicht eine CD, die gerade erst in den USA erschienen ist, auf Vinyl und digital. Die Qualität der Band aus Elizabethon, Tennessee, ließ ihm quasi keine andere Wahl. Und tatsächlich legt das Quintett ein feines Southern Rock-Album vor, das die Wegbereiter dieses Genres nicht verleugnen und mit den aktuellen Größen wie Blackberry Smoke mithalten kann.

Temporeich steigt das Album mit „Wicked“ und dem folgenden „Thunder In The Mountains“ ein. Während der Opener in der Tradition von Lynyrd Skynyrd steht, geht der zweite Track in Richtung Blues Rock. Schon am Anfang der Scheibe stechen die kräftigen Gitarren hervor, die den Sound der Band prägen. Vor allem die eingestreuten Soli haben die richtige Würze, sind dabei nicht zu lang und bleiben stets melodiös.

Der Frontmann Tim Hall singt hier mit angerauter Stimme, die bei der Ballade „Can’t Get Over You“ sanftere Facetten zeigt. So oder so kann er viel Soul und Gefühl in seinen Gesang legen. Die Balladen sind von einer Orgel unterlegt, welche vor allem bei „Stompin‘ Grounds“ sehr stimmungsvoll in den Song einleitet. Zusammen mit dem etwas dunkleren „Selfish Ways“ ist der Track – nicht zuletzt durch den unaufdringlichen Slide – mein Favorit unter den langsamen Stücken. Diese sind aber durchweg gelungen. So kommt mir am Anfang von „Singing To My Broken Heart“ Neil Young aus seiner “Harvest”-Zeit in den Sinn, was ja nicht der schlechteste Referenzpunkt ist.

The Allman Brothers Band scheint bei „Mountains In My Bones“ durch, das nochmal das Tempo anzieht. Mit dem hymnischen „Silver Tongue” setzen sich Tennessee Champagne – neben Tim Hall gehören Dan Britt, Chris Kelley, Jonathan Grindstaff und Bill Cowden zu der Truppe – selbst ein Denkmal. Über sechs Minuten zelebrieren die Jungs den Southern Rock mit allem was dazu gehört. Zum Southern mischen sich gelegentlich auch Blues-Elemente, beispielsweise beim swampigen Midtempo-Song „Corn From A Jar“, auf dem die Stimme des Leadsängers streckenweise verzerrt wird, oder beim rockigen Abschluss „Shake It“.

Am Anfang des Debüts von Tennessee Champagne, der A-Seite der LP, sind kräftige, temporeiche Nummern in der Überzahl, die zweite Hälfte wird von eindringlichen Balladen geprägt. Gemeinsam ist den Songs, dass sie die Erwartungen, die an Southern Rock gestellt werden, voll erfüllen. Das Quintett legt ein ausgewogenes Album vor, mit dem sie sich in dieser Musikrichtung einen Platz unter den Newcomern des Jahres, auch wenn dieses noch jung ist, sichern.

Juke Joint 500 (2021)
Stil: Southern Rock

Tracks:
01. Wicked
02. Thunder In The Mountains
03. Can’t Get Over You
04. Mountains In My Bones
05. Silver Tongue
06. Stompin Grounds
07. Selfish Ways
08. Corn From A Jar
09. Singing To My Broken Heart
10. Shake It

Tennessee Champagne
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Juke Joint 500

Logan Mize – Still That Kid – CD-Review

Still That Kid - Album Art

Logan Mize möchte auch nach fast einer Dekade recht erfolgreichen Treibens im New Country Business sich das Kind im Manne bewahren. Das proklamiert er jetzt auf seiner dritten Big Yellow Dog Music-Produktion nicht nur mit dem Titel des Albums „Still That Kid“, sondern auch ganz klar mit einem der Center-Tracks „I Ain’t Gotta Grow Up“, der gleich in zwei Versionen (einmal mit Unterstützung von Willie Jones) enthalten ist.

Der aus Clearwater, Kansas, stammende Musiker bewegt sich immer noch so ein wenig in der Warteschleife zum ganz großen Durchbruch. Immerhin hat er es zum schon zum Tour-Support von vielen Stars der Szene wie Lady Antebellum, The Band Perry, LeAnn Rimes, Eric Church, Dierks Bentley, der Charlie Daniels Band, Blake Shelton (auf der Blake Shelton Country Cruise), Stoney LaRue, Hank Williams, etc. geschafft.

2016 sorgte er für viel Aufsehen, als er in Eigenregie über seine sozialen Netzwerke eine Solo-Akustik-Tournee buchte und dabei in weniger als zwei Monaten mehr als 20.000 Meilen in einem 1989er Chevy-Kombi namens “Glenn” zurücklegte. Logan war auf dieser Tour sein eigener Sound- und Lichttechniker und spielte Akustikshows, die Fans im ganzen Land begeisterten.

Er ist übrigens verwandt mit Billy Mize. Dieser prägte früher ganz stark den Bakersfield-Sound mit, den man unter anderem von Country-Ikonen wie Merle Haggard und Buck Owens kennt. Und das spürt man auch meines Erachtens ein wenig unterschwellig an der Rhythmusgebung seiner Songs, auch wenn diese natürlich eindeutig im ganz modernen New Country verankert sind.

Das Werk besteht insgesamt aus dreizehn angenehm zu hörenden Stücken, wobei, wie anfangs erwähnt „I Ain’t Gotta Grow Up“ und „Grew Apart“ jeweils in unterschiedlichen Darreichungsformen eingespielt wurden.

Letztgenannter Song, einmal mit Donovan Woods und mit Alexandra Kay performt, wobei die aus Illinois stammende Sängerin, mit ihrer zauberhaften, zwischen Kate Bush und Dolly Parton pendelnden Engelsstimme, hier einen herrlichen Counterpart zu Logans mannsstarkem Gesangsorgan bildet, hat für mich, gerade in der zweiten Version, das größte Hitpotential.

Dass er auch kompositorische Qualitäten verinnerlicht hat, beweisen seine beiden jeweils mit Blake Chaffin kreierten Tracks „American Livin’“ (hymnische, slide-bestückte Hommage an das amerikanische Kleinstadtleben) und „Prettiest Girl In The World“ (melancholische Ballade mit weinender Steel und klirrender Mandoline).

Ein nicht unerheblicher Anteil der Lieder wie „Who Didn’t“, „Gone Goes On And On“, „Get ‘Em Together“ (klasse Duett mit der ebenfalls toll singenden Clare Dunn) und „Practice Swing“ folgt in ihrer Struktur ein wenig dem Erfolgsrezept (Midtempo-Strophe, markanter euphorischer Powerrefrain) dem vom Superstar-Duo Florida Georgia Line.

Insgesamt überzeugt Logan Mize auf dem von Daniel Agee produzierten „Still That Kid“ mit einem durchgehend melodischen und abwechslungsreich anzuhörenden Silberling. Es könnte der Durchbruch werden, zumindest aber der Initialschritt, um aus dem Schatten der heutig Etablierten herauszutreten. Möge er dabei trotzdem seinen jugendlichen Elan und Charme, den er dabei an den Tag legt, auch in Zukunft weiterhin bewahren.

Big Yellow Dog Music (2021)
Stil: New Country

01. American Livin’
02. I Ain’t Gotta Grow Up
03. Who Didn’t
04. Grew Apart feat. Donovan Woods
05. Gone Goes On And On
06. Prettiest Girl In The World
07. Hometown
08. Get ‘Em Together feat. Clare Dunn
09. Practice Swing
10. Slow
11. Something Just Like This
12. Grew Apart feat. Alexandra Kay
13. I Ain’t Gotta Grow Up feat. Willie Jones

Logan Mize
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Lime Tree Music

Various Artists – Mo’ Peaches Volume 1 – Southern Rock That Time Forgot – CD-Review

Mo Peaches 1 300

Review: Michael Segets

Reinhard Holstein erweist sich einmal mehr als Schatzsucher des Southern Rock, indem er sich mit seinem neuen Label und Mailorder Juke Joint 500 auf den Weg macht, vergessene Southern-Rock-Bands auszugraben und auf Vinyl zu veröffentlichen. Früher federführend bei Glitterhouse Records und Stag-O-Lee Records stieg Holstein letztes Jahr bei Whiskey Preachin‘ Records ein. Dem Label verdanken wir bereits eine Compilation mit unverbrauchten Acts sowie die Neuentdeckung von The Rhyolite Sound und Ole Whiskey Revival. Nun startet er ein weiteres ambitioniertes Projekt, das die Fans handgemachter Rockmusik im Auge behalten sollten.

Anfang der 1970er Jahre gab das Capricon Label Peaches-Sampler heraus, auf denen Southern Rock zelebriert wurde. Als Reminiszenz an diese glorreichen Zeiten des Genres betitelt Holstein seine Compilation als „Mo‘ Peaches“. Auf ihr stellen sich zehn amerikanische Bands beziehungsweise Musiker vor, die über eine lokale Bekanntheit nicht hinausgekommen sind. Ihre größtenteils in Eigenproduktion veröffentlichten CDs beabsichtigt Juke Joint 500 auf Vinyl und gegebenenfalls als digitale Reissue herauszugeben. Als handnummerierte, auf 500 (multicolored) Exemplare limitierte LPs richtet sich die Label-Strategie auf eingefleischte Sammler. Die musikalische Qualität, die sich auf den ersten Hörproben zeigt, macht aber deutlich, dass die Bands ein großes Publikum verdient hätten.

Der Opener „Due South“ von John Mohead ist zugleich der älteste Track. Er stammt aus dem Jahr 1995. Das swampige, von Jimi Hendrix komponierte „Red House“ der Chase Walker Band wurde 2016 veröffentlicht. Die anderen Stücke entstanden in den zwanzig dazwischenliegenden Jahren. Daher erscheint der Untertitel der Zusammenstellung „Southern Rock That Time Forgot” durchaus passend, zumal alle Songs die Erwartungen einlösen, die an solche Genrebeiträge gestellt werden. Dabei nehmen sie mal indirekt Bezug zu den Klassikern, wie Bishop Black („Long Road To Bama“) bei Lynyrd Skynyrd, oder direkt, wenn Eat A Peach „Ain’t Wastin‘ Time No More“ von der Allman Brothers Band covert.

Alligator Stew steuert das treibende „Louisiana Man“ mit leichten Country-Anleihen bei. „Black Chrome Horse“ von den Railbenders rockt in einem mittleren Tempo. Die beiden Songs überzeugen in ihrer ehrlichen und gradlinigen Art. In dieser steht Alligator Jacksons „Enjoy The Ride“ in nichts nach. Die elektrischen Gitarren erzeugen dort sogar noch einen volleren Sound. Ein Best-Of-Album von Alligator Jackson ist bereits bei Juke Joint 500 für Februar angekündigt, das nun gespannt erwartet werden kann.

Mit Ausnahme des bereits erwähnten Beitrags der Chase Walker Band legen die Songs ein ordentliches Tempo vor. Hervorzuheben ist allerdings das explosive „Slow Down Irene“. Bei dem Titel von Judge Parker geben Klavier, Mundharmonika und natürlich Gitarren mächtig Gas. Noch einen Deut aggressiver rockt „Little Miss Whiskey“, wobei die Nummer immer melodiös bleibt. Ein kurzes, auf den Punkt gespieltes Gitarrensolo setzt dem Song der Morrison Brothers Band die Krone auf. Zusammen mit dem Track von The Remus Tucker Band zählt er zu meinen Favoriten auf dem Sampler. Mit dem akzentuierte Rhythmus gepaart mit einem kraftvollen Backgroundchor und Gitarren der Extraklasse, die am Ende „Swing Low, Sweet Chariot“ interpretieren, bildet „Bury Me On The Banks Of Mississippi“ den fulminanten Abschluss des Albums.

So bleibt am Ende fast etwas Wehmut, dass Holstein nicht noch mehr Southern-Rock-Nuggets aufgespürt und auf die Scheibe gepackt hat. Weiterhin bleibt unverständlich, warum die auf ihr vertretenen Bands bislang kaum Erfolg hatten – aber das Musikbusiness ist halt schwer zu durchschauen.

Fans des Southern Rock kommen bei der Compilation voll auf ihre Kosten. Da gute Musik zeitlos ist, macht es keinen Unterschied, dass manche Tracks älter als zwanzig Jahre sind. Reinhard Holstein hat auf seiner akribischen Suche wieder Genre-Perlen zutage gefördert, die auf den Plattenteller gehören.

Diese bietet er über seinen Mailordershop Juke Joint 500 zu äußerst fairen Preisen an, auf dem man auch die Veröffentlichungen des Whiskey Preachin‘ Labels erwerben kann.

Juke Joint 500 (2021)
Stil: Southern Rock

Tracks:
01. Due South – John Mohead
02. Louisiana Man – Alligator Stew
03. Slow Down Irene – Judge Parker
04. Long Road To Bama – Bishop Black
05. Little Miss Whiskey – Morrison Brothers Band
06. Red House – Chase Walker Band
07. Black Crome Horse – Railbenders
08. Enjoy The Ride – Alligator Jackson
09. Ain’t Wastin’ Time No More – Eat A Peach
10. Bury Me On The Banks Of Mississippi – The Remus Tucker Band

Juke Joint 500

Morgan Wallen – CD-Gewinnspiel

Der Nashville-Shooting-Star Morgan Wallen hat vor kurzem sein hervorragendes Werk „Dangerous“ mit gleich satten 30 Tracks auf den Markt gebracht.

In Zusammenarbeit mit Universal Music verlosen wir drei Exemplare dieser starken Doppel-CD.

Folgende Frage muss dazu richtig beantwortet werden:

Wie heißt eine der erfolgreichen Singles des Albums?

a) 3 Winters
b) 5 Autumns
c) 7 Summers

Bitte sende eine E-Mail mit der richtigen Lösung bis zum 28.01.2021 an dan@sounds-of-south.de.

Wir losen unter allen richtigen Einsendern drei Gewinner/innen aus, die dann umgehend benachrichtigt und mit der Doppel-CD beliefert werden.

Morgan Wallen
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Universal Music Group

Lucero – When You Found Me – CD-Review

Lucero 300

Review: Michael Segets

Lucero veröffentlicht seit über zwanzig Jahren völlig unbemerkt von mir Musik. Auf ein Dutzend Studio-Alben und drei Livemitschnitte blickt die Band aus Memphis, Tennessee, bereits zurück. 2008 brachte die Band sogar ein Album auf einem Major-Label – Universal Music – heraus.

„When You Found Me“ macht jedenfalls Lust, sich zukünftig auch mit deren Backkatalog auseinanderzusetzen. Bei den ersten Durchläufen fallen die kräftigen Gitarren und der mal volle, mal leicht kratzig-nasale Gesang des Frontmanns Ben Nichols angenehm auf.

Die Stimme könnte beim Opener „Have You Lost Your Way” vielleicht etwas weiter nach vorne ausgesteuert sein, aber dennoch entwickelt der Song mit seinem breiten, durch E-Gitarren erzeugten Klangteppich eine ansteigende Dynamik. Auch beim folgenden „Outrun The Moon“ wird eine Spannungskurve erzeugt, allerdings durch den einprägsamen Refrain. Die Instrumentalpassagen sind bei der ersten Single außerdem deutlich differenzierter.

Nach dem bereits gelungenen, rockigen Einstieg folgt ein erstes absolutes Highlight des Albums. Beim countryfizierten „Coffin Nails“ verzichtet Lucero auf dominante elektrische Gitarren und stellt den eindringlich gesungenen Refrain ins Zentrum. Die Band liefert einen starken Song ab, der Reckless Kelly ins Gedächtnis ruft.

„Pull Me Close Don’t Let Go” hingegen zieht mich nicht in seinen Bann. Die sphärischen Klänge und die oftmalige Wiederholung einer Textzeile lassen den Track eher dahinplätschern. Hier setzt Lucero – nach Angabe der Presseinformation – zum ersten Mal einen Synthesizer ein. Der ist ebenso auf „Good As Gone” zu hören. Der Track erlangt durch die Keys den Charme der achtziger Jahre und erinnert an das damalige New Age. Gleichwohl rockt der Song ebenso wie „All My Live”, der Anleihen beim Grunge hat. Lucero bedient sich also in der Rocktradition, ohne dass die Tracks wirklich retro klingen.

Nach Aussage von Nichols wollte er einen klassischen Rock-Sound für den Longplayer. Das von Matt Ross-Spang (Jason Isbell, Drive-By Truckers) produzierte Album löst diesen Anspruch ein, wobei die anderen Bandmitglieder Rick Steff (Keys), Brain Venable (Gitarre), Roy Berry (Schlagzeug) und John C. Stubblefield (Bass) ihren Anteil haben.

Das erdige „The Match“ geht in Richtung Roots Rock und liegt damit genau auf meiner musikalischen Wellenlänge. Eine Steigerung liefert noch der hervorragende Heartland-Knaller „Back In Ohio”. Bei der Abfolge der Gitarrenakkorde und bei den Klavierläufe kommt der Vergleich mit Nils Lofgrens Blütezeit in den Sinn. Eine kurze Saxophon-Passage gibt dem Sound einen zusätzlichen Drive. Das Jahr ist noch jung, aber der Titel wird es auf meinen persönlichen Best-Of-2021-Sampler sicher schaffen.

Mit seinen Zäsuren ist der kräftige Rocker „A City On Fire“ kompositorisch eindrucksvoll. Hardrock-hymnisch angehaucht schallt er wuchtig aus den Boxen. Der Text im Refrain wird im Wechsel von Nichols und dem Background seiner Mitstreiter gesungen. Am Ende setzt sich ein Klavier vor den kräftigen Rhythmus. Bekommen die Hörer hier die volle Breitseite, steht dazu der balladeske Titeltrack in deutlichem Kontrast. „When You Found Me“ erinnert wiederum an Reckless Kelly und schließt das Album ruhig und melodiös ab.

Nichols, der vor vier Jahren Vater einer Tochter geworden ist, greift seine Lebenssituation in einigen Texten auf. Mit der rockig-aggressiven Ausrichtung der Scheibe und anderen, leicht bitteren Lyrics kann sie allerdings nicht als zahm oder familientauglich bezeichnet werden.

Auf „When You Found Me“ verarbeitet Lucero eine breite Palette an Rockeinflüssen. Vielleicht zünden nicht durchgängig alle Songs, aber mit den außerordentlichen „Back In Ohio“ und „Coffin Nails“ spielt die Band in der obersten Liga des Heartland Rock beziehungsweise des Alternative Country mit.

Liberty & Lament – Thirty Tigers/Membran (2021)
Stil: Rock

Tracks:
01. Have You Lost Your Way
02. Outrun The Moon
03. Coffin Nails
04. Pull Me Close Don’t Let Go
05. Good As Gone
06. All My Live
07. The Match
08. Back In Ohio
09. A City On Fire
10. When You Found Me

Lucero
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Thirty Tigers
Oktober Promotion

Alabama Slim – The Parlor – CD-Review

Alslim_300

Review: Jörg Schneider

Der inzwischen 81 jährige Milton Frazier aus Vance, Alabama ist bereits seit seiner Kindheit dem Blues verhaftet und steht in der Tradition von Lightnin’ Hopkins und Bill Broozny. Unter seinem Künstlernamen Alabama Slim ist er seit einiger Zeit als Blueser bekannt geworden.

Gemeinsam mit seinem Cousin Little Freddie King hat er letztes Jahr sein neuestes Album aufgenommen. Es heißt „The Parlor“ und ist nach dem Aufnahmestudio in New Orleans benannt, wo es bereits im Juni 2019 in nur vier Stunden von den beiden mit Unterstützung von Ardie Dean am Schlagzeug, Matt Patton am Bass (Drive-By Truckers), Dexateens an der Orgel (Dial Back Sound) und Jimbo Mathus am Klavier (Squirrel Nut Zippers) in einem Take eingespielt wurde.

Herausgekommen ist eine minimalistische, pure Bluesscheibe mit leicht souligen Anleihen, auf der Alabama Slim, der mit dem Old-School-Blues groß geworden ist, einen Vergleich mit John Lee Hooker absolut nicht scheuen muss.

Dabei erweisen sich Alabama Slim und Little Freddie King, der auf „Freddie‘s Voodoo Boogie“ auch den Gesangspart übernimmt, als kongeniale Partner. Sein klares Gitarrenspiel und Alabama Slims warme Stimme ergänzen sich aufs Vortrefflichste, teils mit eingängigen Basslinien von Matt Patton („Rock Me With Momma“, „Rock Me Baby“) vervollständigt.

Das Album startet recht flott mit einem schwungvollen Shuffle, den Little Freddie mit eingängigen Gitarrenriffs unterlegt („Hot Foot“), entwickelt sich dann aber nach „Freddie’s Voodoo Boogie“ mehr in Richtung gefühlvolle Blues-Songs (z. B. „All Night Long“), wobei der 4 1/2-minütige Slowblues „Rob Me With A Gun“ sicherlich heraussticht.

Insgesamt liefern Alabama Slim und seine Jungs mit „The Parlor“ ein im Grunde traditionelles Blues-Album ab, welches durch eine minimalistische ‚weniger-ist-mehr‘-Ausrichtung besticht. Trotzdem, oder vielleicht auch genau deshalb, durchdringt es die Seele der Zuhörer und wirkt so wohltuend auf das Mind-Setting.

Am 29. Januar kommt die Scheibe auf Vinyl und CD in die Läden. Für Fans des schwarzen Blues ist das Teil absolut empfehlenswert. Für meinen Geschmack hat es durchaus 5 Sterne verdient.

Cornelius Chapellier Records/Bertus (2021)
Stil: Blues

Tracks:
01. Hot Foot
02. Freddie’s Voodoo Boogie
03. Rob Me Without A Gun
04. Rock With Me Momma
05. All Night Long
06. Forty Jive
07. Midnight Rider
08. Rock Me Baby
09. Someday Baby
10 Down In The Bottom

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Bertus

Whitney Duncan – Heartbreaker – digital EP-Review

Duncan_300

Es ist wohl müßig, sich Gedanken darüber zu machen, wie viele Männerherzen Whitney Duncan schon im Laufe ihrer Sturm- und Drangzeit gebrochen hat, an einer großen Schar an glühenden Verehrern dürfte es der hübschen Blondine sicherlich nicht gemangelt haben.

Fakt ist aber, dass sie nach einer gescheiterten ehelichen Kurzliason, seit 2014 mit dem ‚Survivor: South Pacific‘-Reality Show-Kandidaten Keith Tollefson, wenn man es den Bildern ihres Facebook-Acounts und ihrem aktuellen Video zu „Lightweight“ entnehmen darf, sehr glücklich verheiratet ist.

Ich wurde 2009 in der damalig hier bei uns noch gern gesehenen Sendung ‚Country Roads‘ auf sie aufmerksam, als dort ihr Videoclip zum schönen, sommerlich gute Laune verbreitenden Song „Skinny Dippin'“ vorgestellt wurde.

Kurz darauf besorgte ich mir auch ihre unter Major-Fahne produzierte, ebenfalls angenehm zu hörende CD „Right Road Now“, auf der dieser Track enthalten war. Besonders angetan war ich von ihrer frech klingenden Stimme aber auch ihrem kompositorischen Können zu den frisch und knackig klingenden Liedern.

Das war dann aber auch schon, musikalisch gesehen, ihre erfolgreichste Zeit. Seither gibt es außer einem in Eigenregie entstandenen Minialbum „One Shot“ und ein paar Single-Versuchen nichts mehr Weltbewegendes zu vermelden. Im Gespräch blieb sie eher in den Staaten durch Teilnahme an Reality-Formaten wie der oben angeführten ‚Survivor‘-Show oder auch ‚The Amazing Race‘ (zusammen mit Gatte Tollefson).

Jetzt meldet sich die ursprünglich aus Scotts Hill, Tennessee, stammende Singer/Songwriterin (übrigens Cousine von Jonathan Singleton) mit einem weiteren Kurzwerk „Heartbreaker“ erneut auf musikalischem Parkett zurück. Fünf kurzweilige, in unterschiedlichen Tempi und Stimmungen erzeugte Songs, die von Produzent Michael Carter (Luke Bryan, Cole Swindell) sehr variabel, teilweise mit schönem rockigen Flair in Szene gesetzt wurden.

Nach dem ersten Hören ohne irgendwelche Hintergrundinfos hatte ich zunächst vermutet, dass Dann Huff seine Finger im Spiel haben könnte, aber auch die Herren Rob McNelley, James Mitchell und Adam Shoenfeld sind jederzeit zu mitreißend hymnischer, Hintergrund-, Fill- und E-Gitarren-Soli-Arbeit in der Lage.

Klasse hier auch Billy Pandas prägnantes bärenstarkes Akustikgitarrenspiel sowie Dave Cohens zurückhaltende Keys-Variationen (Orgel, Piano, Synthie), die beide zum stimmigen Gesamtergebnis ihren gehörigen Teil, neben den stimmlichen Qualitäten der Protagonistin und den brillanten E-Gitarristen, beitragen.

So verschwimmen am Ende die Stilarten wie New Country Richtung Lindsay Ell („Homesick“, „Damn I Do“), Heidi Newfield, Shania Twain (das launige „All She Wants„) gekonnt mit melodischem Rock à la Robin Beck oder Pop der Marke Pink. Mit der melancholischen Titelliedballade (mit heulend-seufzender Slide-E-Gitarre) schließt ein knapp 17 Minuten währendes, gelungenes Comeback.

Es hat Spaß gemacht, mal wieder was von Whitney Duncan gehört zu haben, eine ganze CD wäre sicherlich noch schöner gewesen. Wie dem auch sei, mit „Heartbreaker“ ist es ihr auf jeden Fall gelungen, mein musikalisches Herz erneut zu gewinnen. Die EP kann man auf den einschlägigen Portalen zum Download erwerben.

Fire Sign Music (2021)
Stil: New Country

01. Homesick
02. Lightweight
03. All She Wants
04. Damn I Do
05. Heartbreaker

Whitney Duncan
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Morgan Wallen – Dangerous – Do-CD-Review

Wallen_300

Das nenne ich für 2021 direkt mal eine Ansage! Der Shooting Star von 2018, Morgan Wallen, der mit seinem Platin-dekorierten Debütalbum „If I Know Me“, direkt Platz 3 der Country Billboard Album Charts erstürmte und seitdem mit diversen Top-10-Singles (darunter zwei Nr.1-Hits), die Nashville-Szene aufmischt, legt bei seinem Zweitwerk „Dangerous“ gleich mal eine Doppel-CD mit satten 30 Tracks nach!

Es scheint dafür zu sprechen, dass der ehemals hochtalentierte, nur durch eine Ellbogenverletzung gestoppte Youngster, letztendlich zum New Country konvertierte Musiker, entweder kein Vertrauen in die Schnelllebigkeit im Business zu besitzen scheint oder aber von einem Höchstmaß an Selbstvertrauen in das eigene musikalische kreative Können gezeichnet ist.

Die Wahrheit liegt sicherlich irgendwo mitten drin, Fakt ist, dass die Idee zu diesem opulenten Werk aus einem Spaß mit seinem Manger heraus entstanden ist, allerdings sich seither auch schon ein immenser Fundus an verheißungsvollen Liedern angesammelt hatte. Die meisten anderen Künstler samt ihrer Labels, so mutmaße ich es einfach mal, hätten mit diesem hochwertigen Material, die Zeit auf sechs Jahre mit drei Alben ‚gestreckt‘.

Die wieder von Joey Moi (acoustic guitar, background vocals, electric guitar, programming) mit einigen Co-Producern produzierte Doppel-CD, wurde dabei natürlich von absoluten Könnern wie u. a. Tom Bukovac (electric guitar), Dave Cohen (keys & b3), Paul Franklin (steel guitar), Wes Hightower (background vocals), Jerry Roe (drums & percussion), Jimmie Lee Sloas (bass), Ernest Keith Smith (background vocals), Bryan Sutton (acoustic Guitar, banjo, dobro, mandolin, resonator), Ilya Toshinskiy (acoustic guitar) und Derek Wells (electric guitar), grandios passend zu Wallens rauchig-heiser knödelndem Gesang (eine Art Mischung aus Travis Tritt und Frankie Ballard) eingespielt.

Morgan kann gleich bei sechzehn Tracks die Songwriter-Credits mit für sich beanspruchen, dazu gesellt sich geradezu ein Heer an klangvollen Kompositeuren wie u. a. Ashley Gorley, Michael Hardy, Josh Osborne, Rhett Akins, Josh Thompson, Rodney Clawson, Lee Thomas Miller, Josh Kerr, Shane McAnally, Hillary Lindsey, Dallas Davidson, Marv Green, Ben Hayslip, Luke Laird und Ben Burgess, der dazu bei „Outlaw“ eine vokale Gastpräsenz aufweist. Auch einige aktuelle Kollegen wie Thomas Rhett („Your Bartender“), Jason Isbell (tolle Adaption seines „Cover Me Up“),  Devin Dawson und Eric Church (Quittin‘ Time“) zählen zur exquisiten Liste der Ideengeber mit dazu.

Ein weiteres starkes Duett gibt es bei „Only Thing That’s Gone“, wo Chris Stapleton seine unnachahmliche Stimme mit einbringt. Das Gesamtwerk bietet insgesamt klassisch modernen, ausnahmslos melodischen New Country, mit all seinen Facetten.

Das Team Wallen-Moi, verzichtete dabei wohltuend auf allzu poppige Attitüden (die nur in wenigen Ausnahmen wie bei „Warning“, „Dangerous“ oder „Heartless“ und dazu noch sehr erträglich). Im Vordergrund stehen ganz klar die vielen filigran gespielten Saiteninstrumente, wie Akustik- und E-Gitarre, Mandoline (herrlich Bryan Sutton), Dobro und Steel. Klasse auch Dave Cohens dezent eingebrachten Keys- und B3-Einlagen. Auf CD 2 weisen einige Tracks wie „Somethin‘ Country“, „Country A$$ Shit“ oder „Whatcha Think Of Country Now“ sogar leicht (southern) rockige Reminiszenzen an unsere geliebten The Cadillac Three auf.

Insgesamt muss man bei diesem monströsen Doppelsilberling schon von purer Reizüberflutung sprechen. Vom eröffnenden entspannten „Sand In My Boots“ bis zum finalen ergreifenden ‚Leaving-Song‘, „Quittin‘ Time“, kann man sich gar nicht so schnell über den vorhergehenden Song freuen, wie man schon wieder vom nächsten, zum faszinierenden Zuhören animiert wird. Es gibt nahezu gar keinen Ausfall, selbst von Füllern kann kaum gesprochen werden.

Zu meinen persönlichen Favoriten zählen neben den schon genannten, Ohrwurm-Tracks wie „Wasted On You“, „Somebody’s Problem“ und „7 Summers“ (beide Richtung Midland), „Neon Eyes“, „Your Bartender“,  „More Than My Hometown“ (alle CD1), „Rednecks, Red Letters, Red Dirt“, „Blame It On Me“, „Me On Whiskey“, das flockige „Need A Boat“, „Silverado For Sale“ und „Livin‘ The Dream“ (alle CD2).

Morgan Wallen setzt mit „Dangerous“ direkt in den ersten Tagen des Jahres ein ganz großes Ausrufezeichen. Was für eine Ansage an die gehobene Konkurrenz! Man muss kein Prophet sein, um ihn bereits jetzt schon zu den Abräumern in Sachen Awards, Chartplatzierungen und Verkäufen in 2021 zu proklamieren.

„Dangerous“ von Morgan Wallen ist hochdosierter, wahnsinnig guter New Country-Stoff mit ganz gefährlichem Suchtpotenzial. Demnach absolute Kaufempfehlung beim Musikdealer ihres Vertrauens!

Big Loud / Republic / Universal (2021)
Stil: New Country

Tracks:
CD1
01. Sand In My Boots
02. Wasted On You
03. Somebody’s Problem
04. More Surprised Than Me
05. 865
06. Warning
07. Neon Eyes
08. Outlaw (feat. Ben Burgess)
09. Whiskey’d My Way
10. Wonderin‘ Bout The Wind
11. Your Bartender
12. Only Thing That’s Gone (feat. Chris Stapleton)
13. Cover Me Up
14. 7 Summers
15. More Than My Hometown

CD2
01. Still Goin‘ Down
02. Rednecks, Red Letters, Red Dirt
03. Dangerous
04. Beer Don’t
05. Blame It On Me
06. Somethin‘ Country
07. This Bar
08. Country A$$ Shit
09. Whatcha Think Of Country Now
10. Me On Whiskey
11. Need A Boat
12. Silverado For Sale
13. Heartless (Wallen Album Mix)
14. Livin‘ The Dream
15. Quittin‘ Time

Morgan Wallen
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Universal Music Group

Steve Earle & The Dukes – J. T. – CD-Review

Steve Earle JT 300x300

Review: Michael Segets

Wirft man am Anfang des Jahres einen Blick zurück in das vergangene, dann brachte dieses gravierende Veränderungen und selbstverständlich Erscheinendes wurde plötzlich infrage gestellt. Steve Earle hatte mit dem Tod seines Sohnes Justin Townes Earle zusätzlich einen schweren persönlichen Verlust zu beklagen. Seine Trauer verarbeitet er auf dem Album „J. T.“. Das Werk erscheint digital am vierten Januar, dem Tag an dem Justin Townes 39 Jahre alt geworden wäre. Im März werden die CD und LP herauskommen.

Im Andenken an seinen Sohn, der im August vermutlich an einer Drogen-Überdosis verstarb, covert Steve Earle zehn Stücke, die die musikalische Karriere von Justin Townes abbilden. Ergänzt wird diese Auswahl durch die Eigenkomposition „Last Words“.

Den Auftakt macht „I Don’t Care“, das im Original von Justin Townes Debüt-EP „Yuma“ stammt. Auf das flotte Folkstück mit feiner Fidel folgt „Ain’t Glad I’m Leaving“ vom ersten Longplayer „The Good Life“ (2007). Diesem entnommen sind ebenfalls das stimmungsvolle, mit sanften E-Gitarren-Tupfern versehene „Far Away In Another Town“ und die besonders starke Uptempo-Nummer „Lone Pine Hill“.

Aus der frühen musikalischen Schaffenszeit seines Sohnes greift Steve Earle noch „Turn Out My Lights“ und „They Killed John Henry“ heraus. Mit dem letztgenannten Titel zeigte Justin Townes, dass er sowohl musikalisch als auch thematisch in der Singer/Songwriter-Tradition steht. Die Legende um John Henry durchzieht die amerikanische Musikgeschichte bis heute (Charly Crockett, Colter Wall) und auch Steve Earle selbst hat diese auf seiner vorangegangenen CD „Ghost Of West Virginia“ bearbeitet. Eine musikalische Nähe zwischen Vater und Sohn ist also nicht zu leugnen.

2010 feierte Justin Townes mit „Harlem River Blues” seinen größten Erfolg, der im darauffolgenden Jahr als bester Song des Jahres mit einem Americana Music Award ausgezeichnet wurde. Der Titel fand quasi selbstverständlich seinen Weg in die Auswahl von Steve Earle. Eleanor Whitmore steuert hier und auf anderen Stücken den Harmonie- und Backgroundgesang bei.

Steve Earle kann sich bei der Performance auf die Qualität seiner Dukes verlassen – egal, ob die Stücke Elemente von Gospel, Country oder Blues einbauen. Mit seiner rauen, markanten Stimme interpretiert Steve die Songs seines Sohnes auf die ihm eigene Weise. Der nölige Gesang in Kombination mit eingängigen Melodie zündet, wie beispielsweise bei „Maria“.

Neben diesem Song entstand der Boogie „Champagne Corolla“ und das bluesige „The Saint Of Lost Causes” in der zweiten Dekade dieses Jahrhunderts. Das Titelstück des achten und letzten Albums aus 2019 zählt zu meinen Favoriten unter den Kompositionen von Justin Townes. Lyrisch stellt es sicherlich einen Höhepunkt in seinem Werk dar. Sein Vater liefert eine intensive Interpretation ab, erreicht aber nicht ganz die atmosphärische Dichte des Originals.

Steve Earle sagt, dass er alle Platten für sich gemacht habe, dabei wirken seine Songs über ihn hinaus. Auch wenn er politische Aussagen macht, scheint in ihnen ein tiefes Verständnis und eine Sensibilität für seine Figuren durch. Bei seinen Werken, die er ihm wichtigen Menschen gewidmet hat, seinen Mentoren Towens Van Zandt („Townes“) sowie Guy Clark („Guy“ ) und nun seinem Sohn Justin Townes, kommt die Wertschätzung, die er ihnen und ihrem Werk entgegenbringt, zum Ausdruck.

Anders als auf den beiden vorherigen Cover-Alben ergänzt Steve Earle „J. T.“ um eine Eigenkomposition, in der er „Last Words“ an seinen Sohn richtet. Die Erinnerung an das letzte Telefongespräch durchzieht den Text. In ihm wird deutlich, dass die Beziehung von Vater und Sohn trotz aller Konflikte von einer engen Bindung und Liebe getragen wurde.

In seiner unverkennbaren Art transformiert Steve Earle die Songs seines Sohnes auf behutsame Art, sodass er sie sich zu eigen macht und dennoch ein tiefer Respekt vor Justin Townes‘ Werk in jeder Note durchscheint. Die Auswahl der Stücke zeigt die Bandbreite und verdeutlicht die Qualität von Justin Townes‘ Kompositionen. „J. T.” ist ein persönlicher und bewegender Rückblick Steve Earles auf den Menschen und Musiker Justin Townes Earle – auf ein Leben, das zu früh endete.

Alle Künstlertantiemen fließen an Etta St. James Earle, der dreijährigen Tochter von Justin Townes.

New West Records/Pias-Rough Trade (2020)
Stil: Americana and more

Tracks:
01. I Don’t Care
02. Ain’t Glad I’m Leaving
03. Maria
04. Far Away In Another Town
05. They Killed John Henry
06. Turn Out My Lights
07. Lone Pine Hill
08. Champagne Corolla
09. The Saint Of Lost Causes
10. Harlem River Blues
11. Last Words

Steve Earle
Steve Earle bei Facebook
New West Records
Pias – Rough Trade
Oktober Promotion

Der Sounds Of South-Rückblick 2020

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Fünf Jahre SOUNDS OF SOUTH sind jetzt geschafft. Aber dass dieses kleine Jubiläumsjahr solch ein fatales werden würde, damit hatte wohl niemand rechnen können.

Dabei war zunächst alles in gewohnten Bahnen angelaufen. Die Terminkalender der Clubs waren mit hochkarätigen Bands schon bis in den Sommer gefüllt, es gab zahlreiche verheißungsvolle Album-Ankündigungen. ‚Business as usual‘ schien auch als Parole für 2020 ausgeben werden zu können.

Der erfreuliche Trend, dass immer mehr Nashville-Künstler, auch hochrangige wie z. B. wie Keith Urban, Brett Eldredge (einige dazu noch im Rahmen der SOUND OF NASHVILLE-Reihe) wieder ihre Visitenkarte abzugeben gedachten, schien sogar  immer größere Dimensionen anzunehmen. Aber auch Kultacts wie u. a.  Cinderella oder Lynyrd Skynyrd standen bereits auf unser Agenda.

Doch dann machte die Corona-Pandemie allen bis zum heutigen Tage und wahrscheinlich noch weit bis in 2021 hinein, einen gehörigen Strich durch die Rechnung. Erste ganz dunkle Wolken zogen schon im März beim fulminanten Gig der Marcus King Band in der Kölner Kantine auf. Kurze Zeit später war dann endgültig Schluss mit lustig.

Schnell offenbarte sich, dass der Kulturbereich in Sachen Lobbyismus noch einiges an Nachholbedarf in Berlin abzuleisten hat. Mehr als ein paar marginale Hilfen, die kaum der Rede wert sind, sprangen am Ende heraus und hinterließen vor allem bei den Clubbesitzern, Agenturen und Künstlern, die ganz auf diese Karte gesetzt haben und bis dato keine immensen Rücklagen bilden konnten, größtenteils einen Scherbenhaufen ihrer bisherigen Existenz.

Frei nach dem Motto des Kuturrampenchefs Pille Peerlings ‚Kein Rock ’n Roll ist auch keine Lösung‘, gab es im Sommer zwar ein paar wenige kreative und  mutige Konzert-Aufbäumungsversuche mit effektiven und scheinbar funktionierenden Hygienekonzepten, die aber spätestens mit Einbruch der Kältezeit und der Unvernunft  der Menschen (deren Demokratieverständnis leider nur die Nehmenseite zu beinhalten scheint) , wieder im Keim erstickt wurden. Die genauen Folgen und das gesamte Ausmaß des Schadens sind heute vermutlich noch gar nicht abzusehen.

Man kann letzten Endes nur hoffen, dass die mittlerweile langsam beginnende Impferei, irgendwann ihre positive Wirkung zeigt und ein Gang in eine lebenswertere und nachhaltigere Zukunft (vor allem mit besser bezahlten und behandelten Menschen und gerne ohne Milliardäre und sonstige Raffzähne) möglich sein wird.

Der musikalische Bereich in unserem Magazin ist demnach auch recht schnell abgefrühstückt. Der Hauptanteil der Arbeit aller Redakteure verteilte sich somit auf CD-Reviews, lediglich Konzert-Junkie Gernot Mangold nahm in Sachen Gigs so ziemlich alles mit, was noch irgendwie möglich war.

Um der leidigen Diskussion bezüglich der Symbolik der Südstaatenflagge ein Ende zu bereiten – ich wiederhole mich da allerdings nach wie vor gerne, dass sie in diesem Magazin ausnahmslos als Metapher für gute Musik zu sehen war – werden wir ab Anfang 2021 mit einem neuen Logo in die neue Zeit gehen.

Mit Altneister Steve Earle und New-Country-Shooting Star Morgan Wallen sind die ersten Reviews bereits wieder in Arbeit.

Hier aber , wie gewohnt, nochmal eine kleine Auswahl meiner ganz persönlichen Highlights des Jahres 2020:

CD des Jahres:

Crystal Shawanda – Church House Blues
The Allman Betts Band – Bless Your Heart
Brent Cobb – Keep ‚Em On They Toes

Überraschungs-CD des Jahres:

Betty Fox Band – Peace In Piece

Newcomer-CD des Jahres:

Cory Marks – Who I Am

DVD des Jahres:

Eagles – Live From The Forum MMXVIII

Interpret des Jahres:

Marcus King

Der Youngster aus South Carolina mit einer tollen CD „El Dorado“ und einem famosen Auftritt in der Kölner Kantine – von ihm darf man sich auf noch viele weitere Großtaten freuen

Song des Jahres:

Bigger Than The Blues – Crystal Shawanda

Diese Songs machten beim Reviewen ebenfalls Spaß:

Never Will – Ashley McBryde
Endless Ride – Outlaws
This Side Of The River – Brent Cobb
Better Off – Cory Marks
If It Was Up To Me – Robert Connely Farr
Turnin‘ Me On – Blake Shelton
Atta Boy – Lee Brice
We Were – Keith Urban – feat. Eric Church
Too Much Whiskey – Marcus King
Pale Horse Rider – The Allman Betts Band
Sheryl Crow – Tim McGraw
My Last Ride – Mark May Band
Drink Another Heartache – Jeff Jacobs Band

April-Scherz:

Deep Purple – Deep South – Woodland Drive – Live At Jimmy Carter’s Farmhouse

Enttäuschung des Jahres:

Die Bundesregierung und ihr kulturelles Corona-Management

Konzerte:

Konzert des Jahres:

Marcus King Band – 05.03.2020, Kantine, Köln

Brett Eldredge – 24.01.2020, Carlswerk Victoria, Köln

Bywater Call – 17.01.2020, Kulturrampe, Krefeld

Bilder Gernot Mangold:

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Bilder Michael Segets:

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Irgendwann 2017 kam die Idee auf, unser Logo mal als Schild herstellen zu lassen und eine Galerie von Künstlern/Leuten ins Leben zu rufen, die von unserer Arbeit angetan sind und sich, im Sinne einer Identifikation mit unserem Magazin, ablichten ließen. Hier ein Auszug von 2020 –  die ganze Galerie findet man unter diesem Link.

Bilder Sounds Of South VIP-Galerie 2020:

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To be continued…

Wir wünschen unseren Lesern, allen Musikfreunden, Künstlern und Mediapartnern ein gesundes und besseres neues Jahr 2021!

Sounds Of South is gonna do it again!

Euer

Daniel Daus