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Sully Erna – Hometown Life – CD-Review

Review: Michael Segets

„Hometown Life” ist das zweite Solo-Album des Godsmack-Frontmanns Sully Erna. Bei seinem Solo-Projekt schlägt er ruhigere Töne an und verarbeitet persönliche Themen. Dennoch kann Erna auf manchen Stücken nicht verbergen, dass er aus der Hardrock-Ecke kommt.

Die langgezogenen Rufe, die tiefen Klavierakkorde und das bombastische Schlagzeug zeigen dies bei „Hometown Life“ sehr deutlich. Fast leicht wirkt hingegen „Your Own Drum“, bei dem die Percussion beinahe karibische Sommergefühle aufkommen lässt. Die Percussion ist auch bei „Father Of Time“ dominant, das leicht orientalisch anmutet und daher auch gut auf „Avalon“ – Ernas ersten Solo-CD aus dem Jahr 2010 – gepasst hätte.

Zu dem Anti-Drogen-Song „Different Kind Of Tears“ gibt es ein bewegendes Video im Netz, das das Thema des Tracks visualisiert. Erna zeigt sich hier bis zum Einsatz der elektrischen Gitarre als Singer/Songwriter. Die Ballade ist sicherlich ein Höhepunkt des Albums.

Das stärkste Stück ist aber „Turn It Up!“, das mit beschwingtem Intro, mitreißendem Refrain, punktgenauem Einsatz der Bläser und gutem Gitarrensolo direkt für sich einnimmt. Ebenfalls gelungen ist das gitarrenorientierten „Don’t Comfort Me“, bei dem Erna geschickt einen Spannungsbogen rund um den kraftvollen Refrain aufbaut.

Die symphonischen Anflüge durch Klavier und Streicher geben „Take All Of Me“, „Blue Skies“ und „Forever My Infinity“ in der Verbindung mit langgezogenen Gesangspassagen melodramatische Züge, die mir etwas zu viel sind. Bei dem getragenen „Falling To Black“ integrieren sich die Streicher hingegen sehr passend.

Mit den Songs, in denen Erna den opulenten Sound reduziert, zeigt er sein Potential als Songwriter und Komponist. Dieses wird durch die Arrangements auf anderen Stücken etwas verdeckt. Insgesamt treffen einige Tracks aus dem abwechslungsreichen Angebot bestimmt auch den Geschmack der SoS-Freunde. Bei diesen würde er durch eine erdigere Produktion und ein Zurücknehmen des aus dem Hardrock entliehenen Bombasts sicherlich noch mehr Treffer landen.

Da Sully Erna in seinen Solo-Ausflügen sein eigenes Ding – unabhängig von Fans oder kommerziellen Interessen – machen möchte, bleibt abzuwarten, welchen Weg er zukünftig nimmt. Die Richtung, die er auf „Hometown Life“ einschlägt, ist jedenfalls die richtige.

BMG (2017)
Stil: Singer/Songwriter & More

01. Hometown Life
02. Your Own Drum
03. Different Kind Of Tears
04. Take All Of Me
05. Don’t Comfort Me
06. Turn It Up!
07. Blue Skies
08. Forever My Infinity
09. Father Of Time
10. Falling To Black

Sully Erna
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Krissy Matthews, 04.09.2017, Kulturrampe, Krefeld – Konzertbericht

Zum Auftakt seiner Europa-Sommer-Tour gab sich Krissy Matthews am 4. September mal wieder mit seiner Band (Sam Weston, bass und Kev Hickman, drums) in der Krefelder Kulturrampe, die Ehre. Schade nur, dass an diesem Abend auch Deutschland gegen Norwegen kickte und das Konzert wohl deshalb nur vor einer handvoll unverzagter Bluesrock-Fans stattfand.

Der Spielfreude, mit der Krissy Matthews mit seiner Band zu Werke ging und der Stimmung im Saal, tat dies allerdings keinen Abbruch. Das Trio gab in zwei Sets einen bunten Strauss älterer und neuer Songs zum Besten, die vom wenigen Publikum begeistert abgefeiert und abgetanzt wurden. Dabei konnte Krissy Matthews erneut seine Klasse als Blues-Gitarrist unter Beweis stellen.

Hervorzuheben sind auch seine beiden Mitstreiter. Kev Hickman verausgabte sich mit seinem Elan hinter der Schießbude, wobei ihm der Spaß am Trommeln förmlich ins Gesicht geschrieben stand und einen derart extrovertierten Bassisten wie Sam Weston dürfte es wohl schwerlich ein zweites Mal geben.

Nach rund zwei Stunden und zwei Zugaben war das Konzert dann zu Ende und die Gäste gingen glücklich und zufrieden nach Hause. Insgesamt war es ein toller Abend, auch wenn Band und Pille Peerlings als Macher der Kulturrampe, ein größeres Publikum verdient gehabt hätten. Und an alle Daheimgebliebenen: ihr habt echt was verpasst!

Line-up:
Krissy Matthews (lead vocals, electric guitar)
Sam Weston (bass, vocals)
Kev Hickman (drums)

Bericht und Bilder: Jörg Schneider

Krissy Matthews
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Kulturrampe Krefeld
Jörg Schneider

Robert Jon & The Wreck – Same – CD-Review

Robert Jon & The Wreck sind mittlerweile sowas wie Lieblinge unseres Magazins. Dies beruht allerdings nicht (nur) auf persönlichen Sympathien, diesen Status hat sich die Band in jeder Hinsicht auf ehrliche Weise und kontinuierlich erarbeitet.

Die fünf Burschen aus Orange County, Süd-Kalifornien, schauen unter der Fahne von Teenage Head Musich seit Jahren regelmäßig in Deutschland vorbei und haben sich auf der Bühne zu einer Parade-Southern Rock Band gesteigert, die heute mit keinem noch so berühmten Vertreter des Genres, einen Vergleich zu scheuen braucht. Bestes Beispiel war wieder einmal ihr grandioses Konzert in der Krefelder Kulturrampe vor einigen Tagen.

Aber auch auf kreativer Ebene lassen die Jungs um ihren Fronter Robert Jon Burrison nicht locker. Ihr neues, nach sich selbst benanntes, acht Stücke umfassendes Werk, begeistert von vorne bis hinten.

Dabei zeigen sie, wie auch schon live in Krefeld, wo sie bereits einen Großteil der Tracks vorgestellt hatten, ein dezent neues Gesicht. Es geht nämlich sehr soulig und funkig zu, auch an weibliche Backgroundgesänge, kann ich mich jetzt zu früheren Zeiten, spontan nicht erinnern. Das an die Allman Brothers angelehnte Grundambiente, bleibt aber natürlich, nicht nur aufgrund Kristopher Butchers Slide-Spiel, omnipräsent.

Launige Stücke wie „Old Friend“, „Let It Go“, „I Know It’s Wrong“ und die fantastisch groovenden „High Time“ (klasse Backgroundvocals von Anesha Rose, plustriges Saxofon von Adrian Olmos) sowie „I Got My Eyes On You“ animieren in den Refrains zum Mitsingen und gehen auch größtenteils direkt ins Tanzbein. Da ging selbst der sonst auf der Bühne etwas introvertiert wirkende Robert Jon Burrison bei der Performance in Krefeld richtig aus sich heraus.

Das achteinhalb Minuten währende, jammige Instrumental „Witchcraft“ ist zwar letztendlich kein Hexenwerk, allerdings eine würdevolle und stark gespielte Verneigung vor ABB-Stücken wie „High Falls“, „Jessica“, „Pegasus“ & Co., wobei Burrison, Butcher, Magiorra, Pelusi und Espantman ihr filigranes Können ausgiebig darlegen.

Den ruhigen Part auf dieser CD haben die Southern Soul Ballade „Shine On“ und das Veranda-mäßige „Forever Isn’t Long Enough“ inne. Bei letztgenanntem, recht melancholischem Lied (mit schöner Akustikgitarre und entspanntem Slide untermalt) sieht man die Burschen vorm geistigen Auge irgendwo vor einer Südstaaten-Villa relaxt musizieren, wobei Jon zwischenzeitlich genüsslich an seinen obligatorischen Whiskeyglas nippt.

Fazit: Eine erneute, durchgehend gelungene Scheibe von Robert Jon & The Wreck, die zumindest Hoffnung macht, dass die Lücke, die in Sachen Allman Brothers durch den Tod von Gregg Allman wohl für immer entstanden ist, auch in Zukunft sehr stilvoll mit musikalischem Leben gefüllt wird.

Wer sich von dem famosen Live-Können des Quintetts überzeugen möchte, sollte z. B. die Gelegenheit am 09.09. im Dortmunder Blue Notez unbedingt nutzen!

Eigenproduktion (2017)
Stil: Southern Rock

01. Old Friend
02. Let It Go
03. I Know It’s Wrong
04. Shine On
05. High Time
06. I Got My Eyes On You
07. Witchcraft
08. Forever Isn’t Long Enough

Robert Jon & The Wreck
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Teenage Head Music

Carousel Vertigo – Revenge Of Rock And Roll – CD-Review

Ich muss gestehen, dass ich ab und zu, neben der traditionell hier meistens zum Zuge kommenden Musik wie Southern Rock, New Country oder Red Dirt und Blues Rock, manchmal zur Abwechslung auch ganz gerne Melodic- und Hard Rock-Sachen höre, die hier ja aufgrund des Nischen-Charakters unseres Magazins, nur in Ausnahme-Fällen besprochen werden.

Das französisch-amerikanisch basierte Quartett Carousel Vertigo mit Vincent Martinez (lead vocals, guitars), Jansen Press (guitars, vocals), Olivier Brossard (bass, vocals) und Jimmy Montout (drums, vocals), das sich eindeutig dem Hard Rock der klassischen guten alten Bands dieses Genres verschrieben hat, macht einem die Sache dabei sogar recht leicht.

Mit Einbindung von stilistischen Elementen wie Twin-E-Gitarren, Harp und Honkytonk-Piano oder Bläsern, wenn auch nur sporadisch, kann man ihr zweites Werk „Revenge Of Rock And Roll“ guten Gewissens in unserem südstaatlich geprägten Medium vorstellen.

Die ‚dreckige‘ Stimme von Vincent Martinez erweckt nicht nur beim stampfenden Opener „No More Hesitatin'“ sowie bei Tracks der Marke „Jackie Run Run“ oder „Get It On“ unweigerliche Assoziationen zu einem gewissen Bon Scott und seinen immer noch verbleibenden, ebenfalls wie bei den Stones, den würdevollen Absprung zu verpassen drohenden, Mitstreitern.

„Honey Do“ kommt als launiger Boogie à la Status Quo (mit denen CV viel getourt sind) mit einem klimpernden Piano während der Titelsong ohne weiteres auch in das Repertoire von Southern Bands wie Lynyrd Skynyrd oder Molly Hatchet modifiziert werden könnte.

Carosel Vertigo können auch Balladen: „Hideaway“ (sogar ein wenig southern-soulig, teilweise mit herrlich hallender Orgel) und „Don’t Take It To Heart“ sind zwei vorzügliche Beispiele, die zwischenzeitliche Verschnaufspausen gewähren.

Das mit einer quäkenden Harp (auch als Solo) bestückte „Well, Alright“ würde sicher einem Dan Baird Spaß bereiten und wenn beim finalen „I May, I Might“ die Orgel in bester Who-Manier aufheult, ist das Seelenleben des klassischen Rock-Hörers, der besonders die Siebziger Jahre präferiert, in Verzückung.

Insgesamt sehr schön erdiger Rock-Stoff für Freunde von Bands wie AC/DC, Great White, Snakecharmer, Pat Travers, Quireboys, Status Quo und wie sie alle heißen.

Ein gebräuchliches Sprichwort, das auf die Bibel zurückgeht, lautet ‚Rache ist süß‘, was soviel wie den genüsslichen Charakter einer Vergeltungstat umschreiben soll. In Sachen Carousel Vertigo lassen sich die Motive und Adressaten für Ihr Ansinnen nur spekulativ lokalisieren.

Gemeint ist mit „Revenge Of Rock And Roll“ aber vermutlich das kompromisslose Zurückschlagen des guten handgemachten Hard Rocks alter Schule in unserer, vom schnellen und kommerziellen Erfolg geprägten Zeit, in der Qualität oftmals zur Nebensache gerät. Allerdings hat man musikalische Rache auf diese Weise noch nie so gerne über sich ergehen lassen, wie in diesem Falle.

Eigenproduktion (2017)
Stil: Hard Rock

01. No More Hesitatin‘
02. Honey Do
03. Revenge Of Rock And Roll
04. Jackie Run Run
05. Hideaway
06. Hard Luck Lover
07. Get It On
08. Well, Alright
09. Don’t Take It To Heart
10. I May, I Might

Carousel Vertigo
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Willie Nile – Positively Bob – Willie Nile Sings Bob Dylan – CD-Review

Review: Michael Segets

Während seiner “American Ride”-Tour 2013 konnte ich am Rande des Konzerts in Düsseldorf ein paar Worte mit Willie Nile wechseln. Der sympathische Rocker mit den großen Bühnenposen erzählte mir damals, dass er noch Ideen für vier Alben im Kopf hätte. Ein gutes Jahr später veröffentlichte er „If I Was A River“ auf dem er seine neuen Kompositionen am Klavier präsentierte. 2016 griff Nile wieder zur Gitarre und brachte die Rock-Scheibe „World War Willie“ heraus. Auf „Positively Bob“ widmet er sich, wie spätestens der Untertitel verrät, den Songs von Bob Dylan, die ihn früher inspirierten und auch heute noch begeistern.

Nun gehören die Lieder von Bob Dylan wohl zu den meist gecoverten überhaupt. Die Zahl von Tribute-Alben ist ebenfalls kaum zu überschauen, sodass sich die Frage aufdrängt, ob ein weiteres nötig ist. Um es vorweg zu nehmen: „No one sings Dylan like Dylan“, aber Nile singt Dylan wie Nile. Er interpretiert die Songs so gelungen auf seine eigene Art, dass „Positively Bob“ eine waschechte Willie-Nile-Rockscheibe geworden ist und kein Versuch, Dylan zu kopieren.

Nile gelingt das Kunststück, die Originale so zu verändern, dass diese sofort wiedererkannt werden und dennoch neu und frisch klingen. Die Folk-Klassiker „The Times They Are A-Changin’“, „Blowin‘ In The Wind“,„Rainy Day Women #12 & 35“ und „Subterranean Homesick Blues” transformiert der New Yorker in Rock ’n Roll-Tracks, wobei die letzten beiden direkt ins Tanzbein gehen.

Bei den anderen Versionen modifiziert Nile das Tempo nicht so extrem, dennoch ist die Ausstrahlung der Tracks verändert. Sowohl in den akustisch gehaltenen Teilen der Lieder, in denen die unverwechselbare Klangfärbung von Niles Stimme eine besondere Atmosphäre zaubert, als auch in dem Arrangement der Rockelemente, wenn die Band zum Zuge kommt, erscheinen die Songs einerseits vertraut, andererseits als noch nie gehört. Was will man mehr von Covern?

Auf der CD sind die bekannten „A Hard Rain’s A-Gonna Fall“, „I Want You“ und „You Ain’t Goin‘ Nowhere“ ebenso wie die weniger oft gespielten „Love Minus Zero/No Limit“ und „Abandoned Love“ vertreten. Nile konzentriert sich also auf die frühe Schaffenszeit des Meisters. Das neueste Dylan-Stück „Every Grain Of Sand“ findet sich auf dem 1981er Album „Shot Of Love“.

Wenn andere Rock- und Country-Größen ihren Vorbildern huldigen, sei es Pete Seeger bei Bruce Springsteen oder Townes Van Zandt bei Steve Earle, dann darf dies Willie Nile sicherlich auch. Mit der Wahl Bob Dylans hat er die Vergleichsmarke natürlich sehr hoch gelegt. Nile meistert diese Herausforderung jedoch bravourös. Die Neuentdeckung der alten Songs macht viel Spaß. Schade ist lediglich, dass nach knapp 38 Minuten der Schlussakkord verhallt.

Die Idee, eine Platte mit Stücken von Bob Dylan einzuspielen, kam Willie Nile erst anlässlich der Feierlichkeiten zum 75jährigen Geburtstag des Nobelpreisträgers im letzten Jahr. Da „Positively Bob“ also einer spontanen Eingebung gefolgt ist, befinden sich – wenn ich Nile 2013 richtig verstanden habe – noch zwei Alben in der Planung. Bei seiner immensen Produktivität in den letzten Jahren wird wahrscheinlich die Wartezeit nicht zu lang.

River House Records(2017)
Stil: Rock

01. The Times They Are A-Changin‘
02. Rainy Day Women #12 & 35
03. Blowin‘ In The Wind
04. A Hard Rain´s A-Gonna Fall
05. I Want You
06. Subterranean Homesick Blues
07. Love Minus Zero/No Limit
08. Every Grain Of Sand
09. You Ain’t Goin‘ Nowhere
10. Abandoned Love

Willie Nile
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Kirk Baxley – The Pain We Bring – CD-Review

Bärenstarkes CD-Debüt von Kirk Baxley. Die Zeiten, wo im Red Dirt-Genre die neuen Scheiben und Bands wie Pilze aus dem Boden geschossen sind, gehören leider mittlerweile der Vergangenheit an, auch wenn natürlich die Aushängeschilder des Genres durchaus weiter präsent sind.

Man freut sich aber um so mehr, wenn dann plötzlich unverhofft, richtig starke neue, recht unbekannte Interpreten auftauchen, wie es jetzt mit Kirk Baxley und seinem ersten Longplayer „The Pain We Bring“ der Fall ist. Der Musiker aus Belton, Texas, mittlerweile zwischen dem Lonestar State und Nashville viel hin und her pendelnd, hat nach zwei Kurz-EPs, unter Regie der Novel Music Group und dem bekannten Smith Entertainment Vertrieb, zum ersten großen Wurf ausgeholt. Ein ganz starkes Werk.

Der Independant-Produzent Chad Mauldin hat ganze Arbeit geleistet und ein wunderbar transparent klingendes Werk, bestehend aus zwölf fein instrumentierten und sehr melodisch inszenierten Tracks geschaffen. Nicht zu vergessen der Protagonist Kirk Baxley, der mit einer sehr angenehmen und variablen Stimme gesegnet ist (Richtung Mike Eli, Wade Bowen, Don Henley), und ein Händchen für gutes Sonwriting besitzt (alle Stücke selbst komponiert, nur 2x mit Cameran Nelson als Co-Schreiber).

Der von einer flockigen E-Gitarre angetriebene, rhythmische Opener „Small Town“ erinnert sofort an Sachen von Bands wie der Eli Young Band oder No Justice, und macht sofort Lust auf mehr. Herrlich dann das atmosphärische countryeske Titelstück, das mit seiner wimmernden Steelgitarre (fast in allen Stücken präsent, Milo Deering ist in den Credits aufgeführt) und den dezenten Mandolinentupfern zu gefallen weiß.

Das wieder mit kratzig rockiger E-Gitarre (dazu tolles heulendes Slide-Solo) und leiernder Steel ausgestattete „Bringing Her Back“ erinnert an Großtaten eines Wade Bowen. Als Single wurde aber zunächst die Nashville-taugliche New Country-Nummer „Moving On“ (typischer Powerrefrain, klasse E-Kurz-Solo) auserkoren.

Mit „If Only“ (mit herrlicher Mandoline), „Leaving“ (knarzende Dobro und Fiddle), „A Better Man“ (Fiddle, Steel, herrlicher Countryschwofer) oder dem melancholischen Finale mit „This Love Will Last“ (schöne southern-mäßige E-Gitarren-Zwischenpassage) beweist Baxley auch sein Gespür für kitschfreie, aber durchaus berührende Balladen

Weitere Highlights sind Lieder wie das grassige „Do You Think Of Me (Constantly)“ oder das wunderbar, texas-typische Duett mit der grandios singenden Kylie Frey bei „Cold As A Stone“, wie man es von Kacey Musgraves und Josh Abbott im Gedächtnis hat. Auch das radio-taugliche „Afraid Of Her Tears“ (Richtung Eli Young Band, No Justice), hat Ohrwurmqualitäten.

So verwundert es nicht, dass Kollegen wie Aaron Watson („Kirk paints his own picture by pouring nothing but heart and soul into his songs“) und Bri Bagwell („I was blown away by the range of tunes and the depth of songwriting on this record, I can’t wait to witness the success of the release“) Kirk Baxley mit Lob nahezu überschütten.

Der Schmerz, den Kirk Baxley mit seinem Debüt „The Pain We Bring“ verbreitet, beschränkt sich wohl eher auf textliche Elemente in seinen z. T. Gänsehaut verbreitenden, als auch herzzerreißenden Balladen auf diesem Werk, ansonsten dominiert hier die große Freude, mit ihm einen saustarken, frisch klingenden und höchst kreativen Interpreten in der Red Dirt-Szene begrüßen zu dürfen. Eine exzellente Leistung, die schon jetzt Lust auf Mehr macht!

Novel Music Group (2017)
Stil: Red Dirt

01. Small Town
02. The Pain We Bring
03. Bringing Her Back
04. If Only
05. Nothing On
06. Do You Think Of Me (Constantly)
07. Cold As A Stone (feat. Kyle Frey)
08. Leaving
09. Afraid Of Her Tears
10. A Better Man
11. Don’t Stop Loving Me
12. This Love Will Last

Kirk Baxley
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Bärchen Records

Steve Earle & The Dukes – So You Wannabe An Outlaw (Deluxe) – CD/DVD-Review

Review: Michael Segets

Steve Earle lotet in seinen Werken die Grenzen verschiedener Spielarten des Country aus und unternimmt immer wieder Ausflüge in Richtung Rock und Folk. Er setzt in seinen Alben unterschiedliche Schwerpunkte und konzipiert sie zumeist um diese herum. Die Grundidee von seinem 21. Album „So You Wannabe An Outlaw“ liegt darin, die Facetten seiner musikalischen Einflüsse auf einer Scheibe darzustellen.

Herausgekommen ist dabei eine CD, die die Bandbreite Steve Earles zwar wiedergibt, insgesamt aber einen deutlichen Schwerpunkt auf seine Country-Wurzeln legt. Er besinnt sich auf seine Anfänge, die von der Outlaw Music geprägt sind, wobei er sich auf dem vorliegenden Album vor allem an Waylon Jennings orientiert, dem es auch gewidmet ist. Standesgemäß wurde es in Austin, Texas, aufgenommen und von Richard Bennett produziert.

Das titelgebende Duett „So You Wannabe An Outlaw” mit der Outlaw-Country-Ikone Willie Nelson eröffnet die CD. Die beiden übernehmen zunächst jeder für sich eine Strophe des kratzigen Country-Songs, um die dritte dann gemeinsam zu singen. Mit „Lookin‘ For A Woman“ folgt ein weiteres Country-Stück, das mit dem gleichmäßigen Rhythmus dazu einlädt, sich aufs Pferd zu schwingen und Steve Earle auf seiner Suche zu begleiten. Der Ritt wird bei „The Firebreak Line“ dann etwas schneller, wobei Earles markante Stimme besonders gut zur Geltung kommt. Den dort eingeschlagene Weg in Richtung Country-Rock verfolgt das starke „If Mama Coulda Seen Me” konsequent weiter.

Das absolute Highlight der CD ist aber „Fixin‘ To Die“. Es ist schon eine Weile her, dass Earle eine so kraftvoll rausgeschriene und dunkle Rock-Nummer veröffentlicht hat. Thematisch greift er die Todesstrafe auf, gegen die er sich bereits bei früheren Songs aussprach, so beispielsweise auf dem Soundtrack zu „Dead Man Walking“. Dabei hat ihm das soziale und politische Engagement seiner Songs in der USA immer wieder Kritik eingebracht.

Seine Folk-orientierte Seite zeigt Earle bei den akustisch gehaltenen „News From Colorado“ und „The Girl On The Mountain”. Unter den Balladen ist „Goodbye Michelangelo“ jedoch besonders bemerkenswert. Earles knarziger Gesang transportiert hier viel Gefühl. Das Stück ist im Andenken an seinen Mentor, den kürzlich verstorbenen Guy Clark, geschrieben.

Mit Miranda Lambert singt Earle „This Is How It Is“. Auf seinen Alben finden sich gelegentlich Duette mit weiblichen Gesangspartnern. Im letzten Jahr veröffentlichte er sogar einen Longplayer zusammen mit Shawn Colvin.

Bei „You Broke My Heart” und „Walkin´ In LA”, einem Duett mit Johnny Bush, orientiert sich Earle am traditionellen Country der fünfziger Jahre. Der Twang und der übermäßige Einsatz von sanfter Geige und wimmerndem Pedal Steel sind nicht mein Fall. „Sunset Highway“ ist diesbezüglich noch im Toleranzbereich.

Auf der LP und der Deluxe-Edition der CD finden sich vier weitere Songs mit denen Earle seine musikalischen Vorbilder würdigt. „Ain’t No God In Mexico“ stammt aus der Feder von Billy Joe Shaver, „Sister’s Coming Home/Down At The Corner Beer Joint“ und „Local Memory” aus der von Willie Nelson. Den Abschluss bildet der Klassiker „Are You Shure Hank Done It This Way” von Waylon Jennings.

Da keines der Stücke die vier Minuten-Marke erreicht, liegt die Gesamtspielzeit bei 50 Minuten, die der Standard-CD ohne die Bonus-Tracks bei unter 39 Minuten. Die DVD der Deluxe-Edition umfasst ein „Making Of“ des Albums, das Video des Titelsongs sowie Track-by-Track-Kommentare von Earle, bei dem die Lieder kurz angespielt und dann von ihm erläutert werden.

Insgesamt liefert das Werk einen guten Überblick über Steve Earles vielfältiges musikalisches Schaffen. Daher dürfte für jeden Freund von Rootsmusik etwas dabei sein und dazu anregen, seine früheren Veröffentlichungen (nochmal) zu durchforsten. Die von mir favorisierte rockige Spielart des Country kommt etwas zu kurz, dennoch zeigt Earle beeindruckend, dass er diese immer noch beherrscht.

Warner Bros. Records (2017)
Stil: Country/Country Rock

CD:
01. So You Wannabe An Outlaw
02. Lookin‘ For A Woman
03. The Firebreak Line
04. News From Colorado
05. If Mama Coulda Seen Me
06. Fixin‘ To Die
07. This Is How It Ends
08. The Girl On The Mountain
09. You Broke My Heart
10. Walkin‘ In LA
11. Sunset Highway
12. Goodbye Michelangelo
13. Ain’t No God In Mexico (Bonus)
14. Sister’s Coming Home/Down At The Corner Beer Joint (Bonus)
15. Local Memory (Bonus)
16. Are You Sure Hank Done It This Way (Bonus)

DVD:
1. The Making Of The Album
2. “So You Wannabe An Outlaw” – Official Video
3. Steve Earle: Album Track-by-Track Video Commentary

Steve Earle
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Bärchen Records

The Infamous HER – Gold – CD-Review

HER_Gold

Einen Tag vor Beginn meiner Abreise in den verdienten Urlaub kam noch die neue Scheibe von der mir liebgewonnen Monique Staffile und ihren Kumpanen ins heimatliche Haus getrudelt. „Gold“ heißt das neue Werk und es hat sich ein bisschen was geändert. Aus dem Kollektivnamen HER & Kings County ist nur noch HER übrig, was eine noch stärkere Fokussierung auf die attraktive Frontfrau impliziert. Auch der Musikstil wurde zugunsten einer etwas jüngeren Zielgruppe deutlich mehr in die Breite modifiziert. The Infamous HER – Gold – CD-Review weiterlesen

The Infamous HER – Chain Reaction – CD-Review

HER, alias Monique Staffile hatte mit ihrer forsch-fröhlich einnehmenden Art, vor allem was ihr Debütalbum „Raise A Little Hell“ und die von uns erlebten Konzerte betrifft (nach dem letzten stand sie uns ja auch noch ganz unkompliziert für ein Interview zur Verfügung), meine Sympathien erobert.

Das sie dabei auch noch klasse aussieht und sich sehr sexy zu präsentieren weiß, hatte da natürlich, bei mir als überaus gefestigtem Mann, gar keine Rolle gespielt. Die Gesamtkonstellation trug aber ohne Zweifel dazu bei, dass ein gewisser imaginärer Kredit aufgebaut wurde.

Nach den beiden letzten Werken „Gold“ und „Revolution„, die eher zum schrillen, provozierenden Pop-Rock tendierten, hatte ich die leise Hoffnung, dass der Nachfolger vielleicht wieder mit mehr Country- und Southern Rock-Komponenten wie beim o. a. Debüt aufwarten würde. Schließlich wohnt die Dame ja in Nashville und wird sich dort wohl kaum ganz dem Spirit der Stadt ganz entziehen können.

Mein stilles Ansinnen wird mit „Chain Reaction“ leider nicht erfüllt. Monique setzt beim neuen, mit elf Songs bestückten Silberling, weiterhin auf, mit kreischender Stimme vorgetragenen, manchmal schon dezent punkig und thrashig verpackten Pop-Rock, der mich ein wenig an unsere gute Nina Hagen, zu Anfangszeiten, nur mit englisch-sprachigen Texten, erinnert.

Mit viel Wohlwollen kann ich noch Tracks wie „Unbreakable (Made Of Stone)“, das mit ein wenig Heart-Flair daherkommt, sowie die beiden Schlussnummern „Sun Goes Black“ (Richtung Robin Beck) und das mit einer Akustikgitarre verzierte „I Swear“, noch als halbwegs passabel bezeichnen. Der Rest der Stücke zerrt auf Dauer doch schon ziemlich an den Nerven.

Produziert hat wieder Caleb Sherman, der natürlich instrumentell und kompositorisch mitgewirkt hat, wie auch die gewohnten Bandmitglieder Brandon Roberts und Brandon Barnes.

Überzeugend lediglich das Coverartwork. Zum Piepen das Bild von der im geblümten Hosenanzug auf einem Rokoko-Sessel sitzenden, zickig dreinblickenden Monique, mit der, mit aufgerichteten gespitzten Lauschern, brav daneben sitzenden Dogge an einer Metallkette.

Somit ist „Chain Reaction“, aus meiner Sicht, nach jetzt drei Alben hintereinander, die mich allesamt nicht vom Hocker gerissen haben, weiterhin eine Kettenreaktion in die falsche Richtung. Zumindest musikalisch gesehen. Aber letztendlich wird Monique selbst am besten einzuschätzen wissen, was sie weiterbringt.

Ich persönlich bleibe dabei, ein Schwenk zurück in Richtung „Raise A Little Hell“ würde der Band sicherlich gut tun. HER und ihre Begleiter werden übrigens Mitte September auch live zu ein paar Konzerten wieder in Deutschland präsent sein.

India Records (2017)
Stil: Rock / Pop

01. Rock With Me
02. Chain Reaction
03. Taking Up Space
04. Say What Ya Man
05. Futuristic Frequency
06. What Do You Want
07. Unbreakable (Made Of Stone)
08. Seriously
09. Three Things For The Highway
10. Sun Goes Black
11. I Swear

Her
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India Media Groupetzt

Lucinda Williams – 26.08.2017, Kantine, Köln – Konzertbilder

Die 64-jährige Grand Dame des Country-Folk-Rock mit ihrem 2. Konzert, im Rahmen der beiden Deutschland-Auftritte, in der Kölner Kantine.

Begleitet dieses Jahr von den drei Musikern Stuart Mathis, David Sutton und Butch Norton, alias Buick 6. Die Protagonistin wirkte bei der Performance ein wenig müde und abgekämpft von ihrem Gig, abends zuvor, in der Hamburger Fabrik. Der Sound und die Stimmung waren gut.

Line-up:
Lucinda Williams (lead vocals, guitars)
Stuart Mathis (guitars)
David Sutton (bass)
Butch Norton (drums)

Bilder und Eindrücke: Peter ‚Beppo‘ Szymanski

Lucinda Williams
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Kantine Köln
Peter ‚Beppo‘ Szymanski