Poppa C. DeSnyder, Fronter von Walk That Walk, hat einmal gesagt: „Wenn man bei seinem Auftritt nicht voller Leidenschaft und Energie auftritt, laufen die Leute zu den Ausgängen…“ und dies lässt sich auch auf die aktuelle Scheibe der Band übertragen.
Die CD strotzt vor Spielfreude und Energie. Sie besteht zwar leider nur aus acht Tracks, aber die haben es in sich. Sie offenbaren mitreißende Rhythmen mit kräftigem Roots-Einschlag oder rocken einfach nur. Aber immer verbreiten die Songs ein Gute-Laune-Feeling.
In die erste Kategorie gehören „The Daydream“, „Put A Hump In Your Back“, „You Don‘t Love Me“ und „She Says She Can Do Better“. Allesamt flott, beschwingt und unter dem Einfluss von Bluegrass- und Countryelementen. Echte, gute Rootsmucke also mit Gute-Laune-Faktor.
Aus der Schublade mit den rockigen Rhythmen stammen die Songs „Heavy Music“, im Original von Bob Seger, „Hard Again“ und „Shake You With This Rock‘n‘Roll“. Vorwärts treibende Rhythmen, denen Poppa C. Snyders sonore Gesangsstimme zu noch mehr Kraft und Eindrücklichkeit verhilft.
Als Rausschmeißer gibt‘s zum Schluss den „Canned Heat“-Klassiker „On The Road Again“, ohne allerdings zu sehr vom Original abzuweichen.
Mit ihrem neuen Album beweist die Trupper um Fronter Poppa C. DeSnyder einmal mehr, dass sie nicht nur zu den Besten der Bostoner Bluesszene gehören, sondern auch darüber hinaus zur Creme de la Creme aller Blueser zählen. Walk That Walk ist daher immer gut für eine Kaufempfehlung.
Eigenproduktion (2024) Stil: Blues, Roots
Tracks: 01. The Daydream 02. Put A Hump In Your Back 03. Heavy Music 04. Hard Again 05. Shake You With This Rock’n’Roll 06. You Don’t Love Me 07. She Says She Can Do Better 08. On The Road Again
Greg Nagy ist ein vielseitiger Musiker, dessen Songwriting, Gesang und Gitarrenspiel zu einem erfrischend ehrlichen Sound zusammenfinden, wobei er Elemente aus Soul, R&B, Rock und Gospel miteinander mischt. So auch auf seiner Debütveröffentlichung „Walk That Fine Thin Line“, dem Nachfolgealbum „Fell Toward None“ und seinem dritten Werk „Stranded“. Bemerkenswert ist, dass Nagy seine Messlatte von Album zu Album immer etwas höher gehängt hat und diese nun in seinem neuesten Oevre „The Real You“ bereits verdammt hoch hängt. Es ist ein 11 Stücke umfassendes, sehr abwechslungsreiches Album, das man so schnell nicht leid wird. Vielen Songs gemein ist, dass sie mit präzisen und teils nostalgisch wirkenden Bläsersätzen aufwarten, gleichwohl aber auch Gitarrenlicks im Chicaostyle-Blues einbinden.
Nagy eröffnet sein Werk mit einem gefälligen, souligen Popsong namens „The Real You“, in dem bereits hier leicht nostalgische Bläsersätze ein tragendes Gerüst bilden. Mit dem Folgestück „Mississippi Blues“ setzt er sodann einen starken Kontrapunkt in Form eines gefühlvollen Deltablues mit Akustikgitarre und Mundharmonika. Ruhig fließt auch der Song „Crazy“ dahin, ein verträumter, balladesker Slowblues mit 70ger Jahre-Charme. Kangvolle Keyboardteppiche wabern durch den Chicagoblues „Never Mine“. Mit „Come To Poppa“ folgt ein recht heavy-rockiger Blues, dessen Stil von kräftigem Gebläse mit jaulender Gitarrenuntermalung geprägt ist. Dann wieder ruhige Töne: der Beatles-Klassiker „Something“ in neuem Gewand, hier als Duett mit der Sängerin Thornetta Davis.
„Cornell Ala King“, ein flotter, eingängiger Instrumental-Shuffle, weckt anschließend den dahingeschmolzener Zuhörer wieder auf, um ihn dann in den balladesken Midtempoblues „Baby, What Took Your Love Away From Me“ zu entlassen. Das für mich interessanteste Stück auf der Scheibe ist aber der Titel „Where Do We“, das mit analogem Vinylgeknister beginnt und zu dem sich der verkratzte Sound einer Akustikgitarre gesellt. All das geht schließlich in einen schönen Southernblues mit viel Charme über. Das Album endet hernach mit zwei Slowbluesnummern. In „All I Need (Is You)“ bespielt Nagy seine Akustikgitarre im Fingerpickingstyle und mit „The Joke“ klingt die CD, getragen von Pianoklängen und dezenter Percussionuntermalung, aus.
Greg Nagy dürfte hierzulande wohl noch nicht so bekannt sein, aber mit „The Real You“ wird sich das sicherlich schnell ändern. Der Longplayer ist stilistisch und musikalisch sehr abwechslungsreich und macht beim Hören so richtig Spaß, ohne auf die Dauer langweilig zu werden. Greg Nagy dürfte hierzulande noch ein Geheimtipp sein, nichtsdestotrotz gibt es von mir für seinen Silberling eine dringende Kaufempfehlung.
Eigenproduktion (2024) Stil: (Soul) Blues
Tracks: 01. The Real You 02. Mississippi Blues 03. Crazy 04. Never Mine 05. Come To Poppa 06. Something 07. Cornell Ala King 08. Baby, What Took Your Love Away From Me 09. Where Do We 10. All I Need (Is You) 11. The Joke
Die etwas ruhigere Zeit um den Jahreswechsel nutze ich meist, um nochmal einen Blick zurück zu werfen auf das, was so in den letzten Monaten liegengeblieben ist. Mitte 2024 erschien bereits „Viva Lone Justice“. Lone Justice hat sich fast vierzig Jahre nach Bandauflösung die Zeit genommen, um in den Archiven zu stöbern. Dabei wurden zehn Songs zutage gefördert und neu überarbeitet. Nahezu alle Instrumente wurden mit Overdubs versehen. Die einzige Ausnahme ist das Schlagzeug, das in Erinnerung an den verstorbenen Drummer Don Heffington unverändert blieb. „Viva Lone Justice“ ist daher kein frisches Album der Band, sondern poliert deren Vergangenheit auf.
Außer „You Possess Me“, das vom Bassisten Marvin Etzioni geschrieben wurde, sind alle anderen Tracks Coverversionen, drei davon Traditionals. Die Country-Nummer „Jenny Jenkins“ wird von Maria McKee und Ryan Hedgecock im Duett gesungen. Die Band nimmt sich weiterhin dem Bluegrass „Rattlesnake Mama“ und dem vielfach interpretierten Gospel „Wade In The Water“ an. Die anderen Songs bewegen sich meist in klassischen Country-Gefilden. Tammy Rogers unterstützt die Band einige Male an der Geige und arrangiert die Streicher. Benmont Tench (Tom Petty And The Heartbreakers) ist als Gastmusiker auf drei Tracks vertreten.
Die CD verläuft überwiegend in ruhigen Bahnen, wobei McKees Stimme und Gesang, die Lone Justice stets eine besondere Note verliehen, auch hier wieder eine tragende Rolle spielt. Bemerkenswert ist die reduziert arrangierte Version von „I Will Always Love You“, die im extremen Kontrast zur Bombast-Interpretation von Whitney Houston steht. Der Song stammt übrigens aus der Feder von Dolly Parton. Aus dem Rahmen fällt die Single „Teenage Kicks“. Bei dem Cover von The Undertones zeigt sich Lone Justice von ihrer punkigen Seite. Ansonsten findet sich mit „Sister Anne“ nur noch ein Uptempo-Titel auf der Scheibe. Dieser fängt gut an, endet aber mit einem gewöhnungsbedürftigen Bläser-Outro.
Lone Justice schaut auf nur zwei reguläre Longplayer in ihrer kurzen Karriere zurück. Das selbstbetitelte Debüt wurde von Jimmy Iovine produziert und brachte 1985 frischen Wind und eine neue, markante Stimme in die Country Rock-Szene. Ein Jahr später folgte das deutlich schwächere, mit mehr Pop-Anteilen versehene „Shelter“, bei dem Little Steven bei der Produktion mitmischte. Danach kam es zur Auflösung der Band. Im Nachgang erschienen noch Live-CDs und ein paar Compilations mit bis dato unveröffentlichte Aufnahmen. „Viva Lone Justice“ reiht sich dort ein, auch wenn sich für die Neubearbeitung der Songs die noch lebenden Bandmitglieder nochmal zusammengefunden haben.
Lone Justice schuf seinerzeit mit ihrem Debüt ein Album, dass die Zeit überdauerte und auch heute noch hörenswert ist. „Viva Lone Justice“ ist ein Abgesang auf diese glorreichen Tage. Die Neubearbeitung von altem Material, das sich fast ausschließlich aus Coverstücken zusammensetzt, zeigt an einigen Stellen, was aus Lone Justice hätte werden können. Es zeigt auch, dass sich die Zeit nicht zurückdrehen lässt. Letztlich bleibt es ein rückwärtsgewandtes Album, das die Hoffnung auf eine späte Wiederbelebung der Band nicht einlöst.
Afar Records – Cargo (2024)
Stil: Country
Tracks:
01. You Possess Me
02. Jenny Jenkins
03. Rattlesnake Mama
04. Teenage Kicks
05. Wade In The Water
06. Nothing Can Stop Me Loving You
07. Skull And Cross Bones
08. Alabama Baby
09. I Will Always Love You
10. Sister Anne
Ben Poole beendet, wie schon in den letzten Jahren traditionell, seine Herbst Tour im blues im beschaulichen Rhede und hat als Gast seinen brüderlichen Freund Guy Smeets dabei. Etwas später als geplant betritt Poole gegen 19:30 Uhr die Bühne im gut gefüllten blues und es folgen über zwei Stunden Blues Rock der härteren Gangart mit vielen jammenden Passagen und starken Gitarrensoli, an denen auch der Niederländer Smeets einen gehörigen Anteil hat.
In die vorrangig eigenen Songs baut Poole auch einige Coverversionen ein, von denen die knapp 15-minütige Zugabe von „Fire & Water“ von Free eines der Highlights des Abends ist. Das vom Publikum gefeierte „Dont´t Cry For Me“ beginnt nicht mit einem Keyboard-Intro, den Part übernimmt Amadeo mit einem gefühlvollen Bassintro, bevor der Rest der Band, zunächst balladesk einsteigt, um mit einem explosiven Zwischenteil die Decke im blues abheben zu lassen. Dabei jagt eine Solopassage von Poole die folgende von Smeets.
Schon während des Konzerts beginnt die Band das Ende der Tour gebührend zu feiern, als Ben seinen Tourmanager mit auf die Bühne holt und alle gemeinsam erst mal gemeinsam mit einem Pinecken anstoßen, um danach direkt wieder wie entfesselt weiterzumachen.
Zwei Stunden krachender Blues Rock vergehen so im Fluge und an den Gesichtern der Fans lässt sich ablesen, dass es ein besonderer Abend war. Von Beginn an war der Funke von der Bühne aufs Publikum übergesprungen, was neben der musikalischen Leistung auch am sympathischen Auftreten der Band lag, in deren Gesichtern sich die Spielfreude widerspiegelte.
Das ausgewogene Licht und der transparente Sound hatten einen nicht unerheblichen Anteil an dem gelungenen Abend, dass zu erwarten ist, dass im November 2025 auch die Ansage folgen könnte „Same Procedere As Every Year“, mit dem einen oder anderen Erfrischungsgetränk während der Show.
Line-up: Ben Poole – vocals, guitars Steve Amadeo – bass Ollie Dixon – drums, backing vocals Special Guest: Guy Smeets – guitar, backing vocals
Robert Jon & The Wreck spielten im sehr gut gefüllten Musiktheater Piano, getrieben vom stark mitgehenden Publikum, ein begeisterndes Konzert, kurz bevor es weiter ins UK ging. Die Herbst-Europa-Tour ist mittlerweile vorbei und für die Band ist, zumindest in Europa, das erfolgreichste Jahr beendet. Ob auf Festivals oder in Clubs, die Kalifornier sind in der Gunst der Southern-Gemeinde mittlerweile weit oben angekommen und fürs Frühjahr ist die nächste Reiser durch Europa geplant. Wenn man die Entwicklung der Zuschauerzahlen, mit einigen ausverkauften Shows und vielen sehr gut besuchten Gigs sieht, stehen die Kalifornier vor dem nächsten Schritt, der auch in größere Locations führen könnte.
Line-up:
Robert Jon Burrison – lead vocals, guitar
Hanry James Schneekluth– guitar, vocals
Warren Murrel – bass
Andrew Espantman – drums, vocals
Jake Abernathie – keyboards
Ich muss gestehen, dass ich lange Zeit mit traditioneller Country-Musik nur wenig anfangen konnte, besonders was die Zeiten betraf, bevor Garth Brooks So Glanzvoll in Erscheinung trat. Das hat sich mit fortschreitenden Jahren deutlich geändert, wobei ich mich frage, ob ich mittlerweile tatsächlich alt geworden bin.
In Wahrheit liegt es aber daran , dass viele Scheiben und Produktionen heute nicht mehr so altbacken klingen und die instrumentelle Umsetzung sowie die federführenden Interpreten deutlich eingängiger daherkommen. Ein gutes Beispiel dafür sind The Doohickeys. Hinter dem Namen verbirgt sich ein medienerprobtes Duo, bestehend aus Haley Spence Brown und Jack Hackett, das sich bei Arbeiten für das TV-Satire-Magazin der University Of California kennengelernt hatte und auf einer Halloween Party seine gemeinsamen musikalischen Interessen entdeckt hatte.
Mit “All Hat, No Cattle” bringen sie jetzt ihr Debütalbum heraus, nachdem sie mit Songs wie dem country-rockigen Opener “Rein It In Cowboy”, dem Titelsong und „This Town Sucks“ sowohl bei Auftritten, social media-mäßig, als auch in Kontest-Hinsichten, bereits großes Aufsehen erregt hatten.
Und auch meine Wenigkeit attestiert ihnen ein großartiges Erstwerk, das von Anfang bis Ende einen Hörgenuss mit viel Spaß (klasse Texte, schade, dass es nicht noch für ein kleines Steckfaltblatt im DigiPak gereicht hat), stimmlicher und musikalischer Abwechslung sowie instrumenteller Feinheiten bietet. Da sind zum einen der Wechsel von weiblichen und männlichen Leadgesang in allen Variationen (dazu in klasse Harmoniegesänge mündend), als auch die wunderbar satirischen, kritischen, oft auch mit sympathischer Selbstironie angelegten Texte, wie man es auch schon bei vielen Titeln wie „Too Ugly To HItchhike“, “All Hat, No Cattle” oder „I Wish My Truck Was Bigger“ direkt erahnen kann.
Letztgenannter Track beschreibt schön einen gewissen Neid, den man in unseren Sphären gewissen männlichen SUV-Fahrern zuschreibt, die beiden gehen hier sogar noch etwas weiter, was die Art des Fahrzeugs betrifft, in Amerika denkt man ja schon seit je her etwas größer… Klasse auch, wie im abschließenden „City Folk“, gemeine Städter humorvoll mit ihren Countrywurzeln in Einklang gebracht werden.
Ganz stark auf dem von Eric Corne produzierten Werk sind vor allem die vielen instrumentellen Feinheiten (Fiddle, viel weinende und leiernde Steel, klare Akustik- und E-Gitarren) der involvierten Musiker (u. a. Adam Arcos, Matt, Tecu, Jordan Bush, Aubrey Richmond, Eugen Edwars), die sehr modern und transparent zum Vorschein kommen. So erhält man am Ende einen sehr abwechslungsreichen Mix aus Country-rockigen, zum Teil mit dezenten Southern Rock-Anleihen, flotten Bakersfield- als auch typischem Storytelling-Country.
Am Ende ist es den Doohickeys mit ihrem Debüt „All Hat, No Cattle“ eindrucksvoll gelungen, mit traditionell gehaltenem Country, den reviewenden Stadtmenschen hier, der bis dato Rinder nur vom Sehen und auf dem Teller kennt, den imaginären (Cowboy-) Hut ehrfurchtsvoll ziehen zu lassen. Eine tolle Überraschungsscheibe am Ende des Jahres, die als klarer Kauftipp attestiert wird!
Forty Delow Records (2024) Stil: Country
01. Rein It In Cowboy 02. Can’t Beat My Ol‘ Beater 03. This Town Sucks 04. I Don’t Give A Damn About Football 05. I Wish My Truck Was Bigger 06. Farm Lawyer 07. Mr. Fix It 08. Too Ugly To HItchhike 09. All Hat, No Cattle 10. Please Tell Me You’re Sleepin‘ 11. You Can’t Dance 12. City Folk
Nach über 15 erfolgreichen Bandjahren hat sich die niederländische Gruppe DeWolff einen Trip in die USA gegönnt, um in den legendären Fame und Muscle Shoals Sound Studios in Alabama das neue Album aufzunehmen. Unter dem Titel “Muscle Shoals” ist eine (fast) klassische Scheibe entstanden, gefüllt mit grandiosen Tracks, individuellen Klangfarben und der staubigen Tradition der alten Recording-Räume, ein ausgesprochener Retro-Southern-, Blues Rock, Psychedelic- und Soul-Longplayer.
Schon der Opener “In Love” verbreitet ein ungezwungenes Upbeat-Flair der 60er/70er, angenehme Hammond-Sounds und knarzige Guitar-Parts bereiten den Weg für “Natural Woman”, der ersten Single, einem temporeichen, teils jazzigen Track. Ein souveräner Beginn der Scheibe, die einem auch bei “Out On The Town” voll mitnimmt und frühe, aufgefrischte Allmans “undercover” präsentiert. “Let’s Stay Together” kommt als feine Soul-Ballade vollendet rüber und serviert schöne alte Song-Schule in junger Dynamik.
Und gerade für solche Stücke bieten die Vintage-Studios eine scheinbar unvergleichliche Atmosphäre, eine Klangwelt, die in den Anfangsjahren z. B. Etta James, Aretha Franklin oder Arthur Conley ebenso nutzten, wie Duane Allman, Stones oder Bob Dylan. Lynyrd Skynyrds Titel “Sweet Home Alabama” setzte sogar ein musikalisches Denkmal. Kein Wunder also, dass DeWolff für den neuen Longplayer eine ganze Reihe Songs geschrieben haben, die im außergewöhnlichen Studio-Umfeld und mit Hilfe von Produzent Ben Tenner die unbändige Spielfreude der Formation reflektieren.
So klingt “Ophelia” im Orgelsound nach mitreißender Purple-Magie, die ein breites hemdsärmliges E-Solo sehr gut verträgt. Der Boogie “Truce” ist insgeheim vielleicht der beste Track der Scheibe und fügt sich nahtlos in das gesamte Erscheinungsbild Retro-soundiger Arrangements ein. Die Stilrichtung einer eleganten Vintage-Renaissance beflügelt “Book Of Life” vom Boogie-Woogie zum Gospel-Soul und zeigt den stilsicheren Variantenreichtum der Band, durch Rhythmus- und Stimmungswechsel permanent Medley-artige Verbindungen zu schaffen.
Mit “Winner”, “Fools & Horses” und dem mächtigen “Snowbird” (über 8 Minuten) werden noch einmal alle Register gezogen und Southern-, Psychedelic-. bis Blues-rockige und experimentelle Reminiszenzen an The Doors aufgeboten. Wenn dann zum eigentlichen Schlusstrack noch Singer/Songwriter Dylan LeBlanc seinen persönlichen Beitrag im Studio einbringt, wird die Ballade ”Ships In The Night” zum großartigen “Muscle Shoals” Schlussakkord, dessen Abschiedsrefrain “Take It Easy” unvermittelt mitgesungen wird.
Die im deutschsprachigen Raum bisher leider wenig beachteten DeWolff haben nach dem NL-Nr. 1 Vorgänger “Love, Death & In Between“ (2023) ein weiteres überragendes Studiowerk in den Startlöchern. “Muscle Shoals” verbindet großartiges, eigenständiges Songwriting mit leidenschaftlicher Spielkunst. Die geschichtsträchtige niederländische Blues/Rock-Musik (z.B. Cuby & The Blizzards) wird hier traditionsbewusst fortgeführt. Wer Gelegenheit hat, DeWolff mit “Muscle Shoals” auf der bevorstehenden großen Europatour zu erleben, sollte die Möglichkeit unbedingt nutzen.
Mascot Records (2024) Stil: Blues, Southern, Blues Rock
Tracks: 01. In Love 02. Natural Woman 03. Out On The Town 04. Let’s Stay Together 05. Ophelia 06. Truce 07. Hard To Make A Buck 08. Book Of Life 09. Winner (When It Comes To Losing) 10. Fools & Horses 11. Snowbird 12. Ships In The Night 13. Cicada Serenada
Ob man eher der Fraktion der Stones- oder der Beatles-Hörer zugehört, war in meiner Generation noch eine Glaubensfrage. Mir steht die Musik der Rolling Stones näher. Heute werden nicht mehr so tiefe Gräben zwischen den Lagern gezogen – sofern sie überhaupt noch eine Rolle in der popkulturellen Alltagswelt der Jugend spielen. Die musikgeschichtliche Bedeutung beider Bands dürfte unbestritten sein und professionelle Musikerinnen und Musiker finden in deren Musik immer noch Inspiration.
In ihrer Lu’s Jukebox-Reihe widmete sich Lucinda Williams bereits Tom Petty, Bob Dylan und eben auch den Rolling Stones. Bei ihnen sind die Verbindungen zu Williams Musik offensichtlicher als bei den Beatles. Dass sie sich nun deren Songs vornimmt, mag etwas überraschen. Vielleicht ist der Gedanke, sich dieser Band zuzuwenden, der Erinnerung an ihre Zeit als Teenager geschuldet. Egal, ob diese Spekulation stimmt: Das Experiment gelingt. Williams reduziert die poppigen Anteile der Originale und erdet die Songs, sodass man kaum merkt, dass diese zum Teil sechzig Jahre auf dem Buckel haben. Ich mag Williams Stimme und Gesang. Die Eigenheiten kommen bereits beim Opener „Don’t Let Me Down“ zum Ausdruck. Bei manchen ihrer Longplayer können ihre Interpretationen etwas anstrengend wirken, was aufgrund des eingängigen Materials auf „Lucinda Williams Sings The Beatles From Abbey Road“ aber nicht der Fall ist.
Williams wählt neben einigen Hits auch weniger bekannte Stücke aus. Sehr schöne Versionen liefert sie von „Can’t Buy Me Love“ und „Let It Be“. Als weiteren Klassiker spielt Williams „With A Little Help From My Friends“. Dem ursprünglich von Ringo Starr gesungene Titel gibt Williams zwar ihre individuelle Note, das Cover nimmt mich aber nicht ganz so mit, wie die vorher genannten. Die Songs stammen in der Regel von Paul McCartney und John Lennon. Eine Ausnahme bildet „While My Guitar Gently Weeps“, das von George Harrison geschrieben und gesungen wurde. Der Track findet sich ebenso wie „Yer Blues“, das bei Williams zum wunderbaren Swamp-Blues mutiert, auf dem „Weißén Album“ (1968).
Mit vier Tracks ist der Longplayer „Let It Be“ (1970) der Fab Four am stärksten berücksichtigt. Von diesem stammt auch „I’ve Got A Feeling“, dem Williams ein bluesrockiges Gewand gibt. Hier setzt Williams phasenweise auf einen kräftigen Harmoniegesang wie bei anderen Stücken („I’m Looking Through You“, „Rain“) auch. Dort geht er aber stärker in die Richtung, wie man es von den Engländern kennt. Dennoch transformiert die Musikern alle Songs in ihren eigenen Stil, sodass man nicht unbedingt auf die Idee kommt, dass es sich um Werke der Beatles handelt – wenn man es nicht wüsste.
Williams begab sich für die Sessions eigens nach London in The Abbey Road Studios, wo The Beatles ihre Meilensteine aufnahmen. Aus einer Randnotiz der Pressemitteilung geht hervor, dass Williams bislang als einzige namhafte Künstlerin dort Songs von den Beatles einspielte – außer natürlich die Band selbst. Vielleicht kann dies auch als Zeichen dafür gedeutet werden, dass es ein gewisses Risiko darstellt, sich an die Titel der Kultband heranzuwagen. Williams meistert die Herausforderung problemlos, indem sie die Stücke zu ihren eigenen macht.
Highway 20 – Thirty Tigers/Membran (2024) Stil: Rock
Tracks: 01. Don’t Let Me Down 02. I’m Looking Through You 03. Can’t Buy Me Love 04. Rain 05. While My Guitar Gently Weeps 06. Let It Be 07. Yer Blues 08. I’ve Got A Feeling 09. I’m so Tired 10. Something 11. With A Little Help From My Friends 12. The Long And Winding Road
Was für ein grandioser kanadischer Southern Rock-Abend im Kölner Luxor. Ich persönlich muss zu meiner eigenen Schande gestehen, dass ich lange Zeit so meine Probleme mit dem Hauptact The Sheepdogs hatte. Frühere CDs trafen nur partiell meinen Geschmack, was vermutlich aber auch eher meinem oberflächlichen Musikgenuss geschuldet ist, der mittlerweile intensiv eigentlich nur noch im Rahmen von anstehenden CD-Reviews stattfindet.
Richtigen Zugang habe ich, trotz immer währender Bemühungen des geschätzten Kollegen Mangold, mich mal zu einem Konzertbesuch zu motivieren, erst mit den beiden starken, in diesem Jahr veröffentlichten EPs „Paradise Alone“ und „Hell Together“ zu ihnen gefunden. Deshalb war dann der Termin in Köln auch gesetzt.
Der Abend startete jedoch zunächst mit den ebenfalls aus Kanada stammenden The Commoners, die in einer guten Drei-Viertelstunde insgesamt einen ordentlichen Gig hinlegten, der aber einige ‚Aber‘ beinhaltete. Dar war zunächst der laute und viel zu breiige Sound, der bei den ersten drei recht fett rockenden Tracks die Stimme des Fronters Chris Medhurst regelrecht übertönte, auch die von Bassist Ben Spiller, der in den Refrains sporadisch immer wieder mit einzelnen Zeilen-Intermezzi aufwartete.
Besser wurde es bei ruhigeren Liedern wie „Restless“ oder „See You Again“, als Medhurst, mit der Akustikgitarre behangen, durchaus gute stimmliche Qualitäten offenbarte. Auch Keyboarder Miles Evans-Branag ging so gut wie immer unter. Als überragender Akteur des Quintetts entpuppte sich Ross Hayes Citrullo, der sich an der Leadgitarre mit vielen Soli für die besonderen Freudenmomente der anwesenden Southern-Gemeinde maßgeblich verantwortlich zeigte.
Das Gesamtkonglomerat der Eigenkompositionen, irgendwo zwischen Molly Hatchet (die sind ja mittlerweile auch für ihren Sound berüchtigt…) und Black Crowes angelegt, kam insgesamt jedenfalls im ansehnlich gefüllten Luxor gut an und die Burschen wurden nach dem finalen „Find A Better Way“ mit viel Applaus in den Backstage-Bereich entlassen. Man sollte vielleicht an einem etwas transparenteren Klang feilen, Potential hat die Band ohne Zweifel.
Line-up The Commoners: Chris Medhurst -lead vocals and guitars Ben Spiller – bass and vocals Ross Hayes Citrullo – lead guitar Adam Cannon – drums and vocals Miles Evans-Branagh – keys and vocals
Wie man es besser macht und daran ließen die Protagonisten von Beginn an keinen Zweifel, zeigte schon der herrlich rock and rollig abgehende Opener „Find The Truth“, in dem die Gehörgange der Audienz direkt auf Twin-Tonalitäten eingenordet wurden.
Was für ein Kerl dieser Ewan Currie, dachte ich spontan, als sich sein imposantes Erscheinungsbild in Richtung Front-Mikro bewegte, ein echter kanadischer Holzfällertyp, wie er im Buche steht, da kriegte man schon fast Angst, dass er gleich die Stützfeiler des Luxors durchsägt. Aber sowohl vokal als auch, was die Fingerfertigkeit an den Gitarrensaiten anging (ich war erstaunt, was er für Töne aus seiner, eher in Blues Krechel-Sphären beliebten Gibson ES herauskitzelte), bewegte er sich trotz seiner körperlichen Wucht, im eher grazilen Spektrum.
Zwei Etagen tiefer (von der Größe her) wuselte dann der ’neue‘ Gitarrist Ricky Paquette genauso so quirlig wie seine herunterhängende Lockenpracht. Unzählige Hammer-Soli, auf allen möglichen unterschiedlichen Modelllen von der Les Paul bis hin zu Telecaster, Firebird und Gibson SG und dann immer wieder in brillantes Wechselspiel oder Twins mit Currie mündend.
Alleine schon die fulminante Version von „Bad Lieutnant“, wo ich spontan zweifelte, ob man diesen Song im weiteren Verlauf überhaupt noch steigern kann, ließ das schlechte Gewissen bezüglich meiner bisherigen Ignoranz der Truppe, heftig aufblitzen. Auch wenn es tatsächlich am Ende mein persönliches Lieblingsstück blieb, wurde des hohe Niveau durchgehend gehalten.
Besondere Freude kam dann natürlich auf, als Currie & Co. die beiden o. a. EPs in Form von Tracks wie „Now Or Never“, „Take Me For A Ride“, „Darlin‘ Baby“ (Schwofer mit herrlichem Eagles-„Lyin‘ Eyes“-Flair) oder „Hell Together“ bemusterten. Besonders letztgenannter Song dürfte mit den markanten Duane Allman-Gedächtnis-Slides von Paquette, die Allman Brothers-Fans unter den Anwesenden in nostalgische Träumereien wegdriften lassen.
Mit „Scarborough Street Fight“ folgte eine weitere sensationell performte Nummer, der Schunkler „I Don’t Know“ und „Nobody“, bei dem Keyboarder Shamus Currie die dritte E-Gitarre ergänzte und auch ordentlich im Soli-Rausch mitmischte, bildeten den Abschluss eines extrem starken und kurzweiligen Hauptteils.
Ach so, die Rhythmusabteilung sollte auch noch erwähnt werden. Hier glänzte Ryan Gullen neben seinem routinierten Spiel auch mit seinem äußeren Erscheinungsbild und der direkt vor dem, mit Glühbirnen illuminierten Bandlogo trommelnde Sam Corbett mit seinem immer passenden Drive ebenso.
Als Zugaben hatte der Fünfer dann noch „Rough Rider ’89“ und das nochmals furiose „I’m Gonna Be Myself“ (mit kurz inkludierter „Jessica“-Passage) im Angebot. Die durchgehend prächtig mitgehende Luxor-Audienz verabschiedete die Kanadier mit stehenden Ovationen. So muss modern interpretierter Southern Rock gespielt werden, ich denke, ein Ronnie Van Zant hätte auch einen Heidenspaß an dieser engagierten Leistung gehabt.
Ich persönlich sage „Asche auf mein Haupt“ und gelobe Besserung!. Es war sicherlich das Top-Konzert des Jahres. Potentielle weitere Sheepdogs-Gigs in der Zukunft in unseren Gefilden stehen daher zukünftig mit höchster Prio in meinem Terminkalender, fest versprochen!
Line-up The Sheepdogs: Ewan Currie – lead vocals and electric guitar, percussion Ryan Gullen – bass and vocals Sam Corbett – drums and vocals Shamus Currie – keys, percussion, electric guitar and vocals Ricky Paquette – electric guitar and vocals
Pünktlich um 20 Uhr betritt Walter Trout mit seiner Band die Bühne, um mit einem kurzen Support von 30 Minuten schon einmal Stimmung in die Lanxess Arena zu bringen. Dabei zeigt er einmal mehr, welch vielseitiger Gitarrist er ist. Unterstützt wird er dabei von Roland Bakker an den Keyboards, John Avila am Bass, Michael Leasure an den Drums sowie Brett Smith Daniels als zweiter Gitarrist. Das Highligt seines fünf Songs umfassenden Sets ist „Say Goodbye To The Blues“, was er John Mayall widmet und mit Standing Ovations für seine starkes Solo belont wird. Auch wenn der Auftritt mit 30 Minuten sehr kurz ist, sieht man den Musikern an, mit welchem Spaß sie die Stücke darbieten und die gute Stimmung in der Arena regelrecht aufsaugen.
Eine knappe halbe Stunde dauert die Umbaupause und das Licht in der Halle wird runtergefahren. Vom Band läuft „Ace Of Spades“ von Motörhead und im Dämmerlicht ist auf einmal Bewegung auf der Bühne zu erkennen. Im Rot-Gelben Scheinwerferlicht spielt die Band ein kurzes Intro um langsam in „Broken & Ugly“ überzugehen. Ein Spot ist in den hinteren Teil der Halle gerichtet, als Beth Hart mit den Vocals einsetzt. Unter dem Jubel der Fans bahnt sie sich, begleitet von ihrem Ehemann, den Weg durch die Sitzreihen, um angekommen am Bühnenrand, sich in der ersten Reihe auf einen der Stühle zu stellen und den Song mit einem Strahlen im Gesicht bis fast zum Ende in einer Traube von Fans zu singen. Zum Ende des Stückes geht sie auf die Bühne, wo sie noch einmal ihre Musiker freundschaftlich begrüßt. Schon zu diesem Zeitpunkt hat Beth Hart die Herzen der Fans erobert und es folgt ein emotionales Konzert von etwa zwei Stunden, in dem eine sehr vitale Hart ihre Extraklasse zeigt.
Dabei baut sie sieben Songs des erst vor wenigen Wochen erschienenen neuen Albums „You Still Got Me“ in die Setlist ein. So promoted man ein aktuelles Album und bietet den Fans im Vergleich zur vorherigen Tour ein besonderes Konzerterlebnis. Stark das groovende „Suga N My Bowl“ und bei „Machine Gun Vibrato“ zeigt sie eindrucksvoll ihre variable Stimme und wechselt zwischen gehauchten Gesang bis zu sirenenartigen Gesangspassagen. Als sie den Applaus am Ende des Songs scheinbar zu genießen scheint, ist ihr anzumerken, was es für sie bedeutet, das auch die neuen Songs beim enthusiastisch mitgehenden Publikum so gut ankommen, da alle Stücke für sie besondere Momente ihres Lebens beschreiben.
So auch „Drunk On Valentine“, was sie für ihren Mann geschrieben hat, der für sie auch in Zeiten, wo es ihr mental nicht gut ging, eine große Stütze war und auch ist. Das danach direkt „War In My Mind“ gespielt wird, spiegelt die Zerrissenheit Harts wider. Nur von Tom Lilly am Kontrabass begleitet schwankt sie am Klavier spielend zwischen melodiösen, melancholischen Passagen und Phasen, die gesanglich diabolisch herkommen. Da passt es sehr gut, dass sie nur mit Klavierbegleitung als Stimmungsaufheller eine wunderbare Version von „Mechanical Heart“ nachlegt, was eine fast träumerische und positive Aura in die Halle bringt.
Ein absolutes Highlight ist das direkt folgende „Sugar Shack“, wo sie und die Band am Bühnenrand sitzen. Tom Lilly wieder mit Kontrabass, Jon Nichols mit akustischer Gitarre und der eigentliche Star des Songs, Drummer Bill Ransom der ein minutenlanges Percussionsolo hinlegt, wofür es Standing Ovations gibt. Die starken Gesangspassagen von Beth Hart runden den Song ab.
Mit „Wanna Be Big Bad Johnny Cash“ bringt sie etwas CountryFlair in die Lanxess Arena und zeigt sich noch einmal extrem publikumsnah, indem sie die Bühne verlässt und wieder singend und tanzend, begleitet von ihrem Mann durch den vorderen Teil des Innenraums geht, um danach wieder auf der Bühne stehend und sitzend mit „You Still Got Me“ und „Savior With Razor“ zwei weitere neue Tracks zu spielen und sich mit einer spürbaren Dankbarkeit von den Fans zu verabschieden, die stehend die letzten Stücke verfolgt haben.
Sie lässt die Fans, die lautstark Zugaben fordern, auch nicht lange warten und es folgt das wunderschöne positive „Wonderful World“ vom aktuellen Album, was den ganzen Abend gewissermaßen widerspiegelt. Verabschiedet wird das Publikum, das knapp zwei Stunden Zuvor mit den Klängen von Motörhead begrüßt wurde, dann mit dem Hard Rock-Klassiker „Whole Lotta Love“.
So geht ein ganz besonderer Abend mit einer Beth Hart in absoluter Höchstform zu Ende, bei dem sie sich auch auf ihre langjährige Begleitband verlassen kann, die musikalische Extraklasse in die Lanxess Arena brachte. Eine sehr schöne Bühnenausleuchtung mit drei großen Videoleinwänden sowie ein bestens ausgesteuerter transparenter Sound sind an diesem Abend auch hervorzuheben.
Line-up: Beth Hart – lead vocals & piano & acoustic guitar Jon Nichols – guitars, backing vocals Tom Lilly – bass Bill Ransom – drums & percussion
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