Bevor Kris Kristofferson in meinen musikalischen Dunstkreis getreten ist, nahm ich ihn als Schauspieler wahr, vor allem in den Westernklassikern „Pat Garrett & Billy The Kid“ und „Heavens Gate“. Die erste von mir gekaufte Platte, auf der er mitwirkte, war „The Highwayman“ von The Highwaymen. Die Band setzte sich aus den namhaften Vertretern des Outlaw-Countrys Johnny Cash, Waylon Jennings, Willie Nelson und Kristofferson zusammen.
Beim Erscheinen des Albums 1985 schaute Kristofferson bereits auf eine fünfzehnjährige Karriere als Musiker zurück, wobei er in den 1970ern auf einer Erfolgswelle schwamm. „To The Bone“ (1981) stellte den letzten Solo-Longplayer dar, den Kristofferson vor seinem Engagement bei The Highwaymen veröffentlichte. Die dazugehörige, sich fast über ein halbes Jahr erstreckende Tour fand ihren Abschluss am 15. September 1981 im Gilley’s, einer renommierten Location in Pasadena, Texas. Der Auftritt wurde seinerzeit aufgenommen und findet jetzt das Licht der Öffentlichkeit.
Das einzige Stück auf der Setlist, das von dem damals aktuellen Album „To the Bone“ stammt, ist „Nobody Loves Anybody Anymore”. Den Song schrieb Kristofferson zusammen mit Billy Swan, der auch Mitglied der sechsköpfigen Begleitband war. In den Liner Notes erinnert sich Swan an den Abend. Ebenso sind Texte des kürzlich verstorbenen Mickey Gilley und von George Strait abgedruckt.
Von seinen frühen Hits, die teilweise von anderen Musikern erfolgreich interpretiert wurden, wie beispielsweise „Me And Bobby McGee“ von Janis Joplin, sind einige vertreten. „Loving Her Was Easier (Than Anything I’ll Ever Do Again)”, „Why Me”, „For The Good Times” oder das auch von Johnny Cash aufgenommene „Sunday Mornin’ Comin’ Down” zählen dazu. Auf seinen anderen Live-Alben ist lediglich „If It’s All The Same To You” nicht vertreten, wenn ich das richtig sehe. Aber die Fans von Kristofferson werden Spaß an dem Vergleich der nun vorliegenden Versionen mit den anderen haben, vor allem mit seinem Album in der Austin City Limits Serie „Live From Austin, TX“, dessen Aufnahme aus dem gleichen Jahr stammt und eine identische Bandbesetzung aufweist.
Bedenkt man das Alter der Aufnahme, ist der Sound ausgewogen, wobei Kristoffersons Stimme deutlich im Vordergrund steht. Er vermittelt unmittelbar die Liveatmosphäre und transportiert die Stimmung, die im Gilley‘s herrschte. Die Stücke werden gradlinig, manchmal auch ineinander übergehend gespielt und nur selten, wie vor „Casey’s Last Ride“, richtet Kristofferson Worte an das Publikum.
Kris Kristofferson präsentierte im Gilley’s eine Auswahl seiner Klassiker aus der ersten Hälfte der 1970er sowie einzelne Tracks aus der Zeit vor The Highwaymen und seiner politischen Phase. Der Mitschnitt fängt die begeisterte Stimmung des Publikums ein und dokumentiert eine Momentaufnahme in Kristoffersons Karriere. Doppelungen der Setlist mit anderen Live-Veröffentlichungen werden die Fans nicht stören. Ob nochmal neues Material des nunmehr 86jährigen Outlaws zu erwarten ist, steht in den Sternen, obwohl sich die Nachricht von seinem Tot im August glücklicherweise als geschmacklose Fälschung herausstellte.
New West Records (2022)
Stil: Outlaw Country
Tracks:
01. Me And Bobby McGee
02. Here Comes That Rainbow Again
03. Casey’s Last Ride
04. You Show Me Yours (And I’ll Show You Mine) / Stranger
05. Nobody Loves Anybody Anymore
06. Darby’s Castle
07. If It’s All The Same To You
08. The Pilgrim
09. For The Good Times
10. Sunday Mornin’ Comin’ Down
11. The Silver Tongued Devil And I
12. Smile At Me Again
13. Same Old Song
14. Loving Her Was Easier (Than Anything I’ll Ever Do Again)
15. Why Me
Die Zusammenarbeit in Martin Engeliens GoMusic-Projekt mit Ben Granfelt und Thomas Blug, führte schon im letzten Jahr zu dem Entschluss, als ‚Blug, Granfelt & Engelien‘ in Trioform ein eigenes Bandprojekt ins Leben zu rufen. Nun war es soweit, dass sich die Band in dieser Formation präsentierte. An den Drums wurden sie unterstützt von Tommy Fischer.
Im Konzert in Krefeld spielte die Band neben Stücken von Granfelt und Blug, auch einige Songs vom Album, das Anfang nächsten Jahres veröffentlicht werden soll. Dass diese Tracks diesmal noch instrumental vorgetragen wurden, tat der Stimmung im Publikum der knapp zur Hälfte gefüllten Kulturrampe keinen Abbruch und zeigte, dass sie gut angenommen wurden.
Stark war, wie Blug und Granfelt sich twinguitarmäßig in den Songs die Noten zuschmissen und Engelien und Fischer für den nötigen dynamischen Rhythmus sorgten und beide min einem längeren Solopart ihre Spielkunst unter Beweis stellen konnten.
Besondere Höhepunkte in einem kurzweiligen Konzert, das mit einigen gekonnten Coverstücken gewürzt wurde, waren „My House Is Green“ von Blug und „Hey Stranger“ (ich meine gehört zu haben, wie Granfelt ein paar Noten von „Miss You“ in den Song spielte) von Granfelts letztem Album sowie „Faith, Hope & Love“ und „Allmighty Blues“, die Granfelt mal für Wishbone Ash geschrieben hatte.
Man darf gespannt sein, wie die Setlist beim nächsten Mal aussehen wird, wenn die Band das Album im Umlauf ist.
Line-up: Thomas Blug (electric guitar) Ben Granfelt (lead vocals, electric guitars) Martin Engelien (bass) Tommy Fischer (drums, vocals)
Hinter Orphan Jon And The Abandoned verbirgt sich eine Formation, bei der ihr Frontmann Jon English gute Musiker, im wechselnden Verbund, um sich versammelt. Wenn man auf das Cover der neuen Scheibe „Over The Pain“ und auf seine ganz in schwarz gekleidete Person (mit schwarzer Sonnenbrille und fettem Tattoo auf dem rechten Arm) blickt, ist man ohne Vorwissen zunächst geneigt zu meinen, dass es sich vielleicht um ein Heavy Metal-Werk handeln könnte.
Dem ist allerdings nicht so. Englisch stammt aus Bakersfield in Kalifornien (da wo auch der berühmte Sound herkommt, der die Countrymusik in Teilen mitgeprägt hat) und ist tief in der American Roots- und Blues-/Blues Rock-Musik verwurzelt. Seine Heimat schimmert aber in so manchen typisch rhythmisch groovenden Tracks wie u. a. dem Opener „Tight Dress“, „She“, „Broken Angel“ oder „Livin‘ My Life“ ganz dezent mit durch. Hier leisten Drummer Jason Blakely und Bassist Ray Sadolsky ganze Arbeit.
Englishs engagierter Gesang ist jetzt nicht der vor dem Herrn, macht ihn durch die Omnipräsenz und das überwiegende Songwriting von ihm, allerdings mit zur entscheidenden Persönlichkeit auf der Scheibe. Der heimliche Star ist jedoch der auch uns gut bekannte Musiker Alastair Greene, der hier ein regelrechtes (E-)Gitarrenfeuerwerk in allen Spielarten abliefert und ebenfalls am Songwriting stark beteiligt war.
Der gibt Stücken wie „Going Down To Mobile“ und „Redheaded Woman Blues“ ein tolles Deltablues-Flair und Sachen wie „Somewhere Salvation“, „Everyone Knows“ oder „Memories Of Me And You“ mit Slide- und konventionellen E-Gitarrenspiel, eine unverkennbare Southern Rock-Note. Die fulminanten Soli in allen drei Stücken werden Fans des Genres Tränen in die Augen treiben. Ganz großes Kino! Greene hat das Album auch produziert.
Markante Gastbeteiligungen gibt es noch von Rebecca Aguilar, die beim herrlichen Titelstück „Over The Pain“, einer wunderschöne Ballade, und dem gospelig swingenden Abschlusstrack „There’s No Need“ ihre Backgroundvocals beisteuert. Dazu kommen noch Walter Trout-Drummer Michael Leasure bei „Redheaded Woman Blues“ und Mike Malone (Ryan Bingham, Marc Ford) mit starken Keys (Tracks 3 und 12).
Fazit: Orphan Jon And The Abandoned legen mit „Over The Pain“ ein sehr kurzweiliges und abwechslungsreiches Werk vor, das sowohl in der Blues- als auch Southern Rock-Szene aus besagten Gründen ihre Anhängerschaft finden müsste. Der alles überragende Alastair Greene mit seinen famosen Gitarrenkünsten und der charismatische Fronter Jon English bilden dafür ein hervorragendes Grundgerüst.
Label: Vintage LaNell Records (2022) Stil: Blues Rock
Tracks: 01. Tight Dress 02. She 03. Over The Pain 04. Got No Name (For Amy Marie) 05. Broken Angel 06. Going Down To Mobile 07. Livin‘ My Life 08. Somewhere Salvation 09. Redheaded Woman Blues (Acoustic) 10. Everone Knows 11. Memories Of Me And You 12. There’s No Need
Seit Anfang Juni veröffentlicht die Tedeschi Trucks Band in regelmäßigen Abständen die einzelnen Episoden-Teile ihres Mammut-Projektes “I Am The Moon”. Mit dem letzten Chapter “Farewell” liegen das genreübergreifende Gesamtwerk und seine 24 Songs nun in voller Länge vor. Die Eigenproduktion, die in ihrer lyrischen Background-Handlung ein alt-persisches Liebes-Epos teilweise nachempfindet, vermittelt über die vier Alben eine außergewöhnliche Rock’n’Roll-Erfahrung.
Der unvergleichlich intensiv-warme und einfühlsame Sound setzt sich auch im “Farewell”-Opener “Last Night In The Train” beispiellos fort. Ein straight forward Song im souligen Outfit, der Susan Tedeschis starke Vocals mit unverkennbaren Arrangements der Beatles-Ära umgibt. Als Erinnerung an den verstorbenen, brillianten Keyboarder Kofi Burbridge (aus Derek Trucks Solo-Band) wird “Soul Sweet Song” zur Tribute-Hymne mit swingendem Gospel-Chorus, die auf einem Guitar-/Piano-Teppich entschwebt.
Auch der nachfolgende Track “D’Gary” ist in besonderer Weise eine Hommage an einen besonderen Musiker. Der aus Madagaskar stammende (überwiegend) Acoustic-Gitarrist D’Gary wird durch Susans klaren Gesangsstil und Dereks meisterliche Variation – versehen mit durchaus überraschend afrikanischen Einflüssen – verdientermaßen in den Fokus der Öffentlichkeit gehoben.
“Farewell” ist der kürzeste Teil (ca. 26 Minuten) der 4-fachen Werkschau und hat mit dem Mike Mattison-Song “Where Are My Friends” einen weiteren Top-Track zu bieten. Mattison, ein herausragender Sänger, Songwriter und Co-Autor, der in einer ganzen Reihe von Songs bei “I Am The Moon” mit ausdrucksvoller Blues-Stimme auftritt, gilt als Multiinstrumentalist; sein würdevoller Rückblick auf die Jahre mit der Allman Brothers Band hinterlässt in Trucks Solo-Einlagen die typischen Southern Rock Eindrücke und Sound-Spuren des unvergessenen Bandgründers Duane Allman.
Eine zärtlich-akustische “Auszeit” bringt das Duett “I Can Feel You Smiling”, das Susan und Derek gemeinsam interpretieren – eine liebevoll lyrisch-musikalische Songperle vom Feinsten! Das hoffnungsvolle “Farewell”-Abschiedslied “Another Day” kennzeichnet zum Schluß noch einmal das großartige Soundgefüge des gesamten Ensembles in einem beschwingten Lebewohl-Rhythmus, dessen übermächtige Anziehungskraft immer wieder verstärkt durch Trucks Solo-Spielweise ausgeübt wird.
Die Tedeschi Trucks Band hat mit “I Am The Moon” insgesamt eine grandiose Studioproduktion geschaffen, die ihre einmalige, musikalisch-multikulturelle Songfolge als eine epische Reise durch die Einflüsse einer alten Liebeserzählung und die Reflektion sehr unterschiedlicher Sound-Stilrichtungen versteht. Eine bandeigene Gabe hieraus Jam, Blues, Southern Soul, Gospel, Jazz und weitere Elemente zu kombinieren und eine musikalische Vision zu entwickeln, bildet die Basis des in diesem Umfang unvergleichbaren Songwritings- und Albumkonzeptes. Die Formation hat nochmal an Größe und Ausstrahlung zugelegt und gehört ohne Zweifel zu den powerful breathtaking US-Rock’n’Roll Big Bands.
Fantasy Records (2022)
Stil: Blues Rock, Southern Soul
Tracks:
01. Last Night In The Train
02. Soul Sweet Song
03. D’Gary
04. Where Are My Friends?
05. I Can Feel You Smiling
06. Another Day
Es ist tatsächlich schon wieder fast drei Jahre her, als wir das letzte Mal eine SOUND OF NASHVILLE-Veranstaltung im Helios37 in Köln besucht haben. Damals war unter dem Support von Tebey und Temecula Road, Scotty McCreery Hauptact gewesen. Es war noch Vor-Corona-Zeit, bei uns gab es einen richtigen New Country-Ruck im Lande und die Location war rappelvoll.
Die Pandemie brachte dann das noch zarte Pflänzchen wieder zum Erliegen. Gerade die mittleren und kleineren Clubs haben sich trotz der Aufhebung der Beschränkungen immer noch nicht erholt und sind weit weg von dem Zuschauer-Niveau von einst.
Das konnte man auch an diesem Abend spüren, an dem Lindsay Ell als Headliner, mit Kyle Daniel und Shy Carter im Schlepptau, Nashville-Feeling in die Domstadt zurückbringen sollte. Knapp 150 Zuschauer sorgten bei schweißtreibenden Temperaturen doch für einige Lücken im Saale.
Vor Konzertbeginn hatten wir dann das Vergnügen, im weitläufigen Backstagebereich, ein Interview mit der netten Kanadierin zu machen, das dann demnächst etwas später auch hier nachzulesen sein wird.
Den Auftakt bestritt dann der aus Kentucky stammende, mittlerweile in Nashville ansässige Kyle Daniel, den eingefleischte Southern Rock-Fans vielleicht noch als Lead Sänger der Band The Last Straw kennen werden. Den Anwesenden wird er anhand einiger getragener T-Shirts mit seinem Abbild aber vermutlich vom C2C-Festival 2020 geläufig gewesen sein.
Kyle spielte die Akustikgitarre und glänzte mit seinem vorzüglichen angerauten Gesang. Partner mit auf der Bühne war David Henriksson an der E-Gitarre, der mit seinen Slide-Künsten zu gefallen wusste.
Das Duo bot dann Songs wie u. a. „Soul On Fire“, Following The Rain“, „Everybody’s Talkin‘“ oder „Deep in The Woods“ (schön swampig) und präsentierte sich als der countryeskeste Act an diesem Abend. Eine starke Vorstellung der beiden, die nur noch von einer Rhythmussektion aus Bass und Schlagzeug mit im Hintergrund hätte getoppt werden können!
Um 20:45 Uhr betrat dann die eigentliche Überraschung des Abends zusammen mit dem Akustikgitarristen Adam Smith die Bühne. Als ich den bis dato für mich unbekannten, mit Basecap und dicker Goldkette geschmückten Shy Carter sah (dazu hatte er noch lässig ein Handtuch über der Schulter hängen), befürchtete ich zunächst nichts Gutes (irgend so etwas Hip Hop-mäßiges…), wurde aber schon nach wenigen Minuten eines Besseren belehrt.
Denn der zog mit seiner positiven Ausstrahlung und seinen melodischen Songs sofort das gesamte Publikum, das er auch immer wieder zum Singen animierte, mit in seinen Bann. Man merkte sofort, warum er oft als gern gesehener Songwriter für bekannte Interpreten wie u. a. Meghan Trainor, Jason Derulo, Charlie Puth, Faith Hill, Tim McGraw, Keith Urban, Kane Brown oder Billy Currington fungierte.
Das Publikum gab sich jedenfalls bei Tracks wie u. a. „Good Love“ (mit schönem Reggae-Touch), „Heaven“ (etatmäßig performed durch Kane Brown), „You Need To Know“, „Stuck Like Glue“, „God Whispered Your Name“ (Keith Urban) und dem stimmungsvollen „One Call Away“ (Charlie Puth) am Ende, sehr textsicher und nahm die Interaktions-Einladungen immer wieder gerne an.
Ein guter Typ, dieser Shy Carter!
Zu mittlerweile tropischen Temperaturen musste dann die sympathische Kanadierin Lindsay Ell als Alleinunterhalterin, die mittlerweile ziemlich schwitzenden und sich immer wieder Luft zu wedelnden Leute, bei Stimmung halten. Wir hatten sie ja schon zwei mal zuvor im kleineren Blue Shell begutachten können. Sie hatte wenigstens zwei Ventilatoren auf der Bühne und hielt diese dann auch zwischendurch ganz gentlelady-like mal in ihre Audienz.
Lindsay startete mit ihrer aktuellen Single „Right On Time“ in der Akustikvariante. Auch beim folgenden „Go To“ musste die Akustische für ihr filigranes Gitarrenspiel hinhalten. Für „Castle schulterte sie dann erstmalig die E-Gitarre. Vor ihrem Song „Consider This“ reflektierte sie noch mal kurz die Zeit, als sie von Randy Bachman von Bachman Turner Overdrive in Kanada entdeckt wurde.
Über u. a. „Good“, einen neuen Track („I Met You“?), „Gravity“, „The Other Side“, „Hits Me“, „Make You“ kam es bei bald schon kriminellen Luftfeuchtigkeitsverhältnissen im Helios mit „Criminal“ zum Abschluss, wobei Lindsay dann mit „I Don’t Love You“ von ihrem noch aktuellen Album „Heart Theory„, eine Zugabe auf der Akustikgitarre nachlegte. Eine gewohnt gute und engagierte Vorstellung von ihr, wobei ich mir insgeheim doch gewünscht habe, sie mal mit einer Band im Rücken zu erleben.
Trotzdem war es auf jeden Fall wieder schön, den ‚Sound of Nashville‘ nach so langer Pause hautnah miterlebt zu haben. Insgesamt ein kurzweiliger Event mit drei guten Künstlern!
Nachdem das Festival Corona-bedingt zweimal verschoben werden musste, konnte es in diesem Jahr endlich starten und wenige Tage vor dem Tag der Veranstaltung war die letzte Karte verkauft worden. An einem heißen Augusttag versammelten sich etwa 1.500 Musikfans im beschaulichen Balve im Sauerland und schon ab der ersten Band war die Höhle, in der erträgliche Temperaturen herrschten, sehr gut gefüllt.
Pünktlich im Zeitplan betraten die Musiker von Bröselmaschine um Peter Bursch die Bühne und legten einen vom Publikum gut angenommenen Auftritt hin. In einer Mischung eigener Songs und stark interpretierten Coversongs sorgten Sie von Beginn an für eine entsprechende Stimmung. Teilweise psychedelisch angehauchte Songs mit orientalischen Einflüssen, auch durch die von Bursch eingesetzte Sitar, sorgten zuweilen für eine fast mystische Stimmung in der Höhle.
Stella Tonon stand mit ihrer ausdrucksstarken Stimme oft im Vordergrund, unter anderem beim Etta James-Klassiker „I’d Rather Go Blind“. Aber auch beim stark gespielten „Children Of The Revolution“ konnten insbesondere Gitarrist Dommers und Manni von Bohr beweisen, dass Bröselmaschine auch die härtere Gangart beherrscht. Tom Plötzer an den Keyboards untermalte die Songs mit zuweilen gewaltigen Klangteppichen und Detlef Wiederholt sorgte gekonnt für die tiefen Töne und gab mit Manni van Bohr den Rhythmus vor.
Line-up Bröselmaschine:
Peter Bursch – Gitarre, Sitar, Gesang
Michael Dommers – Gitarre
Tom Plötzer – Keyboards
Manni von Bohr – Schlagzeug
Detlef Wiederholt – Bass
Stella Tonon – Gesang
Nach einer kurzen Umbaupause, das Schlagzeug konnte stehen bleiben, da Manni von Bohr auch bei Birth Control mitspielte, machten die Musiker des deutschen Rockurgesteins weiter. In den etwa 60 zur Verfügung stehenden Minuten legten die Musiker ein krachendes, eher dem Hardrock zuzuordnenden Konzert hin.
Das Setup war dabei eine Mischung von Songs aus den 70er Jahren bis hin zum aktuellen Album, das erst vor wenigen Monaten veröffentlicht wurde. Neben von Bohr, der schon in einer Phase in den Achtziger Jahren die Drums bespielte, stand mit Sänger Peter Föller, der bei den meisten Songs auch Gitarre spielte, ein zweiter Musiker aus den Anfangsjahren der Band auf der Bühne, die in den Jahrzehnten ihres Bestehens einige Umbesetzungen erlebt hatte.
Neben Klassikern wie „The Work Is Done“ oder „Titanic“ ragte das neue „I Don’t Mind“ mit seinem groovigen Rhythmus heraus. Der Höhepunkt war dann allerdings „Gamma Ray“, in einer etwas kürzeren Version, das die Fans mit seinem Rhythmus zum begeisterndem Mitgehen animierte. Martin Ettrich nutzte hier auch die Talkbox und feuerte krachende Gitarrenriffs in die Höhle.
Föller überzeugte stimmlich sowohl bei den alten wie den neuen Songs und Bassist Hannes Vesper und Manni van Bohr sorgten nicht nur bei „Gamma Ray“ für einen krachenden Rhythmus, dass man Angst um die Statik der Höhle haben konnte. Eine großen Anteil an dem komplexen Sound hatte natürlich auch Keyboarder Sascha Kühn, der neben untermalenden Tönen auch Orgeltöne beisteuerten, die stilistisch eine Nähe zu manchen Deep Purple Songs inne hatten. Ein Klasse Auftritt der Rockdinos, die mit den neuen Songs klar stellten, dass die musikalische Reise noch nicht beendet ist.
Line-up Birth Control:
Peter Föller – Gesang, Gitarre
Martin „Ludi“ Ettrich – Gitarre, Talk Box
Sascha Kühn – Keyboards
Hannes Vesper – Bass
Manni von Bohr – Schlagzeug
Bevor Jane auftraten, richtete Guido Simm vom Veranstalter zusammen mit seiner Frau einige Worte an die Fans und holte noch Klaus Walz von Jane auf die Bühne, der schon seit Jahren Mitveranstalter ist.
Wie Birth Control hat auch Jane über die Jahre das Gesicht mehrfach verändert, spielt aber nun schon seit einigen Jahren in der jetzigen Besetzung die alten Klassiker der Band.
Traditionell starte Jane mit „All My Friends“ und zog die Fans direkt in ihren Bann. Bei den meisten Songs übernahmen Niklas Turmann und Holli Coolyard den Leadgesang oder überzeugten mit Harmoniegesängen mit den restlichen Musikern. Bei „Grown“ konnte Keyboarder Corvin Bahn beweisen, das auch er ein guter Sänger ist. Highlights waren natürlich „Fire, Water, Earth & Air“, „Fly Away“ mit jammenden Zwischenteil, in dem alle Musiker mit Soloparts überzeugen konnten und das abschließende „Hangman“, wo sich Klaus Walz und Niklas Turmann an den Gitarren ein feines Duell lieferten. Nach etwa 75 Minuten Spielzeit ließen Jane mit einem bemerkenswert spielfreudigen Auftritt begeisterte Fans zurück, die sich in der Umbaupause für The Band Of Friends stärken konnten.
Als vierte Band war dann die Band Of Friends an der Reihe. In etwa 75 Minuten lieferte Gerry McAvoy mit seiner Band eine Mischung von eigenen Songs und solchen, die er zusammen mit Rory Gallagher in dessen Karriere live gespielt hatte. Er war der einzige Begleitmusiker, der auf jedem Studioalbum dabei war und auch live die meisten Jahre mit von der Partie war.
Die Gitarren spielten an diesem Abend Paul Rose und Stephan Graf, der Jim Kirkpatrick ersetzte, der andere Termine hatte, diesen aber glänzend auch beim Gesang vertrat. In den folgenden 75 Minuten legte die Band eine satte Show mit einer exquisiten Setlist hin, der die Besucher regelrecht mitriss.
Mit „Messing With The Kid“ und „Shinkicker“ wurde die Höhle auf Betriebstemperatur gebracht. Bei Songs wie „Lonely Mile“ offenbarte McAvoy auch seine gesanglichen Qualitäten. Highlights waren das treibende „Moonchild“ und die letzten drei Songs des Konzerts.
Eine wunderschöne Version von „A Million Miles Away“, bei der sich Rose und Graf durch die zum Song passende filigrane Gitarrenarbeit abwechselten, war der Beginn für das Finale Furioso, bei dem es auch fürs Publikum kein Halten mehr gab. Im Intro zu „Bad Penny“ heizte McAvoy das Publikum zum lautstarken Mitgehen auf und alle Musiker hatten ihre Soloparts, wo sich McAvoy zuweilen ganz zurücknahm und vom Bühnenrand betrachtend das Publikum animierte, seine Mitstreiter anzufeuern, was dieses auch machte.
Aber er stachelte selbst die Musiker immer wieder an, die Rolle an der Front der Bühne anzunehmen, wo sie bei ihrer starken Gitarrenarbeit auch hingehörten. Hier zeigte sich, dass es sich um eine Band handelt, in der jeder auch sichtbar eine wichtige Rolle einnimmt und wenn Mastermind McAvoy diese manchmal fast dazu drängen musste. Die letzten Klänge von „Bad Penny“ waren gerade verstummt, als Graf in die Ansage Mcavoys schon die ersten markanten Töne von „Shadow Play“ einspielte und danach folgte ein regelrechtes Feuerwerk an Gitarrensoli in einer scheinbaren Endlosschleife mit immer neuen Nuancen.
Neben dem Gitarrenspiel ist aber auch die Rhythmusarbeit hervorzuheben. McAvoy und Brendan O’Neil legten ein Grundlage, die es in sich hatte und schon Rory Gallagher über Jahre die Möglichkeit gab, sich darauf auszutoben. Trotz lautstarker Zugabeforderungen war danach aus Zeitgründen Schluss und es bleibt zu hoffen, dass The Band Of Friends noch lange solch begeisternden Auftritte hinlegen werden.
Line-up Band Of Friends:
Gerry Mc Avoy – Bass & Vocals
Brendan O´Neil – Drums
Paul Rose – Guitar
Stephan Graf – Guitar, Vocals
The New Roses hatten durch den Auftritt von The Band Of Friends natürlich als abschließende Band ein dickes Brett hingelegt bekommen. Mit ihrem Rock, inspiriert von Musikern wie Led Zeppelin, Black Crowes gelang es ihnen aber gut, die Stimmung im Publikum hochzuhalten, auch wenn sich mittlerweile weit nach Mitternacht die Reihen im Publikum etwas gelichtet hatten.
Fronter Timmy Rough mit einer ausdrucksstarken Rockstimme stand dabei meist im Vordergrund und glänzte mit einigen feinen Gitarrensoli, bei denen er auch von Dizzy Presley unterstützt wurde. Mit Drummer Urban Berz und dem extrovertiert auf der Bühne wirbelnden Hardy am Bass wurde für eine Hard Rock-Rhythmusgrundlage gesorgt.
Stark war auch das Lynyrd Skynyrd-Cover „Simple Man“, das Rough alleine mit der Akustikgitarre spielte. Schön war bei dem Auftritt der Band zu sehen, dass einige jüngere Fans wegen The New Roses den Weg in die Balver Höhle gefunden hatten und die Rockmusik nicht nur den alten Damen und Herren vorbehalten ist.
Line-up The New Roses:
Timmy Rough – guitar, voices
Dizzy Presley – guitar
Hardy – Bass
Urban Berz – drums
So fand ein toller Festivaltag einen gebührenden Abschluss, der vom Veranstalter sowohl in der Höhle, wie auch auf dem Vorplatz bestens organisiert war und an dem man sich wirklich wie ein Gast fühlen konnte. In der Form kann man sich schon auf die Fortsetzung des Festivals im nächsten Jahr freuen.
Ein Besonderer Dank an Hartwig und Leo Komar von On Stage Promotion für die Akkreditierung über The Band of Friends und den Veranstalter für die Akkreditierung und den wirklich zuvorkommenden Empfang.
„Blood Red Moon“ ist das neue Album des vom Chicagoblues geprägten Musikers Jeff Dale mit den South Woodlawners, der bereits in 2019 mit seinem Album „Blues Power“ Eingang in die Annalen von Sounds Of South gefunden hat. In seiner 40-jährigen Laufbahn stand Dale mit zahlreichen Größen des Bluesbiz gemeinsam auf der Bühne. In seiner Heimat zählt er daher schon zu den lebenden Blueslegenden.
„Blood Red Moon“ könnte man vorschnell als Bluesscheibe charakterisieren. Damit würde man aber Dales Musik nicht gerecht werden, da die Songs auf dem Album zu viele Einflüsse aus anderen Musikrichtungen enthalten (Jazz, R&B, Rock’n’Roll und ansatzweise auch Funk) und sich so zu einer eigenwilligen Melange vereinigen. Deutlich wird dies auch an den normalerweise nicht zur Standardinstrumentierung gehörenden Tenor- und Altsaxophonen, Hawaigitarre (Lap Steel Guitar), Sitar und Cello.
Der spaßige Shuffle „You Made Your Own Bed“ mit Slidegitarre und den zu den Gitarrenriffs passenden Backgroundvocals eröffnet das Album. Mit einem jazzigen Bass- und Saxophonintro beginnt „Cicero“. Zusammen mit Jeffs beschwörendem Gesang entwickelt sich der Song zu einem gefühlvollen Slowblues. Auch das ruhige und sparsam instrumentierte „Autumn Blues“, ebenfalls mit Saxophonbegleitung, ist stark vom Jazz beeinflusst.
Ähnlich auch der langsam vor sich hin groovende Titelsong „Blood Red Moon“ mit eingängiger Gitarrenhookline, Cello und stimmig beigesteuerten Refrains der Sängerin Elizabeth Hangan, deren gesanglicher Beitrag auf dem Album insgesamt nicht hoch genug bewertet werden kann. Insbesondere gilt dies auch für „Push Comes To Shove“, wo ihr Gesang einen starken Kontrast zu Dales dunkler Stimme bildet.
Bei den Boogie Woogie-Rhythmen von „She Wouldn‘t Leave Chicago“ möchte der Hörer dann aber endlich wieder die Tanzfläche stürmen, um anschließend bei dem weichen von Bläsern und einer Lap Steel Guitar getragenen Song „The Dirty Jacks“ dahin zu schmelzen und bei „That Ain’t Love“ zu Tenorsaxophon und süßen Backgroundvocals weiter zu träumen. Wenn danach „Trouble Know Where I Live“ ertönt, hat es sich allerdings wieder ausgeträumt. Der Song startet funkig-flott und geht in eine richtig gute Rock‘n‘Roll Nummer über. Schließlich endet das Album mit den sehr eingängigen R&B-Rhythmen von „Things‘ll Get Worse“.
Unter dem Strich ist „Blood Red Moon“ durch die Einflüsse zahlreicher Musikstile stilistisch mehr als eine reine Bluesscheibe. Daran haben sicherlich die smoothen Saxophonklänge, die Lap Steel-, Slideguitar- und Celloeinlagen zusammen mit den Sangeskünsten der bereits gelobten Backgroundsängerin einen nicht unerheblichen Anteil. Und letztendlich drückt Jeff Dale der Platte einen durch seinen, sagen wir mal Gesangsstil mit hohem Wiedererkennungswert, zusätzlich einen weiteren Stempel auf.
Mit „Blood Red Moon“ liefern Jeff Dale und die South Woodlawners eine erfrischend andere und neue Interpretation des Blues ab, die richtig viel Spaß macht, weil sie fest eingetretene Bluespfade verlässt und neue Hörwelten erschließt. Für Bluesfeinschmecker ist die Platte absolut empfehlenswert.
Label: Pro Sho Bidness Stil: Blues
Tracks: 01. You Made Your Own Bed 02. Cicero 03. Blood Red Moon 04. At The Wolf’s Door 05. Autumn Blues 06. She Would’t Leave Chicago 07. The Dirty Jacks 08. That Ain’t Love 09. Trouble Know Where I Live 10. Push Comes To Shove 11. Things’ll Get Worse
2019 debütierten die beiden Freunde Makenzie Willox und Zak Thrall als Indie-Folk-Duo Shovelin Stone. Mittlerweile ist Shovelin Stone zum Quartett angewachsen. Russick Smith am Bass und Brett Throgmorton am Schlagzeug erweitern als Rhythmusfraktion den Sound, der durch akustische Gitarre und Banjo geprägt ist. „Summer Honey“ stellt ein mehrschichtiges Americana-Album dar, das seine Wurzeln im Bluegrass-orientierten Folk nicht verleugnet. Die Band aus Colorado hat die Tracks in West Virginia mit dem Produzenten Chance McCoy (Old Crow Medicine Show) aufgenommen, der für einen unmittelbaren und erdigen Klang gesorgt hat.
Der Titelsong „Summer Honey“, zugleich Single und Opener des Albums, besticht durch die starke Rhythmusarbeit, das feine Banjo von Thrall und den coolen Gesang von Willox. Sommerlich-luftig schließt sich „Won’t You Tell Me“ an, der im positiven Sinne unaufgeregt daherkommt. Im Gegensatz zur musikalischen Gestaltung steht der Inhalt, der sich um eine Beziehungskrise dreht.
Den Texten kann eine poetische Qualität nicht abgesprochen werden. Sie sind meist ernsthaft und wirken aufrichtig, wie es sich für Songwriter gehört. Ein atmosphärisch dichter Song ist „Ain’t No Shooting Star“, der die Reue über begangene Taten thematisiert. Inhaltlich in eine ähnliche Richtung bewegt sich „Here’s To Jesus“, bei dem sich das lyrische Ich eingesteht, dass ihm die Größe zur Verzeihung oder Vergebung von erlittenen Schandtaten fehlt. Ausgefeiltes Storytelling bietet „Wash Over You“, das auch musikalisch eine runde Nummer geworden ist.
Ein weiteres Highlight stellt „Note To Self“ dar: Ein toller Track mit kraftvollem Refrain, der Anleihen beim Irish-Folk aufweist. Willox bläst hier in die Mundharmonika, wodurch der Sound der Band nochmal eine neue Facette erhält. Mit dem Banjo-Picking drückt Thrall den meisten Songs seinen Stempel auf. Bei dem lockeren „No Good At Waiting“ wird es durch die Mandoline von Smith ergänzt. Hier scheint die Nähe zum Bluegrass ebenso durch wie bei dem leicht countryfizierten „Drunk When I Get There“. Das Stück könnte von The Dead South stammen. Eine Parallele der Bands besteht auch im Einsatz des Cellos. Multiinstrumentalist Smith untermalt mit ihm das stimmungsvolle „Love Me Too“ und gibt dem Abschlussstück „Black + White“ eine zusätzliche dramatische Note.
Da das Debüt von Shovelin Stone hierzulande wohl kaum wahrgenommen wurde, kann die Band mit ihrem Nachfolgealbum „Summer Honey“ als die bislang interessanteste Neuentdeckung des Jahres gefeiert werden. Das Quartett glänzt mit einer Reihe hervorragender Americana-Songs, bei denen das Banjo zwar stets präsent ist, der Soundvielfalt aber nicht im Wege steht. Es bleibt also zu hoffen, dass man von der jungen Band bald mehr hört – gerne auch live.
Eigenproduktion (2022)
Stil: Americana/
Tracks:
01. Summer Honey
02. Won’t You Tell Me
03. Ain’t No Shooting Star
04. Note To Self
05. Drunk When I Get There
06. WingSong
07. Love Me Too
08. Here’s to Jesus
09. Wash Over You
10. No Good At Waiting
11. Black + White
Walter Trout, der inzwischen samt Familie seinen Wohnsitz vom sonnigen Kalifornien ins sandige Dänemark verlegt hat, bringt Mitte August sein mittlerweile 30. Soloalbum (!) heraus. Es erscheint bei Provogue Records, nachdem er dort seinen Vertrag verlängert hatte. Den Plattenvertrag dazu bekam der US-Blues-Rock-Gitarrist von seiner Frau und Managerin Marie anlässlich seines 70‘sten Geburtstages geschenkt.
Das Album heißt „Ride“ und ist eine musikalische und auch emotionale Zusammenfassung seines bisherigen, mitunter turbulenten Lebens, nach eigenem Bekunden eine Art von Vergangenheitsbewältigung. Wie viele andere Musiker auch, nutzte Trout die coronabedingte Zwangspause, um neues Material zu sammeln und legte damit den Grundstein für „Ride“, nachdem er zuletzt für sein Vorgängeralbum „Ordinary Madness“ 2020 auf der Bühne gestanden hatte.
Eingespielt wurde das Album in den kalifornischen Kingsize Studios, in denen Trout bereits mehrere Alben aufgenommen hatte. Begleitet wird Trout von seinem langjährigen Schlagzeuger Michael Leasure, dem Keyboarder Teddy „Zig Zag“ Andreadis und dem neuen Bassisten Jamie Hunting, sowie seinem Tourmanager Anthony Grisham, der allerdings nur auf Leave It All Behind“ zu hören ist.
Gleich zu Beginn pustet Trout mit dem gewaltigen Sound von „Ghosts“ die Boxen der HiFi-Anlage frei und stimmt die Zuhörer auf die kommenden 60 Minuten ein. Mit tosenden Gitarrenriffs erzählt er von Erinnerungen und Geistern, die ihn verfolgen, während der Titelsong „Ride“ im stampfenden Rhythmus eines Güterzuges ein Gefühl des amerikanischen Traumes der Freiheit erzeugt, so wie Trout es als kleiner Junge in seinem Elternhaus durch die vorbei rasenden Züge empfand.
Ganz anders hingegen das emotionale, melodiöse „Follow You Back Home“, in dem Trout die schwere Zeit einer zeitweiligen Trennung von seiner Frau verarbeitet. Das Besondere an diesem Song ist, dass er hier zum allerersten Mal überhaupt eine Streichergruppe zur Untermalung einsetzt.
Angesichts 400.000 Covid-Toter in den USA groovt „So Many Sad Goodbyes“ leicht düster vor sich hin und in dem wunderschön-traurigen Slowblues „Waiting For The Dawn“ mit teils sphärischen kristallklaren Gitarrenklängen kann Trout mit schwerem Herzen kaum die Morgendämmerung erwarten. Danach geht er im verzweifelt klingenden „Better Days Ahead“ mit harten Riffs der Frage nach dem Sinn des Lebens auf den Grund und in „High Is Low“ krächzt sich der Kalifornier, unterstützt von einer rauen Bluesharp, die Stimme aus dem Leib. Die Lyrics zu diesem Song hat übrigens Walters Ehefrau Marie beigesteuert.
Gemessen an Trouts bekanntem Gitarrenstil nimmt das leichtfüßige „Fertile Soil“ dann schon fast eine Sonderstellung ein. Es kommt ungemein countrymäßig mit Americana-Elementen daher und erinnert an den fruchtbaren Boden seiner Jugendzeit, als er in einer Schülerband mitspielte.
Das folgende Stück „I Worry Too Much“ wartet dann wieder mit einem typischen Trout-Sound mit treibenden Gitarrenriffs auf, während „Leave It All Behind“ eine flotte Rock‘n‘Roll-Tanz-Nummer mit Bläserunterstützung im Stile von Chuck Berry ist, auf der Anthony Grisham die Rhythmusgitarre spielt, da Trout wegen seines gebrochenen kleinen Fingers, nicht den richtigen Chuck Berry-Klang hinbekommen kann.
Ruhiger geht‘s dann mit dem etwas elegischen „Hey Mama“ weiter. Hier verarbeitet er sein nicht ganz ungetrübtes Verhältnis zu seiner Mutter, die ihn nicht hinreichend vor seinem Stiefvater schützen konnte. Allerdings ist Walter Trouts Gedankenwelt nicht nur negativ eingestellt. Es gab auch gute Momente in seinem Leben, z. B. als er seine Frau Marie auf einem Bluesfestival kennenlernte. Davon erzählt schließlich der wunderschöne Hendrix-artige Blues „Destiny“.
Mit „Ride“ ist Walter Trout nach seinem 2015‘er Album „Battle Scars“ sicherlich sein persönlichstes Werk geglückt. Es ist äußerst dynamisch und abwechslungsreich und bietet mit neuen Facetten seiner Musikalität absoluten Hörgenuss. Man spürt seine ungebrochene Spielfreude und den Willen, das Leben zu genießen. Für seine Fans ist die Scheibe, nicht zuletzt auch wegen der sehr persönliche Texte, daher ein unbedingtes ‚Must Have‘. Ich jedenfalls habe die Scheibe in Dauerschleife rauf und runter gehört und bin sie immer noch nicht leid.
Label: Provogue Records Stil: Blues, Blues Rock
Tracks: 01. Ghosts 02. Ride 03. Follow You Back Home 04. So Many Sad Goodbyes 05. High Is Low 06. Waiting For The Dawn 07. Better Days Ahead 08. The Fertile Soil 09. I Worry Too Much 10. Leave It All Behind 11. Hey Mama 12. Destiny
Der Wunsch etwas zu hinterlassen, das überdauert, trieb Loudon Wainwright III schon in jungen Jahren um. Aus einem heute wohl nicht mehr nachzuvollziehenden Grund dachte er, dass er mit 25 Jahren versterben würde. Es ist zum Glück anders gekommen, aber das Bedürfnis, sich zu verewigen, treibt den nun 76jährigen immer noch an. In dem Bewusstsein, dass „Lifetime Archievement“ sein letztes Album sein könnte, feilte Wainwright III solange an den Songs, bis er dachte, dass er nichts mehr an ihnen verbessern kann. „Lifetime Archievement“ ist eine Reflexion auf den Prozess des Alterns und zugleich eine Momentaufnahme seines derzeitigen musikalischen Stands.
Loudon Wainwright III schaut auf eine lange und erfolgreiche Karriere zurück. Neben seinen musikalischen Ambitionen widmete er sich auch der Schauspielerei und trat in Filmen („28 Tage“, „Aviator“) und im Fernsehen („M.A.S.H.“, „Ally McBeal“) auf. Als Musiker veröffentlichte er fast dreißig Alben, wobei er immer noch denkt, dass er seine Zeit hätte besser nutzen können, um mehr Song zu schreiben. Dafür, dass ihm einige gelungen sind, zeugen ein Grammy für das Album „High Wide & Handsome“ sowie die Tatsache, dass sie von Größen wie Johnny Cash und Bonnie Riatt interpretiert wurden.
Wainwright III wollte ein Album traditioneller Machart vorlegen und so kann „Lifetime Archievment“ als Folkalbum durchgehen, obwohl einige Songs zum Teil mit großer Bandbesetzung eingespielt wurden. Er präsentiert sich – nur mit Gitarre und Mundharmonika bewaffnet – auf dem wortgewaltige „I Been“ als klassischer Singer/Songwriter. Tolstoi und Sartre zitiert er bei „Fam Vac“. Der dort besungene Familienurlaub wird nicht als Urlaub mit, sondern als Urlaub von der Familie ersehnt. Die Texte von Wainwright III sind also nicht durchgängig schwere Kost, sondern tragen durchaus amüsante Züge.
Bei den Folksongs variiert Wainwright III die Begleitung, indem er mal ein Akkordeon hinzufügt („It Takes 2“) oder die Gitarre durch die Ukulele ersetzt („Fun & Free“). Besonders gelungen ist „Hell“, das trotz des Titels durch die Mandolinenbegleitung entspannt wirkt. Mit Banjo und Streichern wurde das getragene „How Old Is 75?” eingespielt. Bei „One Wish“ und „It“ verzichtet Wainwright III gänzlich auf die Instrumente und sing a cappella, bei letztgenanntem unterstützt durch Chaim Tannenbaum.
Ein Highlight stellt der flotte Bluegrass „Little Piece Of Me“ dar. Das sanfte „Back In Your Town” und das rauere „Town & Country” sind weitere. Bei meinem Favoriten „Town & Country” zahlt sich die Ergänzung durch Schlagzeug und Bläsersektion aus. Einzelne Songs, wie das Titelstück, tragen leicht sentimentale Züge, aber diese halten sich im Rahmen und sind für ein Alterswerk ja auch nicht untypisch. Insgesamt hat Wainwright III das Album gemeistert und der Pokal auf dem Cover mag dafür sprechen, dass er dies auch so sieht.
Loudon Wainwright III muss sich nichts mehr beweisen, will es aber immer noch wissen. Er blickt – zum Teil mit einem Augenzwinkern – auf sein bisheriges Leben mit erfüllten und unerfüllten Wünschen sowie mit begründeten und unbegründeten Ängsten zurück. Dies tut er vor allem mithilfe von Folksongs. „Lifetime Archievement“ ist dabei nicht puristisch, sondern unternimmt Ausflüge in Americana und Bluegrass.
Proper Records – H’Art/Bertus (2022)
Stil: Folk/Americana
Tracks:
01. I Been
02. One Wish
03. It Takes 2
04. Fam Vac
05. Hell
06. Little Piece Of Me
07. No Man’s Land
08. Back In Your Town
09. Town & Country
10. Island
11. It
12. Hat
13. Lifetime Archievement
14. How Old Is 75?
15. Fun & Free
