Emanuel Casablanca, ein in Brooklyn lebender Gitarrist, der bisher immer „nur“ als Begleitmusiker zahlreicher bekannter Künstler in Erscheinung getreten ist, veröffentlicht nunmehr sein erstes eigenes Album „Blood On My Hands“, allerdings mit Unterstützung anderer namhafter Gitarristen (Eric Gales,Albert Castaglia, Paul Gilbert), der Sängerin Kat Riggins und des Saxophonisten Jimmy Carpenter.
Man hätte also durchaus ein abwechslungsreiches, interessantes Album erwarten können. Typisch für den Sound auf Casablancas Erstlingswerk sind allerdings das überwiegend in schwarz gehaltene Cover sowie die Titel vieler Songs, in denen immer wieder Blut auftaucht („Afraid Of Blood“, In Blood“, „Blood On My Hands“, „Bloodshot Eyes“, „Thicker Than Blood“, „Devils Blood“ und „Blood Money“).
Eine kurze, knappe Beschreibung des Albums könnte also lauten: „Heavy und düster, so wie es Cover und Songtitel vermuten lassen“. Lediglich der wirklich melodiöse Slowblues „Like A Pulse“ mit Casablancas und Kat Riggins einfühlsamen Gesängen, „Bloodshot Eyes“ (sehr schön mit Albert Castaglia an der Gitarre), das Slidestück „Nashville“ und der von Jimmy Carpenter am Saxophon untermalte Blues „Anna Lee“ stechen aus den 16 Tracks des Albums wohltuend hervor. Allenfalls auch noch der sehr harte Boogie „Testify“.
Die restlichen Songs hören sich für mich ziemlich morbide an, wie unter dem Einfluss schlechter Drogen eingespielt. Man muss diesen Sound schon mögen und sicherlich wird es auch eine Hardcore-Fraktion geben, der es gefällt. Letztendlich alles eine Frage des persönlichen Geschmacks und der Vorlieben jedes Einzelnen.
Emanuel Casablanca selbst sagt über seine Musik, dass es ihm um Emotionen gehe und seine Gefühle die Führung übernähmen und dass er Ihnen dann musikalisch folge. Wenn dem so ist, lebt er in einer ziemlich schwarzen und bedrückenden Welt.
Label: Kings County Blues (2022) Stil: Blues
Tracks: 01. Afraid Of Blood 02. In Blood (feat. Paul Gilbert) 03. Blood On My Hands (feat. Eric Gales) 04. Like A Pulse (feat. Kat Riggins & Sanca Of The Valley) 05. Bloodshot Eyes (feat. Albert Castiglia) 06. Nashville (Feat. Felix Slim) 07. Sunday Talks 08. Thicker Than Blood 09. Anna Lee (feat. Jimmy Carpenter) 10. Testify (feat. Brother Dave) 11. Devil‘s Blood (feat. Felix Slim) 12. Blood Money 13. Fantasies 14. My Nerves 15. Shaky Tables 16. Rottenpockets
Vor fünfundzwanzig Jahren trat Gretchen Peters das erste Mal im Vereinigten Königreich auf und legte damit den Grundstein für ihren Erfolg auf der Insel. Anlässlich dieses Jubiläums entstand die Doppel-CD „The Show. Live From The UK“, mit der die Songwriterin ihren treuen Fans in Großbritannien eine besondere Freude machen will. Das Werk enthält einen Zusammenschnitt von drei Konzerten, die Ende April 2019 aufgenommen wurden.
Die Hälfte der Songs stammt von einem Auftritt in Bristol, die anderen von welchen in Bexhill-On-Sea und Bury St. Edmunds. Auf dem erste Tonträger begleitet ein schottisches Streicher-Quartett die Band. Neben Peters besteht diese aus Barry Walsh (Klavier), Colm McClean (elektrische Gitarre) und Conor McCreanor (Bass). Ein Schlagzeug kommt also nicht zum Einsatz und so bietet „The Show“ einen insgesamt ruhigen Hörgenuss.
Peters, die 2014 in die Nashville Songwriter Hall Of Fame aufgenommen wurde, schreibt eingängige Songs mit teilweise bissigen Texten. So steigt die erste Scheibe stimmungsvoll mit „Arguing With Ghosts“ und „Hello Cruel World“ ein. Es folgen ruhige Balladen im gleichen Stil, unter denen „Revival“ besonders gut gesungen ist. „Blackbirds“ sticht durch seine dramatische Atmosphäre heraus. Das Stück heimste seinerzeit die Auszeichnung als bester Americana-Song des Jahres in Großbritannien ein.
Im Anschluss stellt Peters die Musiker vor und gibt eine Anekdote zu „When You Love Someone“, das als Soundtrack zusammen mit Bryan Adams geschrieben wurde, zum Besten. Das Track-Splitting ist hier unverständlich, da sich die Einleitung des Songs am Ende des vorherigen findet. Allerdings sind Live-Alben ja so konzipiert, dass man sie sich durchgehend anhört und so stört dieser Umstand nicht weiter. Während die einzelnen Beiträge durchweg gelungen sind, bleibt in der Gesamtsicht auf die erste CD doch festzuhalten, dass sie keinen großen Spannungsbogen entfaltet. Die Stücke ähneln sich in Tempo und Arrangement. Die zweite Scheibe zeigt sich deutlich variabler.
Der Opener des zweiten Durchgangs „When All You Got Is A Hammer” ist ein inhaltlich und musikalisch starker Song, bei dem Colm McClean zum Zuge kommt. Auch bei dem reduzierteren „Disappearing Act” setzt er erneut mit seiner E-Gitarre Akzente. Peters singt dort wunderbar mit trotziger Energie. Der leichte Country-Einschlag bei „Wichita“ passt zu der gewalttätigen Story, die der Text erzählt.
Nach launigen Bemerkungen über sonnenverbrannte Engländer performt Peters nochmal eine gefühlvolle Ballade („Say Grace“). Bei „Everything Falls Away” dominiert Barry Walsh am Klavier die Begleitung und legt ein längeres Solo hin. Für „The Matador“ holt Peters nochmal Seonaid Aitken mit ihrer Geige und für „Five Minutes“ die Cellistin Alice Allen auf die Bühne, bevor mit „Idlewild“ das Werk ausklingt.
Auf dem zweigeteilten „The Show. Live From The UK“ zeigt Gretchen Peters ihre Qualität als Songwriterin und Sängerin mit einem Querschnitt aus ihrer mehr als fünfundzwanzigjährigen Solokarriere. Die erste CD verläuft – durchgängig von einem Streicher-Quartett begleitet – in ruhigen Bahnen. Atmosphärisch abwechslungsreicher stellt sich die zweite CD dar, auf der das Können ihrer Begleitband deutlich wird.
Mit der neuen Scheibe im Gepäck gibt die gebürtige New Yorkerin im August erneut Konzerte in England und Schottland, wobei sie wieder einen Auftritt in Bristol hat. Dieser dürfte also ein Heimspiel in der Fremde sein.
Proper Records – Bertus (2022) Stil: Americana
Tracks: CD 1 01. Arguing With Ghosts 02. Hello Cruel World 03. The Secret Of Life 04. Revival 05. Love That Makes A Cup Of Tea 06. Blackbirds 07. When You Love Someone 08. On A Bus to St. Cloud 09. To Say Goodbye 10. When You Are Old
CD 2 01. When All You Got Is A Hammer 02. Disappearing Act 03. Whichita 04. Say Grace 05. Everything Falls Away 06. The Matador 07. Five Minutes 08. Idlewild
Neues Album der Country-Singer/Songwriterin Kelsey Waldon! Die inzwischen 32-jährige Waldon war Kritikern bereits 2014 mit ihrem Debut “The Goldmine” aufgefallen und konnte 2019 den bei uns besprochenen Longplayer “White Noise/White Lives” auf verschiedenen Best of-Listen (z.B. Rolling Stone) platzieren. Ihre EP “They’ll Never Keep Us Down” (2020) mit Cover-Songs zur US-Bürgerrechtsbewegung war eine kämpferische Ansage und brachte ihre Intention, wieder ein selbstbewusstes und authentisches Album aufzunehmen, weiter voran.
Die neue Scheibe “No Regular Dog” ist Waldons viertes Studiowerk, das ihr kreatives Songwriting sorgfältig in den Mittelpunkt stellt; Kelseys Stimme verbreitet das typische Country-Flair einer traditionsreichen Stilrichtung ihrer Heimat Kentucky. Der Titeltrack eröffnet die Scheibe in harmonisch fließender und entspannter Coolness, mit überzeugenden Lyrics, die auch in der ersten Single des Albums (“Sweet Little Girl”) keine Randnotiz beschreiben, sondern die intensive Sehnsucht sich selbst zu finden und den richtigen Weg zu beschreiten.
Dieses ehrliche Story-Telling folgt in “Tall And Mighty”, im 70er Jahre Country-Rock-Sound, vielen legendären Vorbildern. Deutlich in der Tradition einer ganzen Reihe von Country-Ladies, die wie Kelsey Waldon ihre bewundernswerte Ausstrahlung einer tiefen musikalischen Verbundenheit verdanken, wirkt das Stück nicht zuletzt durch seine zeitlose Komposition.
Das Verdienst der maßgeblichen Mitgestaltung gebührt ohne Zweifel Shooter Jennings, der u.a. auch als Produzent von Brandi Carlile und Tanya Tucker, die 11 Aufnahmen von ”No Regular Dog” als erfahrener -Rocker wesentlich begleitet hat. Seine Erfahrungen zeigen sich in Songs, wie “You Can’t Ever Tell”, einer liebevollen Old-Time Country-Ballade, oder den wunderbaren “Season’s Ending”, einem John Prine Tribute-Song, der in seinem soulful Harmonies dem Mentor von Kesley Waldon gewidmet ist und einer Ehren-Hymne gleichkommt.
Mit bestechender Vocal-Eleganz und immer wieder auffallend feinen Text-Passagen, z.B. im “Backwater Blues” oder dem Liebeslied “Simple As Love”, findet Waldon einfühlsam Geschichten des ländlichen Amerika, die musikalisch ebendort angesiedelt sind – hauptsächlich interpretiert von Fiddle, Banjo, Pedalsteel und Guitar. Ein akustisches Country-Folk-Traditional-Album, das mit “Progress Again” (dem letzten Song) Waldons persönliche Story aufarbeitet.
Eine kleine Krönung der gesamten Produktion kommt von Country-Ikone Jim Lauderdale mit seiner Introduction zu “Sweet Little Girl”: “All the way from Monkeys Eyebrow, Kentucky, here’s Kelsey Waldon”, und “adelt” damit in höchst anerkennender Weise die junge Country Lady. Mit “No Regular Dog” wird ein auf Anhieb erfrischend herzlich wirkendes Country-Roots-Album einer sehr begabten und couragierten Interpretin veröffentlicht.
Oh Boy Records (2022) Stil: Country
Tracks: 01. No Regular Dog 02. Sweet Little Girl 03. Tall And Mighty 04. You Can’t Ever Tell 05. Season’s Ending 06. History Repeats Itself 07. Backwater Blues 08. Simple As Love 09. Peace Alone (Reap What You Sow) 10. Progress Again 11. The Dog (Outro)
Miraculuos Mule ein schon ein eigenartiger Name für eine Band. Und das halloweenartige oder dem mexikanischen „Día de Muertos“ entsprungene Cover ihrer neuesten CD „Old Bones, New Fire“ passt auch ganz gut dazu. Beides lässt somit eine besondere Mucke erwarten. Und die Erwartung wird nicht enttäuscht.
Die vier Briten (Ian Burns, Vocals und Drums; Patrick McCarthy, Bass, Banjo, Vocals; Alex Louise Petty, Drums, Vocals; Michael J. Sheehy, Gitarren, Gesang), die afroamerikanischen Gospel, Gefängnis- und Arbeitslieder sowie Hilly-Billy-Tunes als Einflüsse auf ihren Musikstil benennen, liefern tatsächlich eine musikalisch interessante, wenn auch sehr ruhige, Scheibe ab, die sich nicht einfach in eine bestimmte Schublade stecken lässt. Countryfied-Hilly-Billy-Gospel-Blues wäre eventuell eine treffende Beschreibung.
Obwohl sie sich selbst als Agnostiker, abtrünnige Katholiken und Ungläubige beschreiben, besitzt „Old Bones, New Fire“ teilweise eine nahezu religiöse Note. Jedenfalls vermitteln die gospeligen Melodien („I Know I’ve Been Changed“, nur mit Percussionunterstützung langsam vorgetragen; „O Death“ mit wunderschönem Gesang von Alex Louise Petty, „John The Revelator“, das hoffnungsvolle „You Got To Take Sick And Die“, weniger gospelig, aber balladesk mit religiösem Bezug) diesen Eindruck.
Bei anderen Songs kommen dann wiederum eher dezente Countryeinflüsse zur Geltung. Zu nennen wäre hier das aus der Singer-Songwriter Ecke stammende, leichte „We Got What We Deserve“, die ein wenig düstere Ballade „Butcher Boy“ mit Banjo gegen Ende des Songs und die Banjo-Honky-Tonk Nummer „Nobody/Nothing“, die mit einem beschwingten Rhythmus wie aus dem Off ertönt. Auch das harmonische „Fire In My Bones“ wirkt durch das Banjo als tragendes Instrument. Bei „City Of Refuge“ und „Sinnerman“ hingegen handelt es sich um ruhige, schöne und eingängige Balladen.
Alle Songs auf dem Album strahlen eine gewisse Wärme und Ruhe aus, welche durch die klangvollen Chorgesänge, teils im Background, teils im Vordergrund, betont werden. Das neue Album des wunderbaren Maultieres lädt definitiv nicht zu wilden Feierlichkeiten ein, ist aber für besinnliche Stunden oder ganz einfach zum Herunterkommen nach einem stressigen Tag bestens geeignet.
Tracks: 01. I Know I’ve Been Changed 02. Nobody/Nothing 03. City Of Refuge 04. We Get What We Deserve 05. Fire In My Bones 06. O Death 07. John The Revelator 08. Butcher Boy 09. You Got To Take Sick And Die 10. Sinnerman
Wade Bowen zählte schon immer zu meinen großen Lieblingskünstlern,auch über die Red Dirt-/Country Rock-Sparte hinaus. Der Texaner besticht durch seine tolle Stimme, die melodischen Songs, seine kreative Ader und eine gewisse Zuverlässigkeit beim Abliefern seiner niveauvollen Werke.
2019 hatte ich die große Ehre, ihn persönlich vor seinem Konzert im Blue Shell in Köln bei einem Interview, wo ich ihn auch erstmalig live sah, gegenüberzusitzen., wo sich der sympathische Charakter, den man schon automatisch aus seinen Songs ableitet, eindrucksvoll bestätigte.
Mit „Somewhere Between The Secret Aand The Truth“ legt er jetzt sein siebtes Studioalbum vor, das er erstmalig selbst produziert hat. An der Seite hatte er beim Songwriting viele Kollegen wie u. a. Eric Paslay, Heather Morgan, Randy Montana, Drew Kennedy oder Lori McKenna, die schon bei unzähligen CDs in meiner Sammlung, Garanten für tolle Lieder waren.
Die zierliche Lori McKenna, die ich vor sehr vielen Jahren in Utrecht im Rahmen der damaligen Blue Highway Festivals auch schon mal live erlebt habe, assistiert ihm beim Lead- und Harmoniegesang bei „A Beautiful World“ im Stile der typisch gemischten texanischen Duette der Marke Josh Abbott/Kacey Musgraves. Toller Song!
Dabei hatte Wade laut eigener Aussage zunächst eine längere Phase der kreativen Leere zu bewältigen. „Ich hatte länger eine große Antriebslosigkeit und wusste überhaupt nicht, wie ich damit umgehen sollte, bis mich auf einmal die große Lust des Schreibens wieder motivierte. Es war wie ein Neustart, der mir die Leidenschaft wieder zurückgab.
Ich wollte auch herausfinden, wo ich musikalisch stehe und hineinpasse. Das habe ich oft gemacht, bis ich manchmal den Faden verloren habe. Ironischerweise hatte ich durch die COVID-Pandemie die Chance meine Gedanken etwas ruhen zu lassen, um mich mehr auf das zu konzentrieren was ich wirklich möchte. Ich habe erneut rausgefunden wer ich als Songwriter, Sänger und Musiker sein möchte“.
Das Album zeigt Bowen dann auch wieder in Bestform. Zehn unwiderstehliche Ohrwürmer, mal in fluffig-eingängiger Red Dirt-Manier (man höre sich diese melodischen Songs wie den Opener „Everything Has Your Memory“, „The Secret To This Town“ oder „Say Goodbye“, bei dem ich mich schon mehrere Male selbst ertappt habe, wie ich den Refrain beim Fahren zur Arbeit im Auto nachsinge) oder im melancholischen Country-Storytelling (u. a. „Burnin’ Both Ends Of the Bar“) und mit „Honky Tonk Roll“ (mit herrlichem Billy Powell-Gedächtnis-HT-Pianogeklimper und starken Wah-Wah-Slide-Soli) und „She’s Driving Me Crazy“ zwei flotte launige Saloonfeger, die auch seine rockigen Seiten offerieren.
Herrlich wie er am Ende von „Honky Tonk Roll“ die Anziehungskraft der Honkytonk-Bars auf ihn zum Besten gibt: „… You can cuss me, you can judge me, you can hate me, you can love me, you can say I’m out of control, yeah, but I don’t give a damn, I’m on a hell of a honky tonk roll.“
Gegen Ende erhält er im Duett mit Vince Gill quasi dann noch einen musikalischen Ritterschlag, Letztgenannter gibt sich meist nur bei absoluten Klassekünstlern als Gast die Ehre. Ein wunderschöner, einfühlsam von beiden gesungener, Steel-getränkter Countryheuler dieses „A Guitar, A Singer And A Song“.
Mit dem wunderbar eingängigen Titelsong „Somewhere Between The Secret And The Truth“, aus der Feder von ihm und Lori McKenna, schließt ein erneutes Meisterwerk des aus Waco stammenden Texaners. Für manchen hier in unseren Landen mag er noch ein unentdecktes Geheimnis sein, die Wahrheit ist, dass man sich mit diesem Wade Bowen schleunigst beschäftigen sollte. Ein weiteres Klassealbum von ihm!
Bowen Sounds/Thirty Tigers/Membran (2022) Stil: Red Dirt / Country
Tracklist: 01. Everything Has Your Memory 02. Burnin’ Both Ends Of The Bar 03. Honky Tonk Rollt 04. The Secret To This Town 05. If You Don’t Miss Me 06. A Beautiful World feat. Lori McKenna 07. She’s Driving Me Crazy 08. Knowing Me Like I Do 09. It’s Gonna Hurt 10. Say Goodbye 11. A Guitar, A Singer And A Song feat. Vince Gill 12. Somewhere Between The Secret And The Truth
ZZ Top kamen in mein musikalisches Leben in der Nacht vom 19. auf den 20. April 1980 um 4:00 Uhr morgens. In den Staaten längst eine gefeierte Band, traten Sie damals zum ersten Mal in Europa und im Fernsehen überhaupt auf. Es war die 6. Rockpalastnacht, in den Stunden vorher hatten Joan Amatrading, The Blues Band und Ian Hunter ihre Visite abgegeben. Damals hatte man bei diesem legendären Event noch regelrecht mitgefiebert.
Gut 1 1/2 Jahre später sah ich sie dann im Rahmen ihrer „El-Loco“-Tour erstmalig leibhaftig in der Düsseldorfer Philipshalle. Vorband waren die Hard Rocker Rose Tattoo. Weitere 5 Jahre danach in der Kölner Sporthalle zu ihrem Album „Afterburner“ mit dem unvergessenen Moment am Anfang, als eine Sphinx ein großes schwarzes Tuch in ihren Mund aufsaugte und ein für damalige Zeiten futuristisches Bühnenambiente offenlegte.
Und es ist tatsächlich schon wieder 20 Jahre her, dass ich sie zum letzten Mal 2002 mit Gary Moore als Support in der Essener Grugahalle live im Beisein meiner Ehefrau erlebt habe. Der kreative und kommerzielle Höhepunkt des texanischen Trios war da mittlerweile schon überschritten.
Seitdem ist viel Wasser den Rhein heruntergelaufen. Es gab noch zwei Alben „Mescalero“ und „La Futura„, die sicherlich gar nicht mal so schlecht waren, aber keineswegs nochmal so einen Hype wie zu „Eliminator“-Zeiten entfachen konnten.
Heute, wo ich diese Zeilen zum Album schreibe, das einen Soundtrack zu einem Film über ZZ Top darstellt, hat es ein einschneidendes Moment im Leben des Trios gegeben. Ihr charismatischer Bassist Dusty Hill, der sich in diesem scheinbar noch bester Gesundheit erfreute, weilt nicht mehr unter den Lebenden.
Der Film zur CD, der vor geraumer Zeit hierzulande in 3sat gezeigt wurde, war in der berühmten Gruene Hall in New Braunsfeld aufgenommen worden, in der die drei ganz alleine ohne Publikum nochmal frei weg von der Seele spielten und jammtenn, wobei sie einen Teil ihrer großen Stücke plus einiger Überraschungen nochmals nach eigenem Dünken ziemlich rau, wie es der Albumtitel schon suggeriert, zum Besten gaben.
Für mich waren dabei der Opener „Brown Sugar“ (mit tollem Intro), „Thunderbird“ und der „Certified Blues“, die Stücke, die ich nicht mehr so bewusst auf dem Schirm hatte, der Rest ist ein Auszug ihrer weltbekannten Hits, allerdings sehr schön, mit Herz und Freude sowie jeden technischen Firlefanz gespielt. Es macht spaß sich das Teil so zwischendurch mal reinzuschmeißen.
Die Frage, die sich allerdings für mich am Ende stellt, ist, ob es nach dieser Zäsur, wirklich Sinn macht, ohne Dusty Hill weiterzuspielen. Ich finde man hätte hier einen würdigen Cut machen, und erhobenen Hauptes die Bühnen und Studios dieser Welt verlassen können. Gelegenheit zu Musizieren hätten Billy F. Gibbons und Frank Beard sicherlich noch genug (auch separat) für den Rest ihres Lebens.
Eine Antwort darauf haben die beiden allerdings längst gegeben. Angeblich auf Wunsch Hills, geht es mit seinem ehemaligen Gitarrentechniker Elwood Francis am Tieftöner weiter. The show must go on…
Shelter Records/BMG (2022) Stil: Texas Blues Rock
01. Brown Sugar 02. Just Got Paid 03. Heard It On The X 04. La Grange 05. Tush 06. Thunderbird 07. I’m Bad, I’m Nationwide 08. Legs 09. Gimme All Your Lovin‘ 10. Blue Jean Blues 11. Certified Blues 12. Tube Snake Boogie
Das einzige NRW Konzert, das coronabedingt mehrfach verschoben werden musste, fand nicht wie ursprünglich geplant in der Westfalenhalle 1, sondern in der Zeche in Bochum statt. Der Grund war einmal mehr, dass die geplanten Ticketverkäufe nicht wie erhofft verliefen und deshalb der Gang in die kleinere Zeche allein aus Kostengründen für den Veranstalter alternativlos war. So war die Zeche zumindest halbwegs gefüllt, wobei die Empore auch aus Produktionsgründen für die aufwendige zusätzliche Beleuchtung für Besucher gesperrt war.
Als Support hatte der irische Bluesmusiker Eamonn McCormack die Möglichkeit, bei einem 30-minütigen Auftritt auf sich aufmerksam zu machen. In diesen 30 Minuten zeigte der Ire mit seinen beiden jungen langjährigen Begleitmusikern, dass es sein letztes Album „Storyteller“ nicht umsonst in mehreren europäischen Bluescharts, bis zur Nr. 1 schaffte. Emotional war dabei seine Ansage zu „Falsely Accused“, einem Song, an dem damals kein geringerer als Rory Gallagher bei den Studioaufnahmen mitwirkte.
Einem bestens aufgelegten McCormack gelang es, dass bei den Thorogood-Fans schon früh eine sehr gute Stimmung aufkam. Seine beiden Mitstreiter Max Jung Poppe an den Drums und Eddy Karg am Bass erhielten bei „That`s Rock`n`Roll“ sogar verdienten Szenenapplaus, als sie die Zeit mit jammenden Improvisationen überbrückten, während McCormack das Gitarrenkabel wechseln musste. Mit „Lady Lindy“, das bei den Fans gut ankam, testete McCormack schon einmal einen unveröffentlichten Songan, der Teil des im Herbst erscheinenden Albums sein wird. Dann wird es auch zu einigen Konzerten zur Promotion kommen, wo er seine gesamte Show präsentieren kann.
Nach einer kurzen Umbaupause betrat dann gegen 21 Uhr ein frenetisch begrüßter George Thorogood mit seinen Destroyers die Bühne. Was dann folgte, war das, was der Titel des ersten Songs „Rock Party“ aussagt. Knapp 100 Minuten Vollgasrock folgten, der die Fans regelrecht mitriss.
Trotz des für Thorogood eigentlich geringen Besuchs war er bestens gelaunt, was sich auch an der Kommunikation zwischen den Songs bemerkbar machte, wo er zuweilen schelmische Ansagen machte und immer ein Lächeln im Gesicht hatte. Daran hatten mit Sicherheit auch die Fans ihren Anteil, die von der ersten Minute an mitgingen, mitsangen und an Applaus nicht sparten. Zuweilen stimmten die Fans zwischen den Stücken Fangesänge an, die man eigentlich nur aus Fußballstadien kennt.
Die Setlist war eine bunte Mischung aus Coversongs, wobei das Bo Diddley Cover „Who Do You Love“, die hart vorgetragene Rock`n`Roll-Nummer „Johnny B. Goode“, inklusive einiger Hüftschwünge Thorogoods und „Tequila“ herausragten. Beim letztgenannten Track ließ er seine Destroyers den Song zunächst einmal allein jammend performen, um irgendwann das ‚Tequila‘ beizusteuern, wobei er natürlich eine stimmgewaltige Unterstützung der Besucher hatte.
Die Höhepunkte waren aber natürlich seine eigenen Klassiker „I Dring Alone“, „Bad To The Bone“, „One Bourbon One Scotch One Beer“ und „Born To Be Bad“, mit welchem er einen begeisternden Konzertabend abschloss, der mit Sicherheit auch eine größere Location verdient gehabt hätte. Thorogood bewies, dass er mit seinen mittlerweile 72 Jahren noch lange nicht zum alten Eisen gehört und konnte sowohl stimmlich wie auch spielerisch an der Gitarre überzeugen, über deren Saiten er zeitweise nur so hinwegflog.
Unterstützt wurde er von seinen Alltime-Begleitern, den Destroyers, die einen gewaltigen Anteil hatten, dass er sprichwörtlich die Bude einriss. Jeff Simon mit seinem zuweilen treibenden Drums und Bassist Jeff Simon und Rhythmusgitarrist Jim Suhler (auch mit einigen starken Soli) legten eine voluminöse Soundgrundlage, auf der sich Thorogood regelrecht austoben konnte und dazu auch Saxophonist Buddy Leach noch einige feine Soloparts draufpacken konnte.
Der einzige Wermutstropfen, den die Besucher aber nicht direkt mitbekamen war, dass das Konzert für den Veranstalter nicht kostendeckend war, da die erwarteten Besucherzahlen nicht erreicht werden konnten. Wenn die Konzertkultur der kleinen und mittelgroßen Locations so weitergehen soll, kann dies nur geschehen, wenn die Besucherzahlen zumindest annähernd denen der Vor-Corona Zeit gleichen. Die Frage ist, woran die zuweilen schlechten Besuche liegen.
Ist es die Angst vor Infektionen, sind die Preise zu teuer oder ist es einfach gemütlicher auf der Coach? Wenn ich überlege, dass die Rolling Stones ein paar Tage später vor etwa 50.000 Menschen in Gelsenkirchen spielten und die Eintrittspreise um ein Vielfaches höher lagen, scheinen die beiden ersten Gründe eher abwegig zu sein. Musikfans bekommt einfach den Hintern hoch, sonst gibt es irgendwann nur noch Events, bei denen die Musiker mit dem Fernglas gesucht werden müssen und das, was die publikumsnahen Konzerte ausmacht, wo man mit den Musikern fast vis-a-vis steht, wird Geschichte sein…
Line-up George Thorogood And The Destroyers: George Thorogood – Guitars, vocals Jeff Simon – Drums Bill Blough – Bass Jim Suhler – Guitars Buddy Leach – Saxophone
Die „Last Orders“ Tour, die 2019 zum 50. Bandjubiläum gestartet wurde, konnte nach mehreren Verlegungen endlich auch in NRW an den Spielorten Zeche in Bochum und in der Kantine in Köln fortgesetzt werden. Wenn man den Mutmaßungen Glauben schenkt, wurde an den Abenden mit einer Glocke die vermutlich letzte Bestellung von UFO geliefert.
Leider waren an beiden Abenden in den Locations wie sooft in den letzten Monaten wieder größere Lücken im Zuschauerraum zu vermerken. Dass UFO aber immer noch eine treue Fangemeinde hat, konnte man daran erkennen, dass man einige Zuschauer an beiden Tagen anwesend sah.
Im Schatten der Hard Rock-Dinos hatte die griechische Band Cellar Stone die Chance, Werbung in eigener Sache zu machen, was den Fünfen auch mit eingängigen klassischen Songs der Zunft gelang. Interessant war dabei, wie die Band ihren, von den Fans positiv aufgenommen, knapp 40 minütigen Auftritt, abschloss. Nachdem die letzte Note ihres letzten Tracks verklungen war, setzten sie noch einmal mit einem Gitarrenriff des UFO-Klassikers „Rock Bottom“ ein, was zum Abschluss noch einmal für Szenenapplaus sorgte.
Nach einer kurzen Umbaupause war es dann soweit. Auf der spärlich ausgeleuchteten Bühne waren nur einige Spots auf eine Glocke gerichtet, die um 21 Uhr die vermutlich letzten Konzerte einläutete. Zu den Klängen des Alex Harvey-Klassikers „Faith Healer“ betraten UFO dann die Bühne und bedienten die Fans mit knapp über 90 Minuten klassischem Hard Rock.
Im Setup gab es keine großen Überraschungen und die Band verließ sich zum Großteil auf die altbewährten Hits, die aber auch mit einer großen Spielfreude präsentiert wurden. Dabei war der mittlerweile 74-jährige Phil Mogg gesanglich noch auf der Höhe und bewies auch seine Qualitäten als Entertainer zwischen den Songs. Dass bei UFO nicht nur der Fronter im Vordergrund steht, konnte man daran erkennen, dass Mogg sich immer wieder in den hinteren Bereich der Bühne zurückzog und den anderen Musikern das Zentrum überließ.
Vinnie Moore begeisterte mit gewohnt starken Gitarrensoli, aber auch Neil Carter ist ein exzellenter Leadgitarrist, der auch die Keyboards bestens beherrscht. Beim Kölner Konzert spielte er mit einer solchen Energie, dass er sich vermutlich beim Keyboardspiel den Kopf stieß. Den kleinen Cut, den er an der Stirn hatte, wurde gar nicht weiter beachtet.
Erstaunlich oft befand sich Bassist Rob De Luca im Zentrum des Geschehens und steuerte neben einer starken Rhythmusarbeit auch bei einigen Songs den Backgroundgesang bei. Eine Freude war es, den mittlerweile 70-jährigen Andy Parker zu beobachten, wie er seine Drums von sanft streichelnd, bis zu brachial eindreschend bearbeitete. Welche wichtige Rolle er in der Band spielt, konnte auch ganz am Ende des Konzertes gesehen war, wo es ihm vorbehalten war, sich noch einmal von den Fans, mit einem zufriedenen Lächeln zu verabschieden, als der Rest der Band die Bühne bereits verlassen hatte.
Highlights waren das verspielte, zuweilen träumerische „Love To Love“ und das fast epische, leicht psychedelisch und jazzig angehauchte „Rock Bottom“ sowie der Kracher „Doctor Doctor“. UFO waren bei ihrem vermutlich letzten Mal in der Region in Bestform.
An der Stelle sei aber auch noch einmal die Problematik für Veranstalter, Clubs und Promotionagenturen und Bands erwähnt, die sich nicht in den zum Teil auch preislich abgehobenen Sphären befinden, wo eine Karte der billigsten Kategorie schon mal im dreistelligen Bereich liegt.
Wenn Locations nur zur Hälfte oder sogar weniger frequentiert sind, bedeutet es nicht nur, dass die Einnahmen über die Eintrittspreise wegbrechen, sondern auch im Bereich Catering weitaus geringer ausfallen und am Ende alle Beteiligten finanziell im Regen stehen. Wenn die Rockkultur in ihrer ureigentlichen Form weiterbestehen soll, geht das nur, wenn die kleinen und mittelgroßen Club, die ja auch für die meisten großen Bands einst die Grundlage waren, mit einer soliden Verdienstbasis kalkulieren können.
Dies gelingt aber nur mit Hilfe der Musikfans, die wieder regelmäßig Konzerte besuchen, ansonsten droht, dass in naher Zukunft, der eine oder andere feine Club die Tore schließen muss. Wenn dies dann einmal geschehen ist, ist dies meist unumkehrbar. Deshalb an dieser Stelle die Bitte, doch mal auf den Seiten der lokalen Veranstalter oder Magazine zu schauen, was so in nächster Zeit geboten wird, und wieder den Weg auch zu den kleineren Gigs zu finden. In diesem Sinne „kein Rock`n`Roll ist auch keine Lösung“.
Line-up: Phil Mogg (lead vocals) Vinnie Moore (electric and acoustic guitars) Rob de Luca (bass, vocals) Andy Parker (drums) Neil Carter (keys, guitar, vocals)
Line-up: Aris Pirris – (lead vocals, guitar) George Maroulees (guitar) Akis Rooster (bass) George Karlis (drums)
Ich muss zu meiner eigenen Schande gestehen, dass ich Whiskey Myers bis dato im Southern Rock-Genre nicht so gebührend auf dem Schirm hatte, wie es hätte sein sollte. Klar, wir haben hier über ihre CD „Mud“ berichtet und auch schon ein kurzes Interview gemacht und die meisten ihrer Werke besitze ich auch, aber so ist zum Beispiel ihr letztes Album in 2019, das immerhin Platz1 der Country Billboard Charts und Platz 6 der allgemeinen Charts erreicht hat, ein echter Durchbruch gewesen.
Fairerweise muss ich sagen, dass dieses auf den üblichen Kanälen, soweit ich mich erinnere, hier auch nicht angeboten worden war. Jetzt ist aber ihr neues Werk „Tornillo“ wieder in der Hand von unseren Freunden von Oktober Promotion gelandet und ich bin auch echt froh, dass es so gekommen ist. Eine Wahnsinnsscheibe!
Benannt ist sie nach der Stadt an der Grenze von Texas zu Mexico, die für ihr Auffanglager für minderjährige Mexikaner unrühmliche Schlagzeilen produziert hat. Whiskey Myers hatten den Longplayer, nur wenige Kilometer von dort entfernt, 21 Tage isoliert im 2.300 Hektar großen Sonic Ranch Studio, eingespielt.
Das Titelstück und der Opener zugleich, nur mit Trompeten gespielt, erinnert an Beerdigungsbegleitung und erscheint mir als Synonym für die dortigen bedrückenden Verhältnisse, mit kritischem Unterton behaftet zu sein. Apropos Bläser, die haben Whiskey Myers zum ersten Mal deutlich spürbar integriert. Allerdings ohne, dass es auf den Wecker geht, eher um sehr geschickt, ähnlich wie Lynyrd Skynyrd auch zum Teil sporadisch, den treibenden Groove der meisten Songs zu verstärken. Paradebespiel dafür ist das herrlich folgende „John Wayne“.
Gerade Skynyrd-Fans werden bei rassigen Songs wie „Feet’s“ (eine Art Mischung aus „MCA“, „T For Texas“ und „Smokestack Lightnin'“), „Mission To Mars“ (unterstützt vom Backgroundgesang der McCrary Sisters) und dem blues-rockigen „Bad Medicine“ (großartige E-Soli, starke BGVs wieder von den Schwestern) eine Träne im Auge verdrücken und sich fragen, ob ihre alten Helden, sich nochmals für ein letztes Album auf diesem Niveau aufraffen können.
Gegen Ende wird es besonders großartig. Bei „Heavy On Me“ klingt es wie eine Session zwischen den Stones und den Allman Brothers, „Other Side“ wirkt wie eine Southern Rock-Variante von „All Along The Watchtower“ und das schwermütige „Heart Of Stone“ setzt im Stile der ebenfalls für Furore sorgenden Kollegen von The Steel Woods, mit melancholischer Akustikgitarre, Mollpianotönen und grummelnden Streichern, ein weiteres eindrucksvolles Ausrufezeichen zum Abschluss der CD.
Mit „Tornillo“ ist Whiskey Myers ein echter Geniestreich gelungen. Man findet die Scheibe (ohne jeden kleinsten Durchhänger) mit jedem Hördurchgang immer noch ein Stückchen besser. Die Texaner um Sänger Cody Cannon setzen sich damit in diesem Jahr eindeutig an die Spitze des Southern Rock-Genres und sind bei mir persönlich ein ganz heißer Kandidat für das beste Album in 2022. Absoluter Kauftipp!
Label Wiggy Thump Records (2022)) Stil: Southern Rock
01. Tornillo 02. John Wayne 03. Antioch 04. Feet’s 05. Whole World Gone Crazy 06. For The Kid 07. The Wolf 08. Mission To Mars 09. Bad Medicine 10. Heavy On Me 11. Other Side 12. Heart Of Stone
Als Fortsetzung ihrer beiden Longplayer “I., Crescent” und “II., Ascension” veröffentlicht die Tedeschi Trucks Band das Album “III., The Fall”, den 3. Teil ihres monumentalen Studio-Projektes “I Am The Moon”. Den gemeinsamen Rahmen der musikalischen Tetralogie bildet die märchenhafte, orientalische Liebeserzählung Layla & Majnun (12. Jhrd.), deren Einfluss auf die Songs von “The Fall” nicht nur lyrisch zu spüren ist, sondern bei verschiedenen Bandmitgliedern wieder leidenschaftliches Songwriting ausgelöst hat.
Entsprechend wirkt der erste Titel “Somehow” als starker Blues Rock-Song, der das Herzensthema (“written in the heart”) fast dahinschwindend, jedoch gefühlvoll durch Trucks Saitenspiel interpretiert, von Tedeschis souligen Lead-Vocals immer dynamisch begleitet. Bei “None Above” wird dieser warme Sound in Form eines 2-minütigen “Zwischentracks” hautnah an “Yes We Will” (einer Tedeschi Eigenkomposition) weitergegeben: der Gospel-beeinflusste Shuffle brilliert mit Vocal-Parts, die zwischen Aretha Franklin und Janis Joplin Eindrücken angesiedelt sind, sowie einem E-Solo, das den Song als bühnenreifen “Showstopper” abheben läßt.
Die grenzüberschreitende Schaffenskraft der Blues-Rock-Soul und Jam Big-Band findet ihre konzeptionelle Vielseitigkeit und individuelle Klasse ebenfalls in den Kompositionen einzelner Musiker; z.B. im Song von Keyboarder Gabe Dixon, der seine Lead-Vocals auf “Gravity” gegen Little Feat-infusede Guitar und Brass- Rhythmen eindrucksvoll aufbietet. Background-Sänger Mike Mattison (Co-Writer der Piano-getriebenen Melodie von “Emmaline“) vermittelt seine ebenso starken Gesangsparts, ganz ohne Solo-Guitar-Work, in einem 60er Jahre Retro-Track. Eine abschließende Southern-Soul Ballade (“Take Me As I Am”), gesungen im Duett von Susan Tedeschi und Mark Rivers, kennzeichnet das gesamte Bandkollektiv als Gemeinschaft, die das Thema des Longplayers zum Schluß wiederum variiert und musikalisch ausbreitet.
Auch mit der dritten Episode “III., The Fall” erfüllt die Tedeschi Trucks Band die hohen Erwartungen der Fans an das inzwischen bereits hochgelobte 4-teilige Projekt “I Am The Moon” und liefert erneut eine besonders empfehlenswerte Scheibe ab. Die Grammy-prämierte Band wird die gespannt erwartete letzte Album-Folge “IV., Farewell” Ende August in die Läden bringen und Anfang September vier individuelle Vinyl-LPs auflegen.
Fantasy Records (2022) Stil: Blues Rock
Tracks: 01. Somehow 02. None Above 03. Yes We Will 04. Gravity 05. Emmaline 06. Take Me As I Am
